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Pete Seeger, es uno de los grandes e influyentes músicos de folk norteamericano del siglo XX. Ha sido y es maestro y referente de artistas tan importantes como Joan Baez, Bob Dylan o Bruce Springsteen, por citar algunos.
Sus composiciones fueron éxitos pop en los años 60 versionados por otra gente, se podrían mencionar “If I had a hammer” por Trini López y por Peter, Paul & Mary , “Turn turn turn” y “The bells of Rhymney” por The Byrds o “Where have all the flowers gone” por The Kingston Trio y por Peter, Paul & Mary.
Nacido en Nueva York, en 1919, su carrera musical se inició en la década de 1940, al integrarse a las bandas The Almanac Singers (donde también participó Woody Guthrie), y The Weavers, con los que tendría éxito con canciones como “Goodnight Irene” de Leadbelly. Siempre mantuvo en su obra una cuota de compromiso social y de defensa por los derechos humanos, lo que le valió una persecución política en su propio país por parte del Comité de asuntos antiamericanos, quien lo condenó a doce meses de prisión, aunque por un error técnico sólo cumplió cuatro días y diecisiete años de total y absoluta censura en los medios de comunicación.
En los años sesenta con el auge de la cultura Hippie, y los cambios que causó en la sociedad, su carrera artística fue relanzada. Popularizó en Latinoamérica su versión de la canción “Guantanamera” y se opuso fervientemente a la Guerra de Vietnam, a la que le dedicó el tema “I feel I’m fixing to die Rag”.
En 1963 logró un gran éxito con el álbum y la canción “We shall overcome” (No nos moverán).
Es el compositor de clásicos como: “If I had a hammer”, “Where have all the flowers gone”, “Turn, turn, turn” y su mayor éxito comercial lo tuvo con “Little boxes”, composición de Malvina Reynolds que llegó al número setenta de Billboard.
En 1994 recibió la Medalla Presidencial de la Artes, en 1996 entra en el Rock and Roll Hall of Fame y en 1997 el Grammy en la categoría Folk.
En 2009, ya con 90 años, y durante la Ceremonia de Asunción Presidencial de Barack Obama, Pete Seeger tocó junto a U2 y a otros artistas en el Lincoln Memorial de Washington DC.
Pioneros: Pete Seeger (6de6)
Episodio en Pioneros: Pete Seeger
Pete Seeger, es uno de los grandes e influyentes músicos de folk norteamericano del siglo XX. Ha sido y es maestro y referente de artistas tan importantes como Joan Baez, Bob Dylan o Bruce Springsteen, por citar algunos. Sus composiciones fueron éxitos pop en los años 60 versionados por otra gente, se podrían mencionar “If I had a hammer” por Trini López y por Peter, Paul & Mary , “Turn turn turn” y “The bells of Rhymney” por The Byrds o “Where have all the flowers gone” por The Kingston Trio y por Peter, Paul & Mary. Nacido en Nueva York, en 1919, su carrera musical se inició en la década de 1940, al integrarse a las bandas The Almanac Singers (donde también participó Woody Guthrie), y The Weavers, con los que tendría éxito con canciones como “Goodnight Irene” de Leadbelly. Siempre mantuvo en su obra una cuota de compromiso social y de defensa por los derechos humanos, lo que le valió una persecución política en su propio país por parte del Comité de asuntos antiamericanos, quien lo condenó a doce meses de prisión, aunque por un error técnico sólo cumplió cuatro días y diecisiete años de total y absoluta censura en los medios de comunicación. En los años sesenta con el auge de la cultura Hippie, y los cambios que causó en la sociedad, su carrera artística fue relanzada. Popularizó en Latinoamérica su versión de la canción “Guantanamera” y se opuso fervientemente a la Guerra de Vietnam, a la que le dedicó el tema “I feel I’m fixing to die Rag”. En 1963 logró un gran éxito con el álbum y la canción “We shall overcome” (No nos moverán). Es el compositor de clásicos como: “If I had a hammer”, “Where have all the flowers gone”, “Turn, turn, turn” y su mayor éxito comercial lo tuvo con “Little boxes”, composición de Malvina Reynolds que llegó al número setenta de Billboard. En 1994 recibió la Medalla Presidencial de la Artes, en 1996 entra en el Rock and Roll Hall of Fame y en 1997 el Grammy en la categoría Folk. En 2009, ya con 90 años, y durante la Ceremonia de Asunción Presidencial de Barack Obama, Pete Seeger tocó junto a U2 y a otros artistas en el Lincoln Memorial de Washington DC.
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Pioneros: Pete Seeger (5de6)
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Pete Seeger, es uno de los grandes e influyentes músicos de folk norteamericano del siglo XX. Ha sido y es maestro y referente de artistas tan importantes como Joan Baez, Bob Dylan o Bruce Springsteen, por citar algunos. Sus composiciones fueron éxitos pop en los años 60 versionados por otra gente, se podrían mencionar “If I had a hammer” por Trini López y por Peter, Paul & Mary , “Turn turn turn” y “The bells of Rhymney” por The Byrds o “Where have all the flowers gone” por The Kingston Trio y por Peter, Paul & Mary. Nacido en Nueva York, en 1919, su carrera musical se inició en la década de 1940, al integrarse a las bandas The Almanac Singers (donde también participó Woody Guthrie), y The Weavers, con los que tendría éxito con canciones como “Goodnight Irene” de Leadbelly. Siempre mantuvo en su obra una cuota de compromiso social y de defensa por los derechos humanos, lo que le valió una persecución política en su propio país por parte del Comité de asuntos antiamericanos, quien lo condenó a doce meses de prisión, aunque por un error técnico sólo cumplió cuatro días y diecisiete años de total y absoluta censura en los medios de comunicación. En los años sesenta con el auge de la cultura Hippie, y los cambios que causó en la sociedad, su carrera artística fue relanzada. Popularizó en Latinoamérica su versión de la canción “Guantanamera” y se opuso fervientemente a la Guerra de Vietnam, a la que le dedicó el tema “I feel I’m fixing to die Rag”. En 1963 logró un gran éxito con el álbum y la canción “We shall overcome” (No nos moverán). Es el compositor de clásicos como: “If I had a hammer”, “Where have all the flowers gone”, “Turn, turn, turn” y su mayor éxito comercial lo tuvo con “Little boxes”, composición de Malvina Reynolds que llegó al número setenta de Billboard. En 1994 recibió la Medalla Presidencial de la Artes, en 1996 entra en el Rock and Roll Hall of Fame y en 1997 el Grammy en la categoría Folk. En 2009, ya con 90 años, y durante la Ceremonia de Asunción Presidencial de Barack Obama, Pete Seeger tocó junto a U2 y a otros artistas en el Lincoln Memorial de Washington DC.
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Pete Seeger, es uno de los grandes e influyentes músicos de folk norteamericano del siglo XX. Ha sido y es maestro y referente de artistas tan importantes como Joan Baez, Bob Dylan o Bruce Springsteen, por citar algunos. Sus composiciones fueron éxitos pop en los años 60 versionados por otra gente, se podrían mencionar “If I had a hammer” por Trini López y por Peter, Paul & Mary , “Turn turn turn” y “The bells of Rhymney” por The Byrds o “Where have all the flowers gone” por The Kingston Trio y por Peter, Paul & Mary. Nacido en Nueva York, en 1919, su carrera musical se inició en la década de 1940, al integrarse a las bandas The Almanac Singers (donde también participó Woody Guthrie), y The Weavers, con los que tendría éxito con canciones como “Goodnight Irene” de Leadbelly. Siempre mantuvo en su obra una cuota de compromiso social y de defensa por los derechos humanos, lo que le valió una persecución política en su propio país por parte del Comité de asuntos antiamericanos, quien lo condenó a doce meses de prisión, aunque por un error técnico sólo cumplió cuatro días y diecisiete años de total y absoluta censura en los medios de comunicación. En los años sesenta con el auge de la cultura Hippie, y los cambios que causó en la sociedad, su carrera artística fue relanzada. Popularizó en Latinoamérica su versión de la canción “Guantanamera” y se opuso fervientemente a la Guerra de Vietnam, a la que le dedicó el tema “I feel I’m fixing to die Rag”. En 1963 logró un gran éxito con el álbum y la canción “We shall overcome” (No nos moverán). Es el compositor de clásicos como: “If I had a hammer”, “Where have all the flowers gone”, “Turn, turn, turn” y su mayor éxito comercial lo tuvo con “Little boxes”, composición de Malvina Reynolds que llegó al número setenta de Billboard. En 1994 recibió la Medalla Presidencial de la Artes, en 1996 entra en el Rock and Roll Hall of Fame y en 1997 el Grammy en la categoría Folk. En 2009, ya con 90 años, y durante la Ceremonia de Asunción Presidencial de Barack Obama, Pete Seeger tocó junto a U2 y a otros artistas en el Lincoln Memorial de Washington DC.
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Pioneros: Pete Seeger (3de6)
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Pete Seeger, es uno de los grandes e influyentes músicos de folk norteamericano del siglo XX. Ha sido y es maestro y referente de artistas tan importantes como Joan Baez, Bob Dylan o Bruce Springsteen, por citar algunos. Sus composiciones fueron éxitos pop en los años 60 versionados por otra gente, se podrían mencionar “If I had a hammer” por Trini López y por Peter, Paul & Mary , “Turn turn turn” y “The bells of Rhymney” por The Byrds o “Where have all the flowers gone” por The Kingston Trio y por Peter, Paul & Mary. Nacido en Nueva York, en 1919, su carrera musical se inició en la década de 1940, al integrarse a las bandas The Almanac Singers (donde también participó Woody Guthrie), y The Weavers, con los que tendría éxito con canciones como “Goodnight Irene” de Leadbelly. Siempre mantuvo en su obra una cuota de compromiso social y de defensa por los derechos humanos, lo que le valió una persecución política en su propio país por parte del Comité de asuntos antiamericanos, quien lo condenó a doce meses de prisión, aunque por un error técnico sólo cumplió cuatro días y diecisiete años de total y absoluta censura en los medios de comunicación. En los años sesenta con el auge de la cultura Hippie, y los cambios que causó en la sociedad, su carrera artística fue relanzada. Popularizó en Latinoamérica su versión de la canción “Guantanamera” y se opuso fervientemente a la Guerra de Vietnam, a la que le dedicó el tema “I feel I’m fixing to die Rag”. En 1963 logró un gran éxito con el álbum y la canción “We shall overcome” (No nos moverán). Es el compositor de clásicos como: “If I had a hammer”, “Where have all the flowers gone”, “Turn, turn, turn” y su mayor éxito comercial lo tuvo con “Little boxes”, composición de Malvina Reynolds que llegó al número setenta de Billboard. En 1994 recibió la Medalla Presidencial de la Artes, en 1996 entra en el Rock and Roll Hall of Fame y en 1997 el Grammy en la categoría Folk. En 2009, ya con 90 años, y durante la Ceremonia de Asunción Presidencial de Barack Obama, Pete Seeger tocó junto a U2 y a otros artistas en el Lincoln Memorial de Washington DC.
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Pete Seeger, es uno de los grandes e influyentes músicos de folk norteamericano del siglo XX. Ha sido y es maestro y referente de artistas tan importantes como Joan Baez, Bob Dylan o Bruce Springsteen, por citar algunos. Sus composiciones fueron éxitos pop en los años 60 versionados por otra gente, se podrían mencionar “If I had a hammer” por Trini López y por Peter, Paul & Mary , “Turn turn turn” y “The bells of Rhymney” por The Byrds o “Where have all the flowers gone” por The Kingston Trio y por Peter, Paul & Mary. Nacido en Nueva York, en 1919, su carrera musical se inició en la década de 1940, al integrarse a las bandas The Almanac Singers (donde también participó Woody Guthrie), y The Weavers, con los que tendría éxito con canciones como “Goodnight Irene” de Leadbelly. Siempre mantuvo en su obra una cuota de compromiso social y de defensa por los derechos humanos, lo que le valió una persecución política en su propio país por parte del Comité de asuntos antiamericanos, quien lo condenó a doce meses de prisión, aunque por un error técnico sólo cumplió cuatro días y diecisiete años de total y absoluta censura en los medios de comunicación. En los años sesenta con el auge de la cultura Hippie, y los cambios que causó en la sociedad, su carrera artística fue relanzada. Popularizó en Latinoamérica su versión de la canción “Guantanamera” y se opuso fervientemente a la Guerra de Vietnam, a la que le dedicó el tema “I feel I’m fixing to die Rag”. En 1963 logró un gran éxito con el álbum y la canción “We shall overcome” (No nos moverán). Es el compositor de clásicos como: “If I had a hammer”, “Where have all the flowers gone”, “Turn, turn, turn” y su mayor éxito comercial lo tuvo con “Little boxes”, composición de Malvina Reynolds que llegó al número setenta de Billboard. En 1994 recibió la Medalla Presidencial de la Artes, en 1996 entra en el Rock and Roll Hall of Fame y en 1997 el Grammy en la categoría Folk. En 2009, ya con 90 años, y durante la Ceremonia de Asunción Presidencial de Barack Obama, Pete Seeger tocó junto a U2 y a otros artistas en el Lincoln Memorial de Washington DC.
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Pete Seeger, es uno de los grandes e influyentes músicos de folk norteamericano del siglo XX. Ha sido y es maestro y referente de artistas tan importantes como Joan Baez, Bob Dylan o Bruce Springsteen, por citar algunos. Sus composiciones fueron éxitos pop en los años 60 versionados por otra gente, se podrían mencionar “If I had a hammer” por Trini López y por Peter, Paul & Mary , “Turn turn turn” y “The bells of Rhymney” por The Byrds o “Where have all the flowers gone” por The Kingston Trio y por Peter, Paul & Mary. Nacido en Nueva York, en 1919, su carrera musical se inició en la década de 1940, al integrarse a las bandas The Almanac Singers (donde también participó Woody Guthrie), y The Weavers, con los que tendría éxito con canciones como “Goodnight Irene” de Leadbelly. Siempre mantuvo en su obra una cuota de compromiso social y de defensa por los derechos humanos, lo que le valió una persecución política en su propio país por parte del Comité de asuntos antiamericanos, quien lo condenó a doce meses de prisión, aunque por un error técnico sólo cumplió cuatro días y diecisiete años de total y absoluta censura en los medios de comunicación. En los años sesenta con el auge de la cultura Hippie, y los cambios que causó en la sociedad, su carrera artística fue relanzada. Popularizó en Latinoamérica su versión de la canción “Guantanamera” y se opuso fervientemente a la Guerra de Vietnam, a la que le dedicó el tema “I feel I’m fixing to die Rag”. En 1963 logró un gran éxito con el álbum y la canción “We shall overcome” (No nos moverán). Es el compositor de clásicos como: “If I had a hammer”, “Where have all the flowers gone”, “Turn, turn, turn” y su mayor éxito comercial lo tuvo con “Little boxes”, composición de Malvina Reynolds que llegó al número setenta de Billboard. En 1994 recibió la Medalla Presidencial de la Artes, en 1996 entra en el Rock and Roll Hall of Fame y en 1997 el Grammy en la categoría Folk. En 2009, ya con 90 años, y durante la Ceremonia de Asunción Presidencial de Barack Obama, Pete Seeger tocó junto a U2 y a otros artistas en el Lincoln Memorial de Washington DC.
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Pioneros: The Smiths The Smiths fue una banda de Rock formada en Mánchester, Reino Unido en 1982, por Johnny Marr (guitarra, teclados, mandolina, bajo y armónica), Stephen Patrick Morrissey (voz y piano), Mike Joyce (batería y coros) y Andy Rourke (bajo y cello). Se apoyaron en dos piezas básicas, el trabajo guitarrero de Johnny Marr, de notoria expresividad, palpitante, repicante y traslúcida sonoridad que enaltecía las letras de Morrissey, enigmático poeta anclado en la angustia existencial y una perspectiva afligida sobre su contexto sociocultural, desde una ascendencia mitómana y un acercamiento intimista y sensible que le aupó como icono de una juventud descorazonada y contrariada. El melancólico y solitario Morrisey, vegetariano y apóstol del celibato sexual, de vocalidad crooner cercana a la teatralidad, expandía sus emociones en composiciones que alternaban la roturación sentimental y la contemplación social con sutiles cargas sarcásticas. Fue convertido en mito tras el éxito de los Smiths. Era también un gran mitómano, cinéfilo empedernido y amante del rock'n'roll y el pop de los 60's, con fijación por los sonidos femeninos (con tributos a Sandie Shaw o Twinkle) y desde una heterogeneidad melómana que le llevó a ser el presidente del club de fans de los “New York Dolls”, de los que escribió su biografía, al igual que también hizo sobre la figura del actor James Dean. Devorador de libros, entre sus influencias literarias se encuentran escritores como Oscar Wilde, W. B. Yeats, John Keats o Dorothy Parker. Poco a poco el número de seguidores de la banda fue creciendo y las casas discográficas se hicieron eco de ello, firmaron con el sello londinense Rough Trade, en donde publicaron su primer album grande, "The Smiths" (1984), con el actor Joe Dallesandro en la portada y con el single "Hand in glove". El disco, además. contenía temas como "Pretty girls make graves", "Reel around the fountain", "What difference does it make?" (número 12) o la efervescente "This charming man" (número 25). Era un hecho que la densidad de guitarras, la originalidad melódica y la perspicacia lírica volverían a dominar el horizonte musical inglés. Tras el recopilatorio "Hatful of hollow" (1984), esencial disco (número 7) que incluía singles, piezas en directo con John Peel y rarezas, con cortes tan interesantes como "William, it was really nothing" (número 17), "These things take time", "Heaven knows I'm miserable now" (número 10) o "Please please please let me get what I want", publicaron su primer número 1 en disco grande, "Meat is Murder" (1985), un Lp que desarrollaba sus sonidos y temáticas en imprescindibles temas como "The heaster ritual", revisitación de los días colegiales de Morrisey o la hechizante "That joke isn't funny anymore" (número 49), en algunas ediciones también se incluye el single "How soon is now" (número 24), aparecido previamente en "Hatful of hollow". En 1986 sacaron al mercado "The Queen is Dead" (1986), su gran obra (número 2), con la estrella del cine francés Alain Delon en la portada y producida por Morrissey y Marr, con el single "The boy with the horn in his side" (número 23), gran canción continuada por "Bigmouth strikes again" (número 26). El sensacional tema "There is a light that never goes out", una de las cumbres de su carrera, fue elegido como single para publicitar el recopilatorio de 1992, "The Best of The Smiths, Vol. II". Las relaciones personales entre los dos líderes del grupo estaban deterioradas y los rumbos musicales divergían bastante, con Marr acogiendo con gusto nuevos sonidos mientras que Morrissey persistía en destilar desde su propia óptica su amor por músicas pretéritas. "Strangeways, here we come" (número 2) fue un meritorio testamento final de una de las bandas más influyentes de Gran Bretaña en la década de los 80, con temas tan destacados como "Girlfriend in a coma" (número 13), "Last night I dreamt that somebody loved me" (número 30) o "I started something I couldn't finish" (número 23). El directo "Rank" (1988), grabado en la gira posterior a la publicación de "The Queen is dead", puso punto y final a la banda que Morrissey había disuelto tras la noticia de la marcha de Marr El recopilatorio "Bona Drag" (1990) o nuevos trabajos en estudio, como "Kill Uncle" (1991), "Your arsenal" (1992), producido por el mismísimo Mick Ronson, "Vauxhall and I" (1994), "Southpaw Grammar" (1995) y "Maladjusted" (1997) prolongaron el legado de uno de los nombres clave de la música inglesa: los Smiths. Actualizado
Pioneros: Cream Cream fue una banda de rock británico en los años 60. Fue uno de los primeros y más célebres supergrupos que dio lugar a una de las más vitales y efectistas formaciones entre 1966 y 1968, es considerada una banda adelantada a su época y de una influencia inconmensurable. Supuso el adiós del pop por la vía del blues y la búsqueda de mayor amplitud conceptual para el rock, no se puede negar que se trata de una de las bandas CAPITALES de los 60', jugando, sin exagerar, en la misma liga de los Beatles, Dylan, los Stones, los Who, los Kinks, Hendrix y los Doors. Su música, aunque no demasiado conocida hoy en día, fue IMPORTANTISIMA en el florecimiento que el rock tuvo por aquellos días, y cumplió un papel clave en el desarrollo de aquello que conocemos como hard-rock; mucha de su música fue en su momento pura innovación, son cosas que nunca se habían hecho antes. De todos los grandes grupos de la época, fue aquel que el tiempo ha tratado con menos generosidad quizás porque apenas cumplieron tres años de trayectoria y con poco material publicado, pero fue, es y será uno de los conjuntos INELUDIBLES de la historia del rock, un clásico. El grupo estaba formado por Eric Clapton en la guitarra que había sido miembro de los Yardbirds y los Bluesbreakers de John Mayall, Jack Bruce al bajo y a la voz, había estado con Manfred Mann y Graham Bond y Ginger Baker en la percusión que también estuvo en la Graham Bond. Fue el primer (y mejor) supergrupo que haya conocido la historia del rock, estos tres músicos ya sabían lo que era estar en un grupo de rock cuando formaron Cream, fueron pioneros y revolucionarios en muchísimos aspectos, pero además dieron al mundo algunos de los más excelsos clásicos del rock, aportando valores compositivos impresionantes que sobrepasan el promedio de cualquier banda de hard-rock (incluso más que el mismo Jimi Hendrix), pasajes instrumentales aplastantes, ganchos melódicos de primerísimo nivel y míticas puestas en escena. Fueron los primeros en explorar a fondo las posibilidades del grupo de bajo-guitarra-batería y es notable lo que eran capaces de lograr con esos tres instrumentos básicos, esquema que más tarde llevarían a nuevas alturas grupos como Led Zeppelin. También hicieron aportes clave al crecimiento del hard-rock; se puede decir que el concepto del hard-rock empezó a gestarse con los Who de “My Generation” y los Kinks de “You Really Got Me”, pero fue Cream el grupo que se animó a dar el siguiente gran salto, tomando al mundo por sorpresa con los primeros riffs realmente pesados de la historia, tonos de guitarra bestiales y algunos jams realmente potentes. El aspecto más polémico aparece al hablar de shows en vivo, en sus álbumes, eran refinados, breves, experimentales y concisos y en concierto, solían perderse en interminables jams de guitarra, bajo y batería que, extrañamente les dieron una gran popularidad en esos años, aunque también en vivo eran capaces de realizar algo sublime, como lo atestigua el Crossroads en Wheels of Fire, en donde las rápidas líneas de Bruce, el interminable golpeteo de Baker y el sublime virtuosismo de Clapton definen uno de los momentos rockeros más apasionantes que se haya escuchado nunca. Su música sigue sonando tan fresca, creativa y excitante hoy como en su época de gloria. Su corto bagaje se traduce en muy pocas canciones realmente esenciales, pero con esos contados momentos, les alcanza para estar entre los grandes. Simplemente clásicos. En 1993 se reunieron con motivo de su introducción al salón de la fama del rock. La gran reunión se dio, sin embargo, en mayo de 2005 donde ofrecieron de nuevo una serie de conciertos en el Royal Albert Hall de Londres. A fines de Octubre de 2005 ofrecieron tres conciertos en el Madison Square Garden en Nueva York. Actualizado
Pioneros: Leonard Cohen (Incompleto) «Primero tomaremos Manhattan. Luego, Berlín». Sus versos resuenan más premonitorios que nunca en estos tiempos de crisis e indignación globalizadas. El tímido canadiense errante que viaja con una maleta cargada de planes de santidad, visiones redentoras y maestría musical Leonard Norman Cohen o Leonardo, como lo llamaba Enrique Morente nace en el seno de una familia judía acomodada de Montreal el 21 de septiembre de 1934, es un poeta, novelista y cantautor canadiense. Como músico ha desarrollado una carrera con una continua exploración de temas como la religión, la política, el aislamiento, las relaciones personales y la sexualidad. Ha sido definido como «uno de los cantantes y compositores más fascinantes y enigmáticos de finales de los 60. Ha conservado un público a través de cuatro décadas de música. Solo por detrás de Bob Dylan —y quizás Paul Simon— en términos de influencia, llama la atención de la crítica y de jóvenes músicos con más firmeza que cualquiera otra figura musical de la década de 1960 que aun está activo en el siglo XXI». Cohen ha sido introducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de los Estados Unidos y en el Salón de la Fama Musical de su país natal. Es miembro de la Orden de Canadá y de la Orden Nacional de Quebec. En 2011 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Letras Solo cuenta nueve cuando fallece su padre, hecho que marcará su vida confiriendo al artista ese aspecto serio e introspectivo que convertirá en marca de la casa. A los 15, más o menos al mismo tiempo que descubría la poesía de Lorca, compra una guitarra en una casa de empeños y aprende a tocarla gracias a un joven español al que conoce en un parque. «El día de la cuarta clase, cuando llamé a su pensión, la casera contestó al teléfono. Me dijo que el guitarrista había muerto. Se había suicidado recordaría Leonard, unos 60 años después, en la entrega del premio Príncipe de Asturias de las Letras. Yo no sabía nada de aquel hombre, por qué había venido a Montreal, por qué se había quitado la vida, pero aquellos seis acordes que me enseñó han constituido la base de todas mis canciones y de toda mi música». En 1967, decepcionado por su falta de éxito como escritor, Cohen se trasladó a los Estados Unidos para comenzar una carrera como cantautor folk. Su canción «Suzanne» fue un notable éxito de la mano de Judy Collins, y durante muchos años fue su canción más versionada. Tras tocar en varios festivales de folk, ganó la atención de John H. Hammond, representante de Columbia Records que años antes fichó para la compañía a Bob Dylan. El primer álbum de Cohen con Columbia fue Songs of Leonard Cohen (1967)que obtuvo un notable éxito tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido, país donde pasó casi un año en las listas de ventas, varias de sus canciones fueron versionadas por otros artistas de folk como James Taylor y Judy Collins. «The Stranger Song», «Winter Lady» y «Sisters of Mercy» fueron incluidas en la banda sonora del largometraje McCabe & Mrs. Miller. Este primer album fue seguido por Songs from a Room (1969) y Songs of Love and Hate (1970). En 1970, Cohen salió por primera vez de gira, por los Estados Unidos, Canadá y Europa, y apareció en el Festival de la Isla de Wight. Dos años después, volvió a salir de gira por Europa e Israel. Ambas giras estuvieron representadas en el álbum Live Songs. La gira de 1972 fue también filmada por Tony Palmer bajo el título de ”Bird on a Wire”, publicado según el criterio de Cohen en 1974. La edición original de Palmer fue recuperada en 2010. En 1974 comenzó una asociación musical con el pianista y arreglista John Lissauer. Ambos salieron de gira por Europa, Estados Unidos y Canadá entre finales de 1974 y comienzos de 1975, en apoyo del nuevo álbum de Cohen, “New Skin for the Old Ceremony”, producido y arreglado por el propio Lissauer. A finales de 1975, Coheny Lissauer llevarona cabo una serie de conciertos en Norteamérica con una nueva banda, en los que incluyó nuevas canciones para un álbum en progreso, coescrito por Cohen y Lissauer y titulado “Songs for Rebecca”. Sin embargo, ninguna de las grabaciones de la gira fueron publicadas oficialmente, y el álbum fue abandonado en 1976. Parte de las canciones fueron reescritas y recuperadas para “Death of a Ladies' Man”, un álbum producido por Phil Spector. Tras el lanzamiento en Europa de “The Best of Leonard Cohen”, el músico volvió a salir de gira, entre abril y julio, Cohen ofreció 55 conciertos, incluyendo su primera aparición en el Festival de Jazz de Montreux. Una vez finalizada la gira por Europa, Cohen volvió a intentar un nuevo cambio en su estilo musical con “Death of a Ladies' Man”, un álbum caracterizado por la producción musical de Spector, con una densa instrumentación en contraposición al minimalismo musical de sus primeros trabajos. La grabación estuvo llena de dificultades: Spector mezcló el álbum en secreto, a espaldas de Cohen, y el músico llegó a comentar que lo amenazó con una ballesta. El músico comentó que el resultado final le pareció «grotesco», pero al mismo tiempo «semivirtuoso», Cohen no tomó parte en la promoción del álbum, aunque llegó a interpretar en sucesivas giras «Memories» y «Iodine», dos temas del álbum. Sin embargo, ninguna canción fue incluida en los recopilatorios “More Best of Leonard Cohen” y “The Essential Leonard Cohen”. “Recent Songs”, publicado dos años después, supuso un retorno al estilo tradicional de sus primeros trabajos y fue el primero co-producido por el propio Cohen. El álbum incluyó la participación de enger, una banda de jazz fusion que el músico conoció a través de Joni Mitchell y que introdujo instrumentos como el violín, la mandolina y el laúd árabe al registro de Cohen. El álbum fue promocionado con una nueva gira mundial, con el apoyo de Jennifer Warnes y Sharon Robinson como coristas. “Field Commander Cohen: Tour of 1979”, publicado en 2000, incluyó grabaciones en directo de la gira de 1979. A comienzos de la década de 1980, Cohen coescribió el documental musical Night Magic con Lewis Furey. Lissauer produjo su siguiente trabajo,” Various Positions”, publicado en diciembre de 1984. El álbum incluyó «Dance Me to the End of Love», promocionado con el primer videoclip del músico, dirigido por el fotógrafo francés Dominique Isserman, así como «Hallelujah», su canción más versionada. Cohen apoyó el lanzamiento de” Various Positions” con su gira más extensa a través de Europa y Australia, así como con las primeras fechas en Canadá y Estados Unidos desde 1975. La gira supuso la primera colaboración de Cohen con Anjani Thomas, futura compañera sentimental y corista del grupo. El grupo tocó en el Festival de Jazz de Montreux y en el Roskilde Festival, y ofreció varios conciertos en Polonia, coincidiendo con un estado de Ley Marcial, en los que interpretó «The Partisan», himno del sindicato independiente Solidaridad. Durante los años 80, una gran parte de las canciones de Cohen fueron interpretadas en polaco por Maciej Zembaty.18 En 1986, el músico apareció en un episodio de la serie de televisión Miami Vice. Un año después, el álbum tributo de Jennifer Warnes “Famous Blue Raincoat” ayudó a restaurar la carrera musical de Cohen en los Estados Unidos y en 1988, publicó “I'm Your Man”, un álbum con un marcado uso de sintetizadores y con letras que incluyeron comentarios sociales. El álbum, autoproducido por Cohen, fue uno de sus mayores éxitos comerciales, y fue promocionado con un video grabado en blanco y negro por Dominique Isserman y rodado en la playa de Normandía. Cohen lo promocionó con varias entrevistas en televisión y una extensa gira por Europa, Canadá y Estados Unidos. Varios conciertos fueron emitidos en canales de televisión estadounidenses y en estaciones de radio. La gira consolidó la estructura básica de futuras giras, con conciertos de tres horas de duración divididos en dos actos. Aunque ninguno de los conciertos fue publicado en su totalidad, varias grabaciones de la gira fueron recopiladas en el álbum 2Cohen Live” (1994). El uso de la canción «Everybody Knows» en la banda sonora de “Pump Up the Volume” y en la película canadiense” Exotica” favoreció una mayor exposición de la música de Cohen a una nueva generación. En 1992, Cohen publicó “The Future”, que exhorta, a menudo en términos proféticos, a la perseverancia, la reforma y la esperanza ante sombrías perspectivas. Tres canciones de “The Future” —«Waiting for the Miracle», «The Future» y «Anthem»— fueron incluidas en la película “Natural Born Killers”, las letras reflejaron un mayor interés por malestares políticos y sociales, con «The Future» inspirada parcialmente en los disturbios de Los Ángeles de 1992. El músico promocionó el álbum con dos videoclips de «Closing Time» y «The Future», y volvió a salir de gira por Europa, Estados Unidos y Canadá con el respaldo de la misma banda de su anterior gira. Un año después, Cohen publicó “Stranger Music: Selected Poems and Songs”, su primer libro de poemas en varios años, y en el que había estado trabajando desde 1989. En 1994, comenzó una reclusión de cinco años en Mount Baldy Zen Center, un centro zen cerca de Los Ángeles. Dos años después, fue ordenado monje budista de la escuela Rinzai con el nombre de Jikan, que significa «silencio», y sirvió como asistente personal de Kyozan Joshu Sasaki. En 1997, supervisó la selección de canciones y el lanzamiento del recopilatorio “More Best of Leonard Cohen”, que incluyó «Never Any Good», una canción previamente inédita. Tras abandonar su reclusión monástica, Cohen volvió al estudio de grabación en mayo de 1999. Comenzó a contribuir frecuentemente con la página web The Leonard Cohen Files, enviando nuevos poemas y dibujos de Book of Longing y primeras versiones de nuevos temas como «A Thousan Kisses Deep».21 La sección de la web con las contribuciones del músico fue titulada como «The Blackening Pages». Tras dos años de producción, Cohen publicó en 2001 “Ten New Songs2, su primer disco en casi una década, con una fuerte influencia de Sharon Robinson. El álbum, grabado en los estudios personales de Cohen y Robinson, incluyó la canción «Alexandra Leaving», una adaptación del poema «The God Abandons Antony», del poeta griego Constantine P. Cavafy. El álbum obtuvo un notable éxito en Canadá y Europa, y fue apoyado por el sencillo «In My Secret Life» con un videoclip dirigido por Floria Sigismondi. En octubre de 2004, Cohen publicó “Dear Heather”, una colaboración musical con la cantante y compañera sentimental Anjani Thomas, aunque Robinson también participó en tres canciones, refleja un cambio en el estado de ánimo de Cohen, que el propio músico atribuyó en diversas entrevistas al budismo zen. Aunque no promocionó el álbum, publicó un video musical de la canción «Because Of» dirigido por su hija Lorca Cohen. Una década después de publicar”Stranger Music: Selected Poems and Songs, Cohen volvió al terreno literario con Book of Longing. Publicadoen mayo de 2006, las primeras 1500 copias vendidas a través de Internet y firmadas por el autor fueron vendidas en unas horas, convirtiéndose al poco tiempo en un best seller en Canadá. El 13 de mayo, hizo su primera aparición pública en trece años durante una firma de libros en una tienda de Toronto. Durante la firma, también cantó «So Long, Marianne» y «Hey, That's No Way to Say Goodbye». En 2006, Philip Glass compuso música para el libro Book of Longing. Tras una serie de conciertos que incluyeron textos hablados y grabados por Cohen y el acompañamiento de Glass en los teclados y de cuatro coristas, la compañía Orange Mountain Music publicó Book of Longing. A Song Cycle based on the Poetry and Artwork of Leonard Cohen, un doble disco con la grabación del trabajo. Actualizado
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Pioneros: The Doors The Doors fue una banda de rock estadounidense, formada en Los Ángeles (California), en julio del año 1965 y disuelta en el año 1973. Junto a Jefferson Airplane, Grateful Dead, The Beatles y Pink Floyd, se convirtió en uno de los máximos exponentes de la psicodelia de los años 60. El grupo es considerado uno de los más influyentes en la historia del rock, y ha sido descrito como "una de las bandas más innovadoras y poderosas en la historia del rock". Actualizado
Pioneros: Bob Dylan Bob Dylan, de 71 años es una leyenda viviente de la música popular estadounidense del siglo XX, un pionero de la canción comprometida y una gran influencia para varias generaciones de artistas. De trovador de folk en los cabarets de Greenwich Village en Nueva York, en los albores de los 60, hasta la superestrella condecorada en mayo pasado por uno de sus 'fans', el presidente estadounidense Barack Obama, Robert Allen Zimmerman siempre ha seguido su propio camino de genio musical, rebelde e impredecible. Este nieto de inmigrantes judíos rusos nacido el 24 de mayo de 1941 en Duluth (Minnesota) continúa paseando su armónica y su guitarra por las cuatro esquinas del planeta en una gira denominada "Sin fin". Estuvo este verano boreal en Europa y continuará hasta fines de noviembre en Estados Unidos. Aunque no haya lanzado más que un pequeño número de grandes álbumes tras la apoteósis creativa de los años 1965-1975, sigue siendo --junto al tandem Lennon-McCartney-- uno de los cantantes-autores-compositores más influyentes de la historia de la música, muchas veces copiado, pero nunca igualado. Durante su juventud, como la mayor parte de los adolescentes estadounidenses, Bob sucumbió al encanto del rock con Elvis Presley y Jerry Lee Lewis antes de formar su propio grupo. En 1959, siendo estudiante en la Universidad de Minneapolis, descubre a los pioneros del blues, del country y del folk: Robert Johnson, Hank Williams y Woody Guthrie. En esa época, adopta el nombre artístico de Bob Dylan. Tras dejar los estudios, se traslada a Nueva York en 1961 para frecuentar la escena musical embrionaria de Greenwich Village. Su primer álbum, "Bob Dylan" (1962), es un fiasco. Pero la apertura se produce en 1963 con "The Freewheelin Bob Dylan" y sus dos temas folk de protesta: "Blowin' in the Wind", una canción pacifista que será un himno de los años 60 contra la guerra de Vietnam, y "A Hard Rain's A-Gonna Fall". En 1963, participa en la Marcha hacia Washington junto a Martin Luther King. "The Times They Are A-Changin" (Los tiempos están cambiando) es la canción que da título a su tercer álbum en 1964. Su éxito asentó su reputación, al tiempo que se alejaba del movimiento contestario estadounidense. A modo de adiós, escribió "It Ain't Me Babe" incluida en el álbum significativamente llamado "Another side of Bob Dylan" (El otro lado de Bob Dylan). Se vinculó con la cantante Joan Baez, con la que durante un tiempo formó la pareja del "rey y la reina del folk". En 1965, con el álbum "Bringing It All Back Home" -una colección acústica y eléctrica que chocó a los puristas del folk- Dylan transforma la escritura de canciones fusionando sus textos poéticos y surrealistas con el ritmo del rock. Su obra maestra "Highway 61 revisited" (1965) con la canción "Like a Rolling Stone" y el álbum doble "Blonde on Blonde" (1966) alcanzan la cumbre del rock-folk. Sus lentes negros, sus rizos y su sombrero le convierten definitivamente en ícono. En 1966, tras un accidente de moto, se retira a vivir con su mujer Sara, con la que se había casado el año anterior. Reaparece en 1969 con el álbum puramente folk "John Wesley Harding", seguido por "Nashville Skyline" y sus melodías country en dúo con Johnny Cash. Cada vez más, Dylan se distancia de los fans del folk y de los ambientes de izquierda, evitando ser el estandarte de las protestas y las luchas de la época. Tras el muy criticado "Self Portrait" (Autorretrato) realizado en 1970, Bob Dylan se mantiene con un bajo perfil hasta 1975, cuando aparece "Blood on the Tracks", concebido durante su separación de Sara. A finales de los años 1970, descubre el cristianismo y desconcierta a una parte de sus fans. A partir de los ochenta, su extraordinaria creatividad se agotó, pese a lo que se mantuvo sin descanso en la ruta, no siempre convincente. Este verano boreal estuvo en Francia, en el Festival des Vieilles Charrues, donde su actuación decepcionó. En 2011, se presentó por primera vez en un polémico concierto en China, así como en Vietnam. El cantautor tuvo muchos imitadores en la década de 1970 e influenció a numerosos artistas, entre muchos otros a Leonard Cohen, David Bowie, Jackson Browne, The Doors, Bruce Springsteen, Talking Heads, The Clash, Nick Cave y Lenny Kravitz. "Allí donde se crea buena música rock, está la sombra de Bob Dylan, ahora y siempre", dice Bruce Springsteen. Actualizado
Pioneros: The Beatles.Toda su historia Pioneros, fue un programa de radio 3 bajo el magistral mando de Xavier Moreno, nos deleitó con una serie de monograficos muy exhaustivos dedicada a grandes grupos, entre los que estaban Jimmy Hendrix, Rollins Stones, The Beatles, The Beach Boys, en fin, lo mejor de lo mejor y gracias a estos audios podemos rememorar aquel gran programa que merece la pena y os animo a que disfrutéis de las dramatizaciones a cargo de Carlos Pina. Los Beatles… Es casi imposible pensar en los psicodélicos sesenta y setenta sin pensar en hippies, flores, paz, sexo libre, droga y por supuesto los Beatles, sin ellos, nada de lo anterior hubiera existido. Cuatro jóvenes ingleses que con su música movían multitudes, imponían modas, hacían llorar a miles de fans. Tal ha sido su influencia que incluso hoy, nosotras al pensar hacer este trabajo, los elegimos a ellos. Con esta investigación queremos conocer más en el fondo la historia de este grupo, sus vivencias personales, sus historias, la mentira y la verdad sobre sus vidas. 1. los comienzos En Liverpool en, 1956 se conocieron Paul McCartney y John Lennon por primera vez. Paul era dos años menor que John pero se integró rápidamente al grupo pues tenía una gran destreza con la guitarra. Poco tiempo después Paul convenció a John de que entrara al grupo un amigo suyo, George Harrison, quien manejaba la guitarra solista mejor que nadie. El grupo que formaron se llamaba "The Quarrymen" y hacían pequeñas actuaciones en Iglesias y colegios a cambio de poco dinero y mucha bebida. Fue en una de estas actuaciones en las que John conocería a su primera esposa, Cynthia Powell, una compañera de colegio que al verlo transformarse sobre el escenario se propuso conquistarlo. John tenía un amigo, Stuart Sutcliffe, que era un excelente pintor. Él ganó 50 libras en un concurso y John lo convenció de que se comprara un bajo y se integrara al grupo. Como no sabía tocar el instrumento, Paul lo molestaba mucho pues é quería que el grupo fuera "profesional". El grupo, con su nueva batería Pete Best, cambió su nombre por el de "Silver Beatles" que al final sólo terminó en "Beatles". Consiguieron un contratopor tres meses para viajar a Hamburgo. Esta experiencia hizo perfeccionar su estilo, pues llegaban a tocar ocho horas seguidas soportando las peleas de los borrachos que frecuentaban los lugares en que tocaban. En una de esas peleas, Stuart recibió un fuerte golpe en la cabeza el que, dos años más tarde, sería la causa de su muerte por un derrame cerebral. Viajaron tres veces a Alemania a perfeccionar su estilo. Allí tuvieron la oportunidad de darse a conocer, tocando como músicos acompañantes de Tory Sheridam, una estripticista. Cuando volvieron a Liverpool como músicos profesionales fueron solicitados por el mejor club local, "The Cavern", un lugar pequeño y húmedo y lleno de humo donde iban los jóvenes de la ciudad. Allí fue donde Brian Epstein, dueño de una tienda de discos, se ofreció como representante, cosa que los Beatles aceptaron. Su nuevo manager les buscó en vano un contrato de grabación. Después de muchos intentos consiguió una audición para un futuro contrato, donde entonaron temas como "Three Cool Cats" y "Bésame Mucho" pero fueron rechazados. Por fin consiguieron un pre-contrato con la casa discográfica EMI. George Martin, productor del sello, accedió a oírles… y también le gustó. Sólo puso la condición de que cambiaran al baterista, así, con la ayuda de Brian, consiguieron a Richard Starkey (nombre que se cambiaría luego por el de Ringo Starr), un joven muy talentoso de la ciudad. Grabaron "Love me do" y "P.D., I love You" las cuales llegaron al puesto 17 de la lista de ventas. Los Beatles estaban satisfechos. Poco después llegaría el número 1 con "Please, Please Me". Los iradores crecían. Los Beatles dieron su última actuación en "The Cavern". El LP "Please, Please Me" (1963) fue grabado en una sola sesión de 12 horas finalizando con "Twist and Shout" y la desgarrada voz de John 2. Beatlemanía El éxito de "Please, Please Me" les dio un éxito total en Gran Bretaña y a fines de 1963, dieron un concierto en el London Palladium ante la Familia Real Británica. Fue en este concierto en el que John dijo su famosa frase: "En esta próxima canción quiero que me acompañen todos. Los de los asientos más baratos que aplaudan, los demás, basta que muevan sus joyas" . Ésta fue su primera manifestación contra la realeza. Después siguió el álbum "Whit The Beatles" que incluía canciones como "All my loving" (todo mi cariño) y "It won’t be long". En diciembre de 1963, 5 sencillos estaban en los 20 Principales y sus 2 álbumes ocupaban los 2 primeros puestos de los rankins. Fuesen donde fuesen, eran acosados por masas de fans y así todavía no causaban furor en Estados Unidos. Por esta razón comenzaron a ser difundidos por las radio estadounidenses y en poco tiempo el sencillo "Y Went to Hold you Hand" alcanzó el primer puesto de los rankins. Al saber de este nuevo éxito realizaron una gira por ese país. Actuaron en "El show de Ed Sullivan" donde alcanzaron la mayor audiencia da la historia de la TV (73 millones de Americanos vieron actuar a los Beatles). También ofrecieron conciertos en Washington, Miami y en Carnigie Hall de Nueva York. Desgraciadamente, por culpa de los gritos y chillidos de las fans, la música era casi inaudible, muy difícil de escuchar. El resto del año lo pasaron viajando. Durante uno de esos viajes Ringo tuvo que ser reemplazado por Jimmy Nicol ya que tuvieron que extirparle las amígdalas. El peso de tantos conciertos y las presiones de los fans hizo que su siguiente LP, Beatle for Sale, sólo tuviera 8 canciones originales pues no tenían más tiempo para componer otras. El resto del LP se completó con otras canciones que solían tocar en el Cavern. En este disco se puede ver el cambio de las letras; antes eran todas de amor chico - chica, ahora, después de que Bob Dylan los indujera en el mundo de la marihuana, los Beatles (sobre todo a John) comenzaron a componer canciones más serias como "I´m a Laser" , con nuevas armonías y experimentaron en el estudio con su nuevo Four-track (grabadora de 4 pistas). Quizá este disco sea el más flojo del grupo, pero tiene canciones interesantes. 3. Estrellas de cine El año ’64 fue muy importante para los Beatles. Ya no reinaban sólo en lo musical sino que, cualquier cosa que hicieran, era considerado una genialidad. La primera gira mundial del grupo terminó por convencer a todos: arrasaron con públicos tan diferentes como de Escandinavia, Australia, Hong Kong. Acosados por las fans, los conciertos, los aristas no alcanzaban a reponerse entre una y otra actuación. Gran cantidad de whisky y fármacos los mantenían alerta. Su siguiente campo fue el cine. Su primera película fue "A hard day Night". Rodada en Blanco y Negro por Richard Lester incluía las canciones de la cara A del LP del mismo título. La película fue un éxito. Consiguió 2 Oscar como Mejor Guión y Mejor Banda Sonora. Ella describe con tono de humor la vida de los Beatles: conciertos, su agitada vida, sus opiniones, etc. Sin duda fue la mejor película de los Beatles. El álbum no fue menos brillante ya que todas las canciones eran originales "Lennon - McCartney" y tienen maravillas como el fantástico dueto entre John y Paul en "It I Feel" , la rockanrolera "A hards days Night", la balada acústica "I’ll be back"…en fin, uno de los mejores LP’s del conjunto británico. Para los Beatles hacer cine fue más que una diversión. John pudo comprarle una casa a su tía que lo había criado (ver su biografía), George conoció a su futura esposa y Paul sintió la inspiración de escribir "Yesterday", la canción más grabada de la historia, con 2500 versiones diferentes. 4. Apogeo, fans y Giras A fines de 1964 el sencillo "Y feel fine" volvió a emocionar a los seguidores del grupo. El "riff" con el que se inicia la canción fue inventado por John, y es el resultado de muchos experimentos musicales que hizo el grupo en Abbey Road. En 1965 los Beatles decidieron hacer otra película, ahora a color. Se llamó "Help" y su director fue el mismo que "A hards days Night", también contenía las canciones de la cara A de su respectivo LP. Esta película fue como una parodia a las películas James Bond, rodaron en tan exóticos escenarios como las Bahamas o las pistas de esquí de Austria. El LP "Help" es de lo mejor que sacó el grupo, y la canción "Help" es sin duda, de las preferidas. Ese mismo año actuaron en el Shea Stadium, un campo de béisbol donde pudieron ser irados por unas 60.000 personas. También en 1965 recibieron de la reina Isabel la condecoración " of the British Empire", que se otorgaba generalmente a militares. Esto hizo que muchos de los que habían recibido este galardón lo devolvieran como protesta. John declaró: "Ganamos esto por entretener, no por matar personas, de manera que nos la merecemos con creces" A fines de ese año se dedicaron a grabar su siguiente álbum, "Rubber Soul", tal vez el mejor de su carrera. Con la influencia de la marihuana canciones como "The Word", "Nowhere Man", "In my Life" maravillaron al mundo, que se pudo dar cuenta del contenido cada vez más filosófico de las canciones. Fue tal la locura que alcanzaron las giras del grupo, que incluso tuvieron que soportar a una gran cantidad de filipinos, en su gira por ese país, que querían "arrollarlos" pues la esposa del presidente, Imelda Marcos" se encargó de poner a su país en contra de ellos por negarse a visitarla ya que estaban descansando. 5. pisando en el vacío El manager del grupo, Brian Epstein, programó la segunda gira mundial del grupo, que pasaría por Francia, Italia, España, Estados Unidos. Durante esta gira pudieron conocer a Elvis Presley. Se podría decir que esta gira fue un éxito, mas fue algo desilusionaste para el grupo pues el griterío de las fans que no se daban cuenta cuando ellos cantaban o simplemente movían los labios, sin hacer ningún ruido. Al terminar la gira, George se casó con la modelo Patty Boyd. Ya sólo Paul se mantenía soltero. La próxima gira fue una pesadilla, pues tenían el problema de cómo pasar grandes cantidades de drogas por las aduanas y peor aún, la difusión, poco antes de llegar a EE.UU., de una entrevista a John en la que declaraba: "El Cristianismo desaparecerá. No es necesario que yo lo demuestre. Nosotros somos más populares que Cristo. Aunque Él fuera una gran persona, sus discípulos lo echaron todo a perder…" El repudio fue general: la prensa, público y feligreses que los iraban, se pronunciaron contra las opiniones de Lennon. Así, el Beatle, en unaconferencia de prensa tuvo que reconocer que su comentario había sido equivocado y que nunca había tenido el significado que se le quiso dar. Fue tanta la molestia que les dejó este viaje que decidieron tomar 4 meses de vacaciones. Durante ellos Paul vivió en el campo, George y su esposa viajaron a la India y Ringo se dedicó a la vida nocturna. Sólo John se sentía abandonado. "Vivir sin Los Beatles es como pisar el vacío", decía y pasaba los días refugiado en la marihuana. En estos 4 le fue ofrecido participar del elenco de la película "Como gané la guerra". Durante el rodaje se rapó y cambió los lentes de o por unos anteojos redondos, con armazón de alambre, los que lo caracterizarían para el resto de su vida. Ya al volver a juntarse, la marihuana era sólo un recuerdo para ellos, ahora usaban drogas más fuertes como el LSD. Producto de ellas fueron creando canciones cada vez más excéntricas, tal como lo eran sus "vuelos" y visiones. Nuevas armonías, letras profundas y mensajes no muy claros para el público que no sabía lo que estaba pasando. "Rubber Soul" y "Revolver" fueron grabados en esa época usando técnicas novedosas. Agrupaban canciones tan importantes como "Michelle", "Rain", "Yellow Submarine", "For no One", "Taxman" (escrita por George), "Eleanor Rigby" (un descarnado retrato de las personas solitarias, escrita por Paul), "Tomorrow Never Knows" y "In my Life" (una sincera introspección que desnuda el alma de Lennon). Estas canciones marcaban el comienzo de la era psicodélica del grupo que culminaría con "Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band", grabado en sólo 4 meses y definido como el mejor resumen de los psicodélicos sesenta. En todas estas canciones, la influencia del LSD, se hacía notar ya que todos, salvo Paul, lo consumían con frecuencia. En busca de respuestas el grupo viajó a la India, detrás del santón Maharishi Magesh Yogui, con el que siguieron un curso de meditación que les obligaba a dejar las drogas. Aunque este personaje no les brindó las respuestas que esperaban, fue en la India donde compusieron a lo menos 30 de sus mejores canciones. A regreso se enteraron que Brian Epstein había muerto completamente intoxicado. 6. el principio del fin Todos los que rodeaban a los Beatles parecían ser parte de ellos, salvo Cynthia, la esposa de John, muy distinta a él (nunca había fumado ni tomadoalcohol), cada día las diferencias se hacían más notorias entre ellos. Por esta razón es fácil entender como John pudo involucrarse con Yoko Ono, una extraña japonesa que conoció en una galería de arte. En poco más de un año, John y Yoko eran amantes por lo que Cynthia decidió irse de la casa al encontrar a la japonesa metida en su propio hogar. La entrada de Yoko a la vida de Lennon fue una gran molestia para el resto del grupo pues ella estaba siempre con John. Tampoco los intereses del resto parecieron ser los mismos. George, por ejemplo decidió dejar para siempre los psicodélicos y Paul se vio cada vez más involucrado en proyectos musicales. Después de la muerte de Brian, Paul pensó que podría tomar las riendas del grupo y los involucró en un proyecto llamado "Magical Mistery Tour" compuesto de una película y un longplay. Al comienzo la idea fue aceptada, pero el video fue catalogado de un "asco" y sólo lo musical les reportó aplausos y muchos dólares. En esta época terminó también el romance que mantenía hace 5 años Paul y la actriz Jane Asher. Entonces decidió viajar a EE.UU. por razones denegocios. Allí se encontró con Linda Eastman, una aprendiz de fotógrafa que había conocido en un viaje anterior. Luego de este viaje intentó volver con Jane pero ella jamás aceptó una reconciliación. Paul llamó a Linda a los Estados Unidos para invitarla a conocer su casa de Londres, de la cual, una vez allí, nunca más se marcharía. John y Yoko por su parte se habían sumergido en el mundo de las drogas fuertes, al punto de que la policía inglesa llegó a arrestarlos. Este escándalo, junto con el lanzamiento de su primer disco en pareja que tenía como carátula una foto de ellos donde se mostraban completamente desnudos, hizo que se acentuaran aún más las diferencias del grupo, las que ya nadie podría resolver. A comienzos de 1969 Paul intentó juntar nuevamente a los Beatles con la grabación de un nuevo disco que se llamaría "Get Back!" (¡vuelve!) y que debería ser una forma de volver a sus raíces. Pero los demás no estaban de acuerdo. La idea de una gira fue desechada acordando realizar un concierto al final de la grabación, la que daría origen más tarde a un documental. Este concierto se realizó en la azotea del edificio Apple, en Savile Row 3. Abajo se congregó una gran cantidad de gente ante tan inusual espectáculo. Luego de esto, Paul se hizo asesorar financiera y legalmente por su suegro y cuñado, ahora que se había casado con Linda. El resto del grupo no aceptó que ellos se inmiscuyeran en los asuntos del grupo así que los problemas entre ellos aumentaron. 7. caminos separados John por fin pudo casarse con Yoko e iniciaron las "Ocupaciones de Cama", originales formas de protesta contra todo lo que les parecía injusto. Ahora, el LSD ya no los calmaba y empezaron a experimentar con drogas todavía más fuertes como el hachís. Ni él, ni Yoko podían abandonar este vicio, aunque se sometieron a terapias, volvían a caer. Esta es la época en que John graba su primer disco como solista: el John Lennon/Plastic Ono Band, un disco autobiográfico. Gracias a su nuevo representante, Allen Kein, el nuevo disco "Abbey Road", considerado la obra maestra del grupo, pudo vender más de 5 millones de copias en un año. Pero Paul no se convenció de este representante así que se retiró a vivir en el campo junto a su familia. Allí, como réplica al trabajo de Lennon, grabó su primer disco como solista. En ese momento también fue el lanzamiento de la película documental de su último trabajo, cuyo título "Get Back" fue cambiado por "Let it be". Además se pusieron a la venta el LP de Paul y un trabajo de Ringo como solista. Ninguno de los Beatles fue al cine el día del estreno de "Let it Be" Ese mismo día George comenzó a grabar su primer álbum como solista titulado irónicamente "Al final, todo termina", el que recibió muy buenas críticas. 8. el punto final Como el resto de los Beatles se negara a disolver Apple (la empresa que habían creado), Paul decidió demandar a sus amigos, ya ningún arreglo sería posible. Cada uno siguió con su vida: Paul viviendo con Linda, que a la larga, resultó ser la mujer ideal para él. Ringo se divorció de Maureen, sospechando que le había sido infiel ¡con George! Y por lo mismo terminó el matrimonio de George y Patty Boyd, quien se convirtió en la mujer del guitarrista Eric Clapton. Por años John luchó por encontrar sus "respuestas". Viviendo en una simbiosis con Yoko, a los pocos años el hastío y la diaria locura hizo que ella decidiera separarse del hombre que igualmente amaba. John estaba desolado y para volver ella "sólo" le exigía que no probara nunca más una droga. Después de un año Yoko aceptó volver a vivir con John. Desde ahí la vida le cambió. John se dedicó a vivir sencillamente, tuvieron un hijo llamado Sean y la familia se consolidó. Después de cumplir cuarenta años, John decidió volver a la música. Un día antes de morir John Winston Lennon daría su última entrevista. Allí dijo: "Hablo a la gente que ha pasado por lo mismo que hemos pasado nosotros, los grupos de los sesenta que han sobrevivido a la guerra…, a las drogas, a la política, a la violencia en las calles, a todo ese despelote. A ellos es a quienes yo hablo. Lo que nos mostraron los sesenta fueron las posibilidades que había y la responsabilidad que teníamos todos. Aquello no era una respuesta, sino una visión de las posibilidades que teníamos. Y en los sesenta todo resultó mal. Posiblemente en los ochenta todos diremos: proyectemos el lado positivo de la vida." ¿Cómo? - Lo único que pido es que se dé una oportunidad a la paz. Y no es que yo tenga una respuesta o proponga una nueva organización para la sociedad, porque eso no es cierto ni creo que nadie la tenga. Si hay alguien, ¡que me muestre el plan! ¿No tiene usted intención de volver a presentarse como una estrella masculina de rock? - Ya he pasado por la ilusión infantil de ser un "Elvis" y hacer lo que me gustaba y sobresalir en el mundo del espectáculo. Quiero estar con mi mejor amigo… y mi mejor amigo es mi mujer. ¿Quién puede pedir más? ¿Qué dijo la gente cuando usted se relacionó con Yoko y con el tipo de arte que ella creaba? - La gente decía: "Esa bruja japonesa lo está volviendo loco". Pero lo único que ella hizo fue sacar de mi interior esa parte fantástica, que hasta entonces yo había tenido inhibida. ¿Necesita usted a Yoko? - Muchísimo. No podría sobrevivir sin ella, ni seguir funcionando como ser humano. Cuando nos separamos, por un tiempo, me hice pedazos…, no podía sobrevivir sin ella… Me siento como un chiquillo al pensar que me quedan tantos años por delante con Yoko y nuestro hijo… O al menos, eso es lo que espero. ¿Piensa en la muerte? - Espero morir antes que Yoko, porque si ella muriese yo no sabría cómo sobrevivir. No podría seguir adelante. Horas más tarde el cuerpo ensangrentado de John sería llevado al hospital Roosevelt, allí trataron de revivirlo pero todo fue inútil. Cuatro tiros disparados por Mark David Chapman, de 25 años, terminaron con la vida del ex-líder de los Beatles. La historia había terminado. Conclusión Los Beatles fueron y seguirán siendo un gran fenómeno, y no sólo musical. Eso lo descubrimos al hacer este trabajo. También nos dimos cuenta de toda la historia que hay detrás, el esfuerzo y los desvíos, los que a veces, simplemente, pasamos por alto. Gracias a este trabajo conocimos sus inicios, lo duro que les fue hacerse un lugar dentro de la música y lo difícil que es olvidarlos. Podríamos decir que los Beatles se acabaron cuando John conoció a Yoko, lo cual de algún modo es cierto, pero la verdad es que en esta afirmación existe algo mucho más profundo. El buscar su propia personalidad, las drogas, lo exigentes que podemos llegar a ser nosotros como fans, en fin, todo un proceso que gracias a esta investigación llegamos a conocer un tanto mejor. Por último, quisiéramos expresar que siempre van a estar en nuestras mentes y corazones canciones como "Let it Be" o "Yesterday", que creemos, hasta nuestros nietos van a llegar a conocer, porque el fenómeno Beatle no morirá tan fácilmente. Como todo el mundo sabe, la historia de The Beatles comienza en Liverpool, una ciudad portuaria e industrial del centro de Londres, con un intenso tráfico marítimo hacia los puertos estadounidenses y europeos. John Lennon y Richard Starkey (Ringo Starr) nacieron en 1940, Paul McCartney en 1942 y George Harrison en 1943. La vida de todos ellos fue la de chicos de barrio de clase media baja. La infancia más turbulenta fue la de Lennon, cuyo padre abandonó a su madre quien, a su vez, murió atropellada por un policía borracho. Por el contrario (como casi siempre) el papel opuesto lo tuvo McCartney, que nació en una familia más "normal" en la que recibió sus primeras nociones de música. Los inicios de The Beatles arrancan desde las primeras fiestas estudiantiles y actuaciones en salones parroquiales y ceremonias familiares con distintas formaciones y nombres como The Quarrymen. El grupo se profesionaliza cuando embarcan hacia Hamburgo John, Paul y George (los tres con guitarras) más Stuart Stuclife al bajo y Pete Best a la batería. Es en Hamburgo donde realmente se pule el grupo en noches interminables tocando a todo volumen en bares de mala muerte. De vuelta a Liverpool (en Hamburgo se dejaron a Stuclife) comienzan a tocar regularmente en The cavern un pub de baile con música en vivo a diario. Este pub, hoy demolido, es el verdadero punto de arranque de la leyenda. En una de estas actuaciones son vistos por Brian Epstein, un comerciante que dirigía una tienda de discos, quien les consigue una sesión con George Martin, un productor de la EMI dedicado a buscar nuevos talentos. En las audiciones, Martin decidió que no le gustaba cómo tocaba Pete Best y el resto del grupo decidió darle esquinazo con tal de grabar el disco y metieron a Ringo Starr. En septiembre de 1962 se graba Love me do que obtiene un aceptable éxito y llega al Top20 de singles, lo que les abre el camino para iniciar una exitosa gira nacional. Ya en 1963, Please, please me llega al número uno en Inglaterra y la fama de The Beatles empieza a crecer desmesuradamente. A mediados de 1963 sale su primer LP Please, please me que tiene un éxito arrollador y a partir de aquí inician una carreara imparable de éxitos. Con la gira por los Estados Unidos, su fama ya se hace mundial y alcanzan el máximo reconocimiento cuando la reina de Inglaterra les nombra caballeros del Imperio (entre las protestas de otras viejas glorias) y cuando son elegidos para inaugurar con All you need is love el primer canal internacional de televisión. Sin embargo, agotados por las giras, las presentaciones, las intervenciones públicas, los homenajes, etc., The Beatles abandonan los conciertos en vivo a partir de 1966 (sus canciones también se habían hecho demasiado comlejas para ser interpretadas en directo) y se dedican a hacer discos. A partir de 1968, las relaciones entre Lennon y McCartney empiezan a tensarse. No creo que se deba sólo a la aparición de Yoko Ono o a las pretensiones empresariales de McCartney y su entorno; seguramente sería todo eso y muchas más cosas y, fundamentalmente, al hecho de que además de ser unos genios, tendrían que haber sido unas personas perfectas para aguantarse quince años sin pelearse, siendo tan distintos como eran. Desde 1969, el grupo deja de existir como tal. Se graba la película/documental Let it be y mientras se realiza el proceso de producción y montaje del LP y de la película, graban un último disco, Abbey roaden el que recogen sus últimas canciones, temas inacabados y una especie de mix de restos. Esto es lo último que hacen. Cuando salen el disco y la película Let it be en 1970, el gupo ya no existe. El grupo, por otra parte, nunca se volvió a reunir ni lo volverá a hacer por la trágica muerte de John Lennon, asesinado en 1980 en Nueva York. La tecnología ha hecho posible que todavía se publiquen temas inéditos con la voz de Lennon y otros experimentos pero, claro, ya no es lo mismo. Actualizado