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Otis Redding fue un cantante de “soul”, de los años sesenta, apodado “El rey con alma” (King of soul), en reconocimiento a su habilidad para transmitir emociones a través de su voz.
Nacido en Dawson, Georgia, el 9 de septiembre de 1941, con cinco años su familia se traslada a Macon, la tierra de Little Richard. De joven y para ayudar económicamente a su familia empezó a trabajar con la banda The Upsetters. En esa época participaba en un concurso de talentos. Después de ganarlo 15 veces no le permitieron participar más.
En sus inicios se vio influenciado por Little Richard. Sus primeras grabaciones revelan esa tendencia, si bien ejecuta bien los temas, estos carecen de la originalidad que posteriormente le caracterizaría. En 1960 y aprovechando los minutos restantes, ya pagados, de una sesión de grabación de otro artista para el sello Stax, le dejan a Otis grabar dos temas, uno de ellos fue el conocido “These arms of mine”, que posteriormente sería su primer éxito.
Su estilo no era revolucionario en su concepto, pero sí lo era la forma de ejecutarlo. Su voz podía pasar de ser aterciopelada a ser una voz rasgada, rota y rompedora. Pasaba de las baladas más tiernas a canciones como “Shake” o su versión de “Satisfaction”, que sorprendió agradablemente a los mismos Rolling Stones.
Otis Redding compuso muchos de sus temas más conocidos, y mantuvo un control inusual sobre ellos, llegando a fundar Jotis, una productora con la que produciría a otros cantantes que estaban empezando, siendo unos de sus aciertos la producción de la canción “Sweet Soul Music”, interpretada por Arthur Conley Jr.
A comienzos de 1967, la revista Melody Marker le otorga el título de mejor cantante del año, reemplazando a Elvis Presley que lo había sido durante los nueve años anteriores.
En junio de ese mismo año, en el Festival benéfico Internacional de Monterrey, entre un plantel de figuras del Rock como Jimi Hendrix o The Who, es aclamado por una multitud de 55.000 jóvenes norteamericanos en pleno verano del amor, siendo así adoptado por el movimiento hippie.
Un desgraciado accidente la mañana del 10 de diciembre de 1967 en Lake Monona, en las afueras de Madison (Wisconsin), a sólo tres minutos de su destino, acabó con su vida, al estrellarse su avioneta. A sus funerales asistieron más de 5.000 personas en el auditorio municipal de su adoptiva Macon. Mientras la multitud seguía los oficios en las calles, en la ceremonia se vieron muchas caras conocidas del mundo soul como James Brown, Aretha Franklin, Stevie Wonder; cantaron Joe Simón y Johnny Taylor con acompañamiento al órgano de Booker T. Jones, mientras Sam and Dave y la pléyade de la casa Volt transportaban el féretro.
Desaparecía con tan sólo 26 años uno de los mejores, si no el mejor, interprete de soul. No disfrutó del éxito de su primer número uno con el tema “Sittin' on the dock of the bay”, editado con posterioridad y un tema que marcaba un cambio en su manera de interpretar, algo que él mismo denominó «folk-soul», un estilo que marcaba un quiebro con el soul más tradicional.
El Salón de la Fama del Rock nombró tres canciones suyas (“Shake”, “(Sittin on') The dock of bay” y “Try a little tenderness”) en su lista de las 500 canciones más representativas del Rock & Roll. La revista musical Rolling Stone declaró a Redding el artista número 21 en su lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos y en el 2008 lo nombró el octavo mejor cantante de la historia.
Pioneros: Otis Redding (2de2)
Episodio en Pioneros: Otis Redding
Otis Redding fue un cantante de “soul”, de los años sesenta, apodado “El rey con alma” (King of soul), en reconocimiento a su habilidad para transmitir emociones a través de su voz. Nacido en Dawson, Georgia, el 9 de septiembre de 1941, con cinco años su familia se traslada a Macon, la tierra de Little Richard. De joven y para ayudar económicamente a su familia empezó a trabajar con la banda The Upsetters. En esa época participaba en un concurso de talentos. Después de ganarlo 15 veces no le permitieron participar más. En sus inicios se vio influenciado por Little Richard. Sus primeras grabaciones revelan esa tendencia, si bien ejecuta bien los temas, estos carecen de la originalidad que posteriormente le caracterizaría. En 1960 y aprovechando los minutos restantes, ya pagados, de una sesión de grabación de otro artista para el sello Stax, le dejan a Otis grabar dos temas, uno de ellos fue el conocido “These arms of mine”, que posteriormente sería su primer éxito. Su estilo no era revolucionario en su concepto, pero sí lo era la forma de ejecutarlo. Su voz podía pasar de ser aterciopelada a ser una voz rasgada, rota y rompedora. Pasaba de las baladas más tiernas a canciones como “Shake” o su versión de “Satisfaction”, que sorprendió agradablemente a los mismos Rolling Stones. Otis Redding compuso muchos de sus temas más conocidos, y mantuvo un control inusual sobre ellos, llegando a fundar Jotis, una productora con la que produciría a otros cantantes que estaban empezando, siendo unos de sus aciertos la producción de la canción “Sweet Soul Music”, interpretada por Arthur Conley Jr. A comienzos de 1967, la revista Melody Marker le otorga el título de mejor cantante del año, reemplazando a Elvis Presley que lo había sido durante los nueve años anteriores. En junio de ese mismo año, en el Festival benéfico Internacional de Monterrey, entre un plantel de figuras del Rock como Jimi Hendrix o The Who, es aclamado por una multitud de 55.000 jóvenes norteamericanos en pleno verano del amor, siendo así adoptado por el movimiento hippie. Un desgraciado accidente la mañana del 10 de diciembre de 1967 en Lake Monona, en las afueras de Madison (Wisconsin), a sólo tres minutos de su destino, acabó con su vida, al estrellarse su avioneta. A sus funerales asistieron más de 5.000 personas en el auditorio municipal de su adoptiva Macon. Mientras la multitud seguía los oficios en las calles, en la ceremonia se vieron muchas caras conocidas del mundo soul como James Brown, Aretha Franklin, Stevie Wonder; cantaron Joe Simón y Johnny Taylor con acompañamiento al órgano de Booker T. Jones, mientras Sam and Dave y la pléyade de la casa Volt transportaban el féretro. Desaparecía con tan sólo 26 años uno de los mejores, si no el mejor, interprete de soul. No disfrutó del éxito de su primer número uno con el tema “Sittin' on the dock of the bay”, editado con posterioridad y un tema que marcaba un cambio en su manera de interpretar, algo que él mismo denominó «folk-soul», un estilo que marcaba un quiebro con el soul más tradicional. El Salón de la Fama del Rock nombró tres canciones suyas (“Shake”, “(Sittin on') The dock of bay” y “Try a little tenderness”) en su lista de las 500 canciones más representativas del Rock & Roll. La revista musical Rolling Stone declaró a Redding el artista número 21 en su lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos y en el 2008 lo nombró el octavo mejor cantante de la historia.
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Pioneros: Otis Redding (1de2)
Episodio en Pioneros: Otis Redding
Otis Redding fue un cantante de “soul”, de los años sesenta, apodado “El rey con alma” (King of soul), en reconocimiento a su habilidad para transmitir emociones a través de su voz. Nacido en Dawson, Georgia, el 9 de septiembre de 1941, con cinco años su familia se traslada a Macon, la tierra de Little Richard. De joven y para ayudar económicamente a su familia empezó a trabajar con la banda The Upsetters. En esa época participaba en un concurso de talentos. Después de ganarlo 15 veces no le permitieron participar más. En sus inicios se vio influenciado por Little Richard. Sus primeras grabaciones revelan esa tendencia, si bien ejecuta bien los temas, estos carecen de la originalidad que posteriormente le caracterizaría. En 1960 y aprovechando los minutos restantes, ya pagados, de una sesión de grabación de otro artista para el sello Stax, le dejan a Otis grabar dos temas, uno de ellos fue el conocido “These arms of mine”, que posteriormente sería su primer éxito. Su estilo no era revolucionario en su concepto, pero sí lo era la forma de ejecutarlo. Su voz podía pasar de ser aterciopelada a ser una voz rasgada, rota y rompedora. Pasaba de las baladas más tiernas a canciones como “Shake” o su versión de “Satisfaction”, que sorprendió agradablemente a los mismos Rolling Stones. Otis Redding compuso muchos de sus temas más conocidos, y mantuvo un control inusual sobre ellos, llegando a fundar Jotis, una productora con la que produciría a otros cantantes que estaban empezando, siendo unos de sus aciertos la producción de la canción “Sweet Soul Music”, interpretada por Arthur Conley Jr. A comienzos de 1967, la revista Melody Marker le otorga el título de mejor cantante del año, reemplazando a Elvis Presley que lo había sido durante los nueve años anteriores. En junio de ese mismo año, en el Festival benéfico Internacional de Monterrey, entre un plantel de figuras del Rock como Jimi Hendrix o The Who, es aclamado por una multitud de 55.000 jóvenes norteamericanos en pleno verano del amor, siendo así adoptado por el movimiento hippie. Un desgraciado accidente la mañana del 10 de diciembre de 1967 en Lake Monona, en las afueras de Madison (Wisconsin), a sólo tres minutos de su destino, acabó con su vida, al estrellarse su avioneta. A sus funerales asistieron más de 5.000 personas en el auditorio municipal de su adoptiva Macon. Mientras la multitud seguía los oficios en las calles, en la ceremonia se vieron muchas caras conocidas del mundo soul como James Brown, Aretha Franklin, Stevie Wonder; cantaron Joe Simón y Johnny Taylor con acompañamiento al órgano de Booker T. Jones, mientras Sam and Dave y la pléyade de la casa Volt transportaban el féretro. Desaparecía con tan sólo 26 años uno de los mejores, si no el mejor, interprete de soul. No disfrutó del éxito de su primer número uno con el tema “Sittin' on the dock of the bay”, editado con posterioridad y un tema que marcaba un cambio en su manera de interpretar, algo que él mismo denominó «folk-soul», un estilo que marcaba un quiebro con el soul más tradicional. El Salón de la Fama del Rock nombró tres canciones suyas (“Shake”, “(Sittin on') The dock of bay” y “Try a little tenderness”) en su lista de las 500 canciones más representativas del Rock & Roll. La revista musical Rolling Stone declaró a Redding el artista número 21 en su lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos y en el 2008 lo nombró el octavo mejor cantante de la historia.
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Pioneros: Bruce Springsteen (Incompleto) Bruce Springsteen, para algunos especialistas, está dentro de un selecto grupo de figuras del rock and roll tales como Chuck Berry, Elvis Presley, los Beatles y Bob Dylan. Al igual que estos artistas de la música popular, Springsteen ha sido fundamental en la evolución y desarrollo de esa música a mediados de los años setenta. Es uno de los herederos de Bob Dylan, pero quizás el único que pudo sobrepasar su momento de moda y perdurar con una base de iradores gigante. La energía en sus presentaciones, el poder de sus letras y la empatía que desarrolló con su público han sido la clave del porqué ha perdurado. Cuando Bruce Springsteen logró entrar a la escena rocanrolera norteamericana a finales de 1975, algunos críticos lo llamaron el salvador del rock and roll, por ser el artista que recogía la exuberancia del rock de los años 50 y las letras concienzudas de los años sesenta, moldeadas en el estilo de los años 70. Su música era fuerte como la de Jerry Lee Lewis, sus letras eran tan complejas como las de Bob Dylan y sus conciertos se habían convertido en una suerte de ceremonia religiosa que celebraba lo mejor de la música. Uno de los críticos se enamoró de su música a tal punto que dejó la crítica para convertirse en su representante. Pero las alabanzas impulsadas por la máquina publicitaria de su casa de discos fueron percibidas por muchos como una moda pasajera. Era un momento de euforia exacerbado por los medios de comunicación más importantes. De hecho apareció en las portadas de las revistas Time y Newsweek, pero ambas empresas estaban cubriendo el fenómeno, no la música que lo empujaba. Sin embargo, aún hoy día Springsteen sigue siendo una estrella que puede ver hacia atrás en su carrera y darse cuenta que ha producido uno de los discos más vendedores de todos los tiempos, que sus conciertos siempre han estado a reventar y que ha ganado premios Grammy al igual que el Óscar, al igual que un grupo de imitadores que han construido una especie de subgénero de la música popular. Aunque ya no parece tener la estatura de una divinidad, se mantiene con un nivel de popularidad lo suficientemente alto como para que su disco de grandes éxitos haya entrado directamente en el primer lugar de las listas. Bruce Frederick Joseph Springsteen nació en 1949 en el seno de un hogar de clase media en Nueva Jersey. Su madre Adele era una secretaria y Douglas, su padre, era chofer de autobús. Su amor por el rock and roll empezó una noche viendo el programa de Ed Sullivan. Esa noche se presentaba Elvis y esa actuación le dio la inspiración que necesitaba para empezar a tocar música. Empezó a tocar la guitarra estando en la secundaria y a los 14 años formó su primera banda: “The Castiles”. Influido por la música de Elvis, Springsteen, después de haberse graduado fue brevemente a la universidad, pero lo que realmente quería era ser músico. Contra los deseos de su padre empezó a tocar con diversas bandas de Nueva Jersey y Nueva York intentando entrar en la escena Folk de la época. En ese período apareció en agrupaciones como “Rogues”, “Dr. Zoom” y “Sonic Boom”, antes de establecerse con la “E-Street Band” con la que tocaría por toda la costa de Nueva Jersey y permanecería en ella hasta 1989. El nombre de esta última banda viene de la calle en la que se ubicaba su estudio de grabación. En la “E-Street Band” estuvieron los teclistas Danny Federici y Roy Bittan; los bajistas Steve Van Zandt y Garry Talent; el saxofonista Clarence Clemens y el baterista Max Weinberg. Su disco LP de 1973 “Greetings from Asbury Park, NJ” marcó el punto de partida de su carrera y fue muy bien recibido por la crítica. Sin embargo, en su lanzamiento vendió muy poco. Fueron sus impactantes presentaciones en vivo las que le hicieron popular. Sus apariciones en público las hacía abriendo para la banda “Chicago”. Al mismo tiempo Springsteen y la E-Street Band produjeron el álbum “The Wild and The Innocent & The E-Street Shuffle” cuyas ventas fueron creciendo en la medida en que se iba dando a conocer. Haciendo giras de forma incesante, Springsteen y la E-Street Band habían armando una base de fanáticos importante. Esa base se había consolidado cuando en el disco de 1973, “E-Street Shuffle” se incluyó “Rosalita (Come Out To Night)”, que se convirtió en una suerte de himno para sus seguidores. Su tercer LP, “Born To Run”, de 1975, fue el que le dio la notoriedad que todo artista necesita para arrancar con paso firme. Era la última oportunidad que tenía con su casa de discos Columbia. El resultado inmediato fue que el sencillo “Greetings from Asbury Park, NJ”, había entrado entre las doscientas canciones más populares, pero fue sacada de golpe por la casa de discos Columbia para darle espacio a “Born To Run” que llegaría a estar entre las cuarenta y el álbum entre los diez más importantes. El disco fue producido al estilo de Phil Spector con muchas pistas de instrumentos dando un aire de rock orquestal. Ese aire épico se puede encontrar en las canciones "Born to Run", "Thunder Road", "Backstreets" y "Jungleland. Ahora lo que necesitaba Springsteen era consolidarse después de semejante éxito. Por eso se dedicó a grabar un nuevo disco y a tocar en vivo toda vez que fuera posible. Sin embargo, no pudo hacerlo con la intensidad que deseaba debido a la demanda que le presentó su antiguo representante. Durante este tiempo el mundo musical había cambiado y para 1978 el movimiento Punk/New Wave estaba en la cresta de la ola. Fue en ese momento que salió a la venta “ Darkness at the Edge of Town”, su cuarto larga duración. Su música no fue tan clásica y por el contrario se quedó en el promedio. En 1980 salió su quinto álbum que contenía 20 canciones en dos LP. “The River” viajaba por diversas temáticas que llegaban a los que querían rock para las fiestas hasta material más serio. “Hungry Heart” fue número 5 en las listas y los conciertos ahora eran de 4 horas seguidas. Consciente de que ya no era un fenómeno pasajero, Bruce Springsteen se retiró brevemente para preparar su siguiente disco: “Nebraska”, un LP que tuvo más cara de demo que de producto acabado. Para esa época Van Zandt, uno de los guitarristas de la banda, dejó la formación para iniciar su propio proyecto. Fue sustituido por Nils Lofgren. Cuando parecía que las cosas habían cambiado por un ritmo más tranquilo vino “Born in the USA” en junio de 1984 y detrás del disco dos años de gira. El disco produjo siete sencillos, vendió más de diez millones de copias y puso a Springsteen a la altura de otras luminarias del pop como Michael Jackson y Prince. Terminando la gira se puso a la venta un álbum quíntuple en el que se recogían las canciones en concierto entre 1975 y 1985. El disco fue número uno en ventas. Como parece ser costumbre en Springsteen su regreso fue un disco introspectivo llamado “Tunnel of Love” en 1987, en el que parecía presagiarse su divorcio. Luego de una gira maratóniana le comunicó a la E Street Band que a partir de noviembre de 1989 seguirían caminos separados, después de 15 años de estar juntos. En marzo de 1992 lanzó dos álbumes simultáneamente: “Human Touch” y “Lucky Town”. Sin embargo, el esfuerzo no tuvo mayor éxito comercial. Un año después grabó un desenchufado para MTV que solamente fue puesto a la venta en Europa. En 1994 ayudó en la grabación de la banda sonora de la película “Philadelphia” para la que compuso “Calles de Filadelfia”. Fue su primer top 10 desde “Tunnel of Love” y ganó cuatro Grammys y el Óscar a la mejor canción original. Su retrospectiva puesta en un disco de grandes éxitos salió a la venta en 1995 entrando a las lista directamente en el número uno y reuniéndolo nuevamente con la E Street Band. Cerró el año con un video y con un nuevo álbum acústico llamado “The Ghost of Tom Joad”. Para apoyar el lanzamiento del disco hizo una pequeña gira en la que se presentaba en salas de concierto en las que interpretaba temas desenchufados. Para 1999, luego de haber sido itido en el Salón de la Fama del Rock and Roll, arrancó una gira con toda la E Street band que terminó a mediados del año 2000 y con un disco llamado “Live in New York City”. Luego vino un disco llamado “The Rising” (2002) en el que volvió a tocar con su banda original. Actualizado
Pioneros: Cream Cream fue una banda de rock británico en los años 60. Fue uno de los primeros y más célebres supergrupos que dio lugar a una de las más vitales y efectistas formaciones entre 1966 y 1968, es considerada una banda adelantada a su época y de una influencia inconmensurable. Supuso el adiós del pop por la vía del blues y la búsqueda de mayor amplitud conceptual para el rock, no se puede negar que se trata de una de las bandas CAPITALES de los 60', jugando, sin exagerar, en la misma liga de los Beatles, Dylan, los Stones, los Who, los Kinks, Hendrix y los Doors. Su música, aunque no demasiado conocida hoy en día, fue IMPORTANTISIMA en el florecimiento que el rock tuvo por aquellos días, y cumplió un papel clave en el desarrollo de aquello que conocemos como hard-rock; mucha de su música fue en su momento pura innovación, son cosas que nunca se habían hecho antes. De todos los grandes grupos de la época, fue aquel que el tiempo ha tratado con menos generosidad quizás porque apenas cumplieron tres años de trayectoria y con poco material publicado, pero fue, es y será uno de los conjuntos INELUDIBLES de la historia del rock, un clásico. El grupo estaba formado por Eric Clapton en la guitarra que había sido miembro de los Yardbirds y los Bluesbreakers de John Mayall, Jack Bruce al bajo y a la voz, había estado con Manfred Mann y Graham Bond y Ginger Baker en la percusión que también estuvo en la Graham Bond. Fue el primer (y mejor) supergrupo que haya conocido la historia del rock, estos tres músicos ya sabían lo que era estar en un grupo de rock cuando formaron Cream, fueron pioneros y revolucionarios en muchísimos aspectos, pero además dieron al mundo algunos de los más excelsos clásicos del rock, aportando valores compositivos impresionantes que sobrepasan el promedio de cualquier banda de hard-rock (incluso más que el mismo Jimi Hendrix), pasajes instrumentales aplastantes, ganchos melódicos de primerísimo nivel y míticas puestas en escena. Fueron los primeros en explorar a fondo las posibilidades del grupo de bajo-guitarra-batería y es notable lo que eran capaces de lograr con esos tres instrumentos básicos, esquema que más tarde llevarían a nuevas alturas grupos como Led Zeppelin. También hicieron aportes clave al crecimiento del hard-rock; se puede decir que el concepto del hard-rock empezó a gestarse con los Who de “My Generation” y los Kinks de “You Really Got Me”, pero fue Cream el grupo que se animó a dar el siguiente gran salto, tomando al mundo por sorpresa con los primeros riffs realmente pesados de la historia, tonos de guitarra bestiales y algunos jams realmente potentes. El aspecto más polémico aparece al hablar de shows en vivo, en sus álbumes, eran refinados, breves, experimentales y concisos y en concierto, solían perderse en interminables jams de guitarra, bajo y batería que, extrañamente les dieron una gran popularidad en esos años, aunque también en vivo eran capaces de realizar algo sublime, como lo atestigua el Crossroads en Wheels of Fire, en donde las rápidas líneas de Bruce, el interminable golpeteo de Baker y el sublime virtuosismo de Clapton definen uno de los momentos rockeros más apasionantes que se haya escuchado nunca. Su música sigue sonando tan fresca, creativa y excitante hoy como en su época de gloria. Su corto bagaje se traduce en muy pocas canciones realmente esenciales, pero con esos contados momentos, les alcanza para estar entre los grandes. Simplemente clásicos. En 1993 se reunieron con motivo de su introducción al salón de la fama del rock. La gran reunión se dio, sin embargo, en mayo de 2005 donde ofrecieron de nuevo una serie de conciertos en el Royal Albert Hall de Londres. A fines de Octubre de 2005 ofrecieron tres conciertos en el Madison Square Garden en Nueva York. Actualizado
Pioneros: David Bowie David Bowie, nacido como David Robert Jones en Londres en 1947 es un músico y compositor de rock británico, quien ha ejercido a su vez de actor, productor discográfico y arreglista. Figura importante de la música popular durante más de cinco décadas, Bowie es considerado un innovador, en particular por sus trabajos de la década de los setenta y por su peculiar voz, además de la profundidad intelectual de su obra. Artista camaleónico, ha cambiado varias veces de estilo y ha recogido múltiples influencias, sobre todo de la psicodelia y el punk, que le hicieron adoptar en los años setenta un provocativo aspecto andrógino, anticipándose a personajes como Boy George. Ha trabajado junto a artistas de la talla de Mick Jagger, Iggy Pop, John Lennon o Brian Eno, y colaborado con jóvenes artistas, a cuya fama ha contribuido notablemente, como es el caso de Lenny Krawitz. Ziggy Stardust (1972) o Let’s dance (1983) son algunos de los discos míticos de su carrera, jalonada siempre por el éxito y la polémica. También han sido frecuentes las incursiones de Bowie en el mundo cinematográfico; su película más celebrada es Feliz Navidad, Mr. Lawrence (1983), de Naghisa Oshima. David Bowie comenzó su carrera cantando y tocando el saxofón en pequeños locales y también en institutos, con músicos aficionados como The Manish Boys, David Jones & the King Bees o Lower Third. A finales de la década de los sesenta comenzó a grabar sus primeros sencillos, que luego se integrarían en su primer álbum, David Bowie (1967). Se interesó además por el teatro, llegando a formarse como mimo y actor con Lindsay Kemp, una influencia que se dejaría notar más tarde en sus actuaciones. En 1969 grabó el álbum “Man of words/Man of music”, en el cual se incluía el single “Space oddity”, que llegaría al puesto cinco de las listas en el Reino Unido. Después de realizar actuaciones en diversos países, entabló amistad con el que se convertiría en su nuevo mánager, Toni de Fries. En 1970 y 1971 publicó los álbumes “The man who sold the world” y “Hunky Dory”, en los que ofreció una provocativa imagen andrógina, en consonancia con el “glam”, la tendencia que dominaba en aquel momento el rock británico. A partir de 1972 empezó el gran ciclo de transformaciones que caracteriza su personalidad camaleónica: en “The rise and fall of Ziggy Stardust and the spiders from Mars” encarna a una estrella bisexual del rock procedente de otro planeta. Esta tendencia a la ambigüedad continuaría en “Aladdin Sane” (1973), su siguiente trabajo. Ese mismo año Bowie posó junto a la modelo Twiggy en la portada de “Pinups”, un recopilatorio de algunas de las mejores canciones del rock de los 60, y apareció desnudo en la carpeta de su álbum “Diamond dogs” (1974). Las canciones de Bowie generaban una atmósfera futurista, obsesiva, donde daba cabida a breves guiños dirigidos al rock estadounidense y desarrollaba profundas y densas secuencias por las que desfilaban personajes orwellianos (el Gran Hermano de la novela 1984, de George Orwell), arquetipos de una modernidad decadente o personajes que parecen surgidos del género gótico. En Gran Bretaña las críticas a este último álbum fueron duras, y Bowie decidió dar un giro a su carrera, adoptando una imagen personal más sobria e introduciendo la música disco y el soul como influencias estilísticas en sus composiciones. Se lanzó a la conquista del mercado estadounidense con el álbum “Young americans” (1975), que ascendió al primer puesto de las listas de ventas. Con el respaldo de Andy Warhol, con el que trabó gran amistad, su popularidad creció rápidamente. En esta segunda mitad de la década de los setenta Bowie continuó experimentando con nuevos sonidos. El elemento electrónico estaba cada vez más presente en su música, a través del uso recurrente de sintetizadores y de la manipulación de su voz en los temas. Esto queda patente en álbumes como “Station to station” (1976) y “Low” (1977), en el que empieza su asociación con el músico y productor Brian Eno. Bowie evolucionaba hacia un personaje de aspecto frío y distante, envuelto en largos abrigos de cuero, lo que le valdría el sobrenombre de “El duque blanco”. “Heroes” (1977) ofrecería estructuras y sonidos aun más densos y complejos. En los años siguientes, y todavía con Eno, Bowie grabó “Stage” (1978), álbum en vivo resultado de su gira de aquel año, y “Lodger” (1979), que señalan su vuelta hacia un rock fresco, original y de sencilla comercialización, aunque enriquecido por todas las innovaciones de la etapa anterior. Con “Scary monsters” (1980), que seguía esta misma tendencia, terminó otra etapa de su carrera. Bowie inició en ese momento su periodo de mayor éxito comercial, pero también el de más críticas adversas por parte de los especialistas, que le achacaban un empobrecimiento musical. Colaboró con Queen en el número uno de las listas de venta «Under Pressure» para, poco después, volver a conseguir un éxito comercial con su disco de 1983 “Let's dance”, del que se extrajeron los exitosos sencillos «Let's dance», «China girl» y «Modern love» y “Tonight” en 1984 que le facilitarían la colaboración con otros artistas, como Iggy Pop, Queen, Tina Turner y Mick Jagger. Su enorme éxito se vio favorecido por sus trabajos para el cine. En 1986 compuso la banda sonora de “Dentro del laberinto”, filme dirigido por Jim Henson y producido por George Lucas, donde además interpretaba uno de los papeles protagonistas. Ya atesoraba una extensa trayectoria como actor en otros filmes anteriores, como “The man who fell to earth” (1976, de Nicolas Roeg), “Gigoló” (1979, de David Hemmings), “El ansia” (1983, de Tony Scott), “Feliz Navidad, Mr. Lawrence” (1983, de Nagisa Oshima) o “Cuando llega la noche” (1985, de John Landis). Su siguiente trabajo fue “Never let me down” (1987). Tras un periodo (1989-91) en el que trabajó con la banda Tin Machine, Bowie retomó su carrera en solitario con “Black tie white nose” (1993). Casado con la modelo Iman, comenzaba una nueva y fructífera etapa musical. Con “Outline” (1995), Bowie volvió a transformarse (esta vez adoptaría la identidad de un detective en una urbe futurista) y recobró, con sonoridades de su época con Eno, su preeminencia en la vanguardia del rock. “Earthling” (1997), “Hours” (1999), “Heathen” (2002), “Reality” y “Club Bowie” (2003). A finales de marzo de 2011 se filtró a través de internet “Toy”, un disco nunca publicado de 2001 que contiene material usado para “Heathen” y la mayoría de sus caras B, además de algunas nuevas versiones inéditas de su catálogo “The next day” salió a la venta el 12 de marzo de 2013, viene a ser su trigésimo álbum en toda su carrera musical, y con éste, termina el descanso de diez años en cuanto a producciones de estudio se refieren, se escogió como primer sencillo “Where are we now?” y "The stars (are out tonight)" como segundo. A pesar de que anunció ya no estar interesado en giras mundiales, Bowie dará algunos conciertos excepcionales en Estados Unidos en mayo de 2013 y visitará a España el 26 de junio de 2013. En la encuesta de 2002 de la cadena televisiva BBC de los 100 británicos más importantes, se colocó en el puesto número 29. Ha vendido, aproximadamente, 136 millones de discos a lo largo de su carrera. Ha recibido nueve discos de platino, once de oro y ocho de plata en el Reino Unido y cinco de platino y siete de oro en Estados Unidos. En 2004, la revista Rolling Stone le posicionó en el puesto número 39 de su lista de los cien artistas de rock más importantes de todos los tiempos y en el puesto 23 de su lista de los mejores cantantes de todos los tiempos. Actualizado
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