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Los Brincos son una de las mejores formaciones que ha conocido y conocerá la música española. En una época en la cual el bagaje discográfico de los grupos se nutría básicamente de versiones anglosajonas, la banda liderada por Fernando Arbex, alma mater de sus composiciones e ideológo principal de su sonido, demostró poseer un elevado talento para la escritura propia, para la creación melódica, para el dominio de ritmos, para el empleo magistral de las voces, con unas armonías de difícil comparación en la historia del rock en castellano.
A los Brincos se les despacha con una simple similitud con los Beatles, pero en su sonido se pueden apreciar las iniciales pautas del Rhythm and Blues stoniano que configuran un vibrante sonido garage-rock, principalmente apreciable, no en sus singles, que generalmente suelen ser de valía inferior a otras piezas de su discografía, sino en sus primeros LPs., pero en su progreso compositivo también suenan voces californianas a lo folk-rock, apuntes aflamencados en puntuales ocasiones, psicodelia y rock progresivo, configurando una discografía más que interesante.
Lo tenían casi todo: Podían cantar en castellano o en inglés; alternaban baladas y medios tiempos tiernos, con piezas de una contundencia increíble; su conjunción vocal era casi perfecta, y, pese a su juventud, instrumentalmente estaban muy preparados. Los Brincos disponían de una de las secciones rítmicas más capaces de la época. Arbex era un genio de la batería y a Manolo González nunca se le ha reconocido suficientemente su habilidad con el bajo. Lo más sorprendente de todo es que siempre, y quizás sea el único grupo en el mundo, grabaron composiciones originales suyas.
El grupo se creó en Madrid en 1964. Sus componentes fueron Fernando Arbex, Manuel González, Juan Pardo y Antonio Morales (“Junior”)
La banda pretende llamarse en principio “Las Ovejas Negras”, pero, finalmente, adoptan el nombre de Los Brincos y gracias a Luis Sartorius, muy amigo de Arbex por su pertenencia en los Estudiantes, logran llamar la atención del sello Zafiro para grabar en Novola. Todos los discos de su primera etapa fueron número uno en las listas españolas.
Los Brincos, que solían ensayar en sus comienzos en la azotea de la casa de Arbex, debutaron en vinilo en 1964 con un LP, “Los Brincos” (1964), dos singles y un EP. Su casa discográfica les presenta como los Beatles a la española, empleando en su vestimenta unas características capas. Su música domina los cánones del Merseybeat, con unas armonías sensacionales y mostrando en sus temas, alternando canciones en español con piezas en inglés, una energía garajera muy acusada, en especial en todo su primer LP, con temas llenos de ritmo como el bailable single “Dance the pulga”, el palpitante garage-rock “What’s the matter with you”, o “Bye bye Chiquilla”, con una guitarra muy stoniana. Sus famosas armonías y sus trazas más beat son muy apreciables en “I can’t make it” o “Cry”.
El primer single del grupo fue “Flamenco”, que les lleva a lo más alto. Probablemente ésta sea la primera vez que se empleaban sonidos de flamenco en la historia del rock.
La denominada “Brincosis” se asienta en 1965 con otro EP y alcanzan el éxito popular con singles como “Borracho”, movido tema con letra humorística más cercano al R&B stoniano que al beat, “Tú me dijiste adiós”, excelente medio tiempo pop o “Mejor”, con esa elegante intro de guitarra y voces en armonías terminadas en falsete.
En 1966 aparecen temas como “A mí con esas” o la balada “Un sorbito de champagne”, uno de sus temas más comerciales. Aparece otro EP y su segundo LP, “Brincos II” (1966), un álbum en el que incluyen temas como “Mejor”, “Tu me dijiste adiós”, “I try to find”, “Sola”, “Yo”, “Walking alone” o la magnífica “Tú en mi”, vivaz canción con retozona guitarra R&B y unas armonías prodigiosas.
Tras este álbum se producen las primeras discrepancias en el seno de la banda. El liderazgo de Arbex se ve amenazado por Junior y Pardo, quienes finalmente abandonan el grupo para iniciar una carrera como dúo. “Anduriña”, “La caza”, “Nada”, “Bajo el sol” o “Nos falta fe” serán algunos de sus éxitos.
Los nuevos Brincos se recompusieron bajo el liderazgo de Arbex, con las entradas de Ricky Morales (hermano de Junior) y Vicente Jesús Martínez, procedentes ambos del grupo Shakers.
Más tarde Vicente Martínez también abandonó la formación y lo sustituyó Miguel Morales, hermano de Junior y de Ricky. El sonido, a instancias de Arbex, se fue decantando hacia un rock más psicodélico, que en aquellos años estaba desbancando de las preferencias juveniles al beat. Editan el LP “Contrabando” (1968), que incluye los singles “Lola”, balada menor con arreglos de viento cuasi mexicanos, y “El pasaporte”, una animosa pieza garajera en donde se aprecia su querencia por los Who o el “Paperback writer” de los Beatles. Como cara B de “Lola” aparecía “The Train”, un tema muy parecido al “Substitute” de los Who que conllevó una demanda del mismísimo Pete Townshend.
“Contrabando” incluía otras fenomenales canciones, mejores que los singles, como “Nadie te quiere ya”, con un estupendo empleo del cello, “Big temptations” o “Rápidamente”, ésta última con una melodía fenomenal y un enfático y efectivo falsete.
Arbex, atento a lo que se cuece en el contexto internacional, intentó ensanchar su música con sonidos progresivos y psicodélicos, hecho apreciable en el último disco de los Brincos, “Mundo, demonio y carne” (1970), álbum de rock psico-progresivo con portada censurada, en la que salían los componentes desnudos, que conoció una versión en lengua inglesa, “World, evil and body”.
El álbum se abre con una larga y ambiciosa pieza homónima de más de doce minutos. Posteriormente depara canciones como “Vive la realidad”, la rockera “Jenny la genio”, “Hermano Ismael” o “Butterfly”. Es un álbum progresivo.
En el año 2000 volvieron a aparecer Los Brincos, esta vez de la mano de Fernando Arbex y Miguel Morales, editando el LP “Eterna juventud” y se dedican a tocar sus grandes éxitos en diferentes galas y festivales.
El 5 de julio del año 2003 Fernando Arbex, uno de las máximas figuras del rock en español, murió a la edad de 61 años.
Pioneros: Los Brincos (3de3)
Episodio en Pioneros: Los Brincos
Los Brincos son una de las mejores formaciones que ha conocido y conocerá la música española. En una época en la cual el bagaje discográfico de los grupos se nutría básicamente de versiones anglosajonas, la banda liderada por Fernando Arbex, alma mater de sus composiciones e ideológo principal de su sonido, demostró poseer un elevado talento para la escritura propia, para la creación melódica, para el dominio de ritmos, para el empleo magistral de las voces, con unas armonías de difícil comparación en la historia del rock en castellano. A los Brincos se les despacha con una simple similitud con los Beatles, pero en su sonido se pueden apreciar las iniciales pautas del Rhythm and Blues stoniano que configuran un vibrante sonido garage-rock, principalmente apreciable, no en sus singles, que generalmente suelen ser de valía inferior a otras piezas de su discografía, sino en sus primeros LPs., pero en su progreso compositivo también suenan voces californianas a lo folk-rock, apuntes aflamencados en puntuales ocasiones, psicodelia y rock progresivo, configurando una discografía más que interesante. Lo tenían casi todo: Podían cantar en castellano o en inglés; alternaban baladas y medios tiempos tiernos, con piezas de una contundencia increíble; su conjunción vocal era casi perfecta, y, pese a su juventud, instrumentalmente estaban muy preparados. Los Brincos disponían de una de las secciones rítmicas más capaces de la época. Arbex era un genio de la batería y a Manolo González nunca se le ha reconocido suficientemente su habilidad con el bajo. Lo más sorprendente de todo es que siempre, y quizás sea el único grupo en el mundo, grabaron composiciones originales suyas. El grupo se creó en Madrid en 1964. Sus componentes fueron Fernando Arbex, Manuel González, Juan Pardo y Antonio Morales (“Junior”) La banda pretende llamarse en principio “Las Ovejas Negras”, pero, finalmente, adoptan el nombre de Los Brincos y gracias a Luis Sartorius, muy amigo de Arbex por su pertenencia en los Estudiantes, logran llamar la atención del sello Zafiro para grabar en Novola. Todos los discos de su primera etapa fueron número uno en las listas españolas. Los Brincos, que solían ensayar en sus comienzos en la azotea de la casa de Arbex, debutaron en vinilo en 1964 con un LP, “Los Brincos” (1964), dos singles y un EP. Su casa discográfica les presenta como los Beatles a la española, empleando en su vestimenta unas características capas. Su música domina los cánones del Merseybeat, con unas armonías sensacionales y mostrando en sus temas, alternando canciones en español con piezas en inglés, una energía garajera muy acusada, en especial en todo su primer LP, con temas llenos de ritmo como el bailable single “Dance the pulga”, el palpitante garage-rock “What’s the matter with you”, o “Bye bye Chiquilla”, con una guitarra muy stoniana. Sus famosas armonías y sus trazas más beat son muy apreciables en “I can’t make it” o “Cry”. El primer single del grupo fue “Flamenco”, que les lleva a lo más alto. Probablemente ésta sea la primera vez que se empleaban sonidos de flamenco en la historia del rock. La denominada “Brincosis” se asienta en 1965 con otro EP y alcanzan el éxito popular con singles como “Borracho”, movido tema con letra humorística más cercano al R&B stoniano que al beat, “Tú me dijiste adiós”, excelente medio tiempo pop o “Mejor”, con esa elegante intro de guitarra y voces en armonías terminadas en falsete. En 1966 aparecen temas como “A mí con esas” o la balada “Un sorbito de champagne”, uno de sus temas más comerciales. Aparece otro EP y su segundo LP, “Brincos II” (1966), un álbum en el que incluyen temas como “Mejor”, “Tu me dijiste adiós”, “I try to find”, “Sola”, “Yo”, “Walking alone” o la magnífica “Tú en mi”, vivaz canción con retozona guitarra R&B y unas armonías prodigiosas. Tras este álbum se producen las primeras discrepancias en el seno de la banda. El liderazgo de Arbex se ve amenazado por Junior y Pardo, quienes finalmente abandonan el grupo para iniciar una carrera como dúo. “Anduriña”, “La caza”, “Nada”, “Bajo el sol” o “Nos falta fe” serán algunos de sus éxitos. Los nuevos Brincos se recompusieron bajo el liderazgo de Arbex, con las entradas de Ricky Morales (hermano de Junior) y Vicente Jesús Martínez, procedentes ambos del grupo Shakers. Más tarde Vicente Martínez también abandonó la formación y lo sustituyó Miguel Morales, hermano de Junior y de Ricky. El sonido, a instancias de Arbex, se fue decantando hacia un rock más psicodélico, que en aquellos años estaba desbancando de las preferencias juveniles al beat. Editan el LP “Contrabando” (1968), que incluye los singles “Lola”, balada menor con arreglos de viento cuasi mexicanos, y “El pasaporte”, una animosa pieza garajera en donde se aprecia su querencia por los Who o el “Paperback writer” de los Beatles. Como cara B de “Lola” aparecía “The Train”, un tema muy parecido al “Substitute” de los Who que conllevó una demanda del mismísimo Pete Townshend. “Contrabando” incluía otras fenomenales canciones, mejores que los singles, como “Nadie te quiere ya”, con un estupendo empleo del cello, “Big temptations” o “Rápidamente”, ésta última con una melodía fenomenal y un enfático y efectivo falsete. Arbex, atento a lo que se cuece en el contexto internacional, intentó ensanchar su música con sonidos progresivos y psicodélicos, hecho apreciable en el último disco de los Brincos, “Mundo, demonio y carne” (1970), álbum de rock psico-progresivo con portada censurada, en la que salían los componentes desnudos, que conoció una versión en lengua inglesa, “World, evil and body”. El álbum se abre con una larga y ambiciosa pieza homónima de más de doce minutos. Posteriormente depara canciones como “Vive la realidad”, la rockera “Jenny la genio”, “Hermano Ismael” o “Butterfly”. Es un álbum progresivo. En el año 2000 volvieron a aparecer Los Brincos, esta vez de la mano de Fernando Arbex y Miguel Morales, editando el LP “Eterna juventud” y se dedican a tocar sus grandes éxitos en diferentes galas y festivales. El 5 de julio del año 2003 Fernando Arbex, uno de las máximas figuras del rock en español, murió a la edad de 61 años.
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Pioneros: Los Brincos (2de3)
Episodio en Pioneros: Los Brincos
Los Brincos son una de las mejores formaciones que ha conocido y conocerá la música española. En una época en la cual el bagaje discográfico de los grupos se nutría básicamente de versiones anglosajonas, la banda liderada por Fernando Arbex, alma mater de sus composiciones e ideológo principal de su sonido, demostró poseer un elevado talento para la escritura propia, para la creación melódica, para el dominio de ritmos, para el empleo magistral de las voces, con unas armonías de difícil comparación en la historia del rock en castellano. A los Brincos se les despacha con una simple similitud con los Beatles, pero en su sonido se pueden apreciar las iniciales pautas del Rhythm and Blues stoniano que configuran un vibrante sonido garage-rock, principalmente apreciable, no en sus singles, que generalmente suelen ser de valía inferior a otras piezas de su discografía, sino en sus primeros LPs., pero en su progreso compositivo también suenan voces californianas a lo folk-rock, apuntes aflamencados en puntuales ocasiones, psicodelia y rock progresivo, configurando una discografía más que interesante. Lo tenían casi todo: Podían cantar en castellano o en inglés; alternaban baladas y medios tiempos tiernos, con piezas de una contundencia increíble; su conjunción vocal era casi perfecta, y, pese a su juventud, instrumentalmente estaban muy preparados. Los Brincos disponían de una de las secciones rítmicas más capaces de la época. Arbex era un genio de la batería y a Manolo González nunca se le ha reconocido suficientemente su habilidad con el bajo. Lo más sorprendente de todo es que siempre, y quizás sea el único grupo en el mundo, grabaron composiciones originales suyas. El grupo se creó en Madrid en 1964. Sus componentes fueron Fernando Arbex, Manuel González, Juan Pardo y Antonio Morales (“Junior”) La banda pretende llamarse en principio “Las Ovejas Negras”, pero, finalmente, adoptan el nombre de Los Brincos y gracias a Luis Sartorius, muy amigo de Arbex por su pertenencia en los Estudiantes, logran llamar la atención del sello Zafiro para grabar en Novola. Todos los discos de su primera etapa fueron número uno en las listas españolas. Los Brincos, que solían ensayar en sus comienzos en la azotea de la casa de Arbex, debutaron en vinilo en 1964 con un LP, “Los Brincos” (1964), dos singles y un EP. Su casa discográfica les presenta como los Beatles a la española, empleando en su vestimenta unas características capas. Su música domina los cánones del Merseybeat, con unas armonías sensacionales y mostrando en sus temas, alternando canciones en español con piezas en inglés, una energía garajera muy acusada, en especial en todo su primer LP, con temas llenos de ritmo como el bailable single “Dance the pulga”, el palpitante garage-rock “What’s the matter with you”, o “Bye bye Chiquilla”, con una guitarra muy stoniana. Sus famosas armonías y sus trazas más beat son muy apreciables en “I can’t make it” o “Cry”. El primer single del grupo fue “Flamenco”, que les lleva a lo más alto. Probablemente ésta sea la primera vez que se empleaban sonidos de flamenco en la historia del rock. La denominada “Brincosis” se asienta en 1965 con otro EP y alcanzan el éxito popular con singles como “Borracho”, movido tema con letra humorística más cercano al R&B stoniano que al beat, “Tú me dijiste adiós”, excelente medio tiempo pop o “Mejor”, con esa elegante intro de guitarra y voces en armonías terminadas en falsete. En 1966 aparecen temas como “A mí con esas” o la balada “Un sorbito de champagne”, uno de sus temas más comerciales. Aparece otro EP y su segundo LP, “Brincos II” (1966), un álbum en el que incluyen temas como “Mejor”, “Tu me dijiste adiós”, “I try to find”, “Sola”, “Yo”, “Walking alone” o la magnífica “Tú en mi”, vivaz canción con retozona guitarra R&B y unas armonías prodigiosas. Tras este álbum se producen las primeras discrepancias en el seno de la banda. El liderazgo de Arbex se ve amenazado por Junior y Pardo, quienes finalmente abandonan el grupo para iniciar una carrera como dúo. “Anduriña”, “La caza”, “Nada”, “Bajo el sol” o “Nos falta fe” serán algunos de sus éxitos. Los nuevos Brincos se recompusieron bajo el liderazgo de Arbex, con las entradas de Ricky Morales (hermano de Junior) y Vicente Jesús Martínez, procedentes ambos del grupo Shakers. Más tarde Vicente Martínez también abandonó la formación y lo sustituyó Miguel Morales, hermano de Junior y de Ricky. El sonido, a instancias de Arbex, se fue decantando hacia un rock más psicodélico, que en aquellos años estaba desbancando de las preferencias juveniles al beat. Editan el LP “Contrabando” (1968), que incluye los singles “Lola”, balada menor con arreglos de viento cuasi mexicanos, y “El pasaporte”, una animosa pieza garajera en donde se aprecia su querencia por los Who o el “Paperback writer” de los Beatles. Como cara B de “Lola” aparecía “The Train”, un tema muy parecido al “Substitute” de los Who que conllevó una demanda del mismísimo Pete Townshend. “Contrabando” incluía otras fenomenales canciones, mejores que los singles, como “Nadie te quiere ya”, con un estupendo empleo del cello, “Big temptations” o “Rápidamente”, ésta última con una melodía fenomenal y un enfático y efectivo falsete. Arbex, atento a lo que se cuece en el contexto internacional, intentó ensanchar su música con sonidos progresivos y psicodélicos, hecho apreciable en el último disco de los Brincos, “Mundo, demonio y carne” (1970), álbum de rock psico-progresivo con portada censurada, en la que salían los componentes desnudos, que conoció una versión en lengua inglesa, “World, evil and body”. El álbum se abre con una larga y ambiciosa pieza homónima de más de doce minutos. Posteriormente depara canciones como “Vive la realidad”, la rockera “Jenny la genio”, “Hermano Ismael” o “Butterfly”. Es un álbum progresivo. En el año 2000 volvieron a aparecer Los Brincos, esta vez de la mano de Fernando Arbex y Miguel Morales, editando el LP “Eterna juventud” y se dedican a tocar sus grandes éxitos en diferentes galas y festivales. El 5 de julio del año 2003 Fernando Arbex, uno de las máximas figuras del rock en español, murió a la edad de 61 años.
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Pioneros: Los Brincos (1de3)
Episodio en Pioneros: Los Brincos
Los Brincos son una de las mejores formaciones que ha conocido y conocerá la música española. En una época en la cual el bagaje discográfico de los grupos se nutría básicamente de versiones anglosajonas, la banda liderada por Fernando Arbex, alma mater de sus composiciones e ideológo principal de su sonido, demostró poseer un elevado talento para la escritura propia, para la creación melódica, para el dominio de ritmos, para el empleo magistral de las voces, con unas armonías de difícil comparación en la historia del rock en castellano. A los Brincos se les despacha con una simple similitud con los Beatles, pero en su sonido se pueden apreciar las iniciales pautas del Rhythm and Blues stoniano que configuran un vibrante sonido garage-rock, principalmente apreciable, no en sus singles, que generalmente suelen ser de valía inferior a otras piezas de su discografía, sino en sus primeros LPs., pero en su progreso compositivo también suenan voces californianas a lo folk-rock, apuntes aflamencados en puntuales ocasiones, psicodelia y rock progresivo, configurando una discografía más que interesante. Lo tenían casi todo: Podían cantar en castellano o en inglés; alternaban baladas y medios tiempos tiernos, con piezas de una contundencia increíble; su conjunción vocal era casi perfecta, y, pese a su juventud, instrumentalmente estaban muy preparados. Los Brincos disponían de una de las secciones rítmicas más capaces de la época. Arbex era un genio de la batería y a Manolo González nunca se le ha reconocido suficientemente su habilidad con el bajo. Lo más sorprendente de todo es que siempre, y quizás sea el único grupo en el mundo, grabaron composiciones originales suyas. El grupo se creó en Madrid en 1964. Sus componentes fueron Fernando Arbex, Manuel González, Juan Pardo y Antonio Morales (“Junior”) La banda pretende llamarse en principio “Las Ovejas Negras”, pero, finalmente, adoptan el nombre de Los Brincos y gracias a Luis Sartorius, muy amigo de Arbex por su pertenencia en los Estudiantes, logran llamar la atención del sello Zafiro para grabar en Novola. Todos los discos de su primera etapa fueron número uno en las listas españolas. Los Brincos, que solían ensayar en sus comienzos en la azotea de la casa de Arbex, debutaron en vinilo en 1964 con un LP, “Los Brincos” (1964), dos singles y un EP. Su casa discográfica les presenta como los Beatles a la española, empleando en su vestimenta unas características capas. Su música domina los cánones del Merseybeat, con unas armonías sensacionales y mostrando en sus temas, alternando canciones en español con piezas en inglés, una energía garajera muy acusada, en especial en todo su primer LP, con temas llenos de ritmo como el bailable single “Dance the pulga”, el palpitante garage-rock “What’s the matter with you”, o “Bye bye Chiquilla”, con una guitarra muy stoniana. Sus famosas armonías y sus trazas más beat son muy apreciables en “I can’t make it” o “Cry”. El primer single del grupo fue “Flamenco”, que les lleva a lo más alto. Probablemente ésta sea la primera vez que se empleaban sonidos de flamenco en la historia del rock. La denominada “Brincosis” se asienta en 1965 con otro EP y alcanzan el éxito popular con singles como “Borracho”, movido tema con letra humorística más cercano al R&B stoniano que al beat, “Tú me dijiste adiós”, excelente medio tiempo pop o “Mejor”, con esa elegante intro de guitarra y voces en armonías terminadas en falsete. En 1966 aparecen temas como “A mí con esas” o la balada “Un sorbito de champagne”, uno de sus temas más comerciales. Aparece otro EP y su segundo LP, “Brincos II” (1966), un álbum en el que incluyen temas como “Mejor”, “Tu me dijiste adiós”, “I try to find”, “Sola”, “Yo”, “Walking alone” o la magnífica “Tú en mi”, vivaz canción con retozona guitarra R&B y unas armonías prodigiosas. Tras este álbum se producen las primeras discrepancias en el seno de la banda. El liderazgo de Arbex se ve amenazado por Junior y Pardo, quienes finalmente abandonan el grupo para iniciar una carrera como dúo. “Anduriña”, “La caza”, “Nada”, “Bajo el sol” o “Nos falta fe” serán algunos de sus éxitos. Los nuevos Brincos se recompusieron bajo el liderazgo de Arbex, con las entradas de Ricky Morales (hermano de Junior) y Vicente Jesús Martínez, procedentes ambos del grupo Shakers. Más tarde Vicente Martínez también abandonó la formación y lo sustituyó Miguel Morales, hermano de Junior y de Ricky. El sonido, a instancias de Arbex, se fue decantando hacia un rock más psicodélico, que en aquellos años estaba desbancando de las preferencias juveniles al beat. Editan el LP “Contrabando” (1968), que incluye los singles “Lola”, balada menor con arreglos de viento cuasi mexicanos, y “El pasaporte”, una animosa pieza garajera en donde se aprecia su querencia por los Who o el “Paperback writer” de los Beatles. Como cara B de “Lola” aparecía “The Train”, un tema muy parecido al “Substitute” de los Who que conllevó una demanda del mismísimo Pete Townshend. “Contrabando” incluía otras fenomenales canciones, mejores que los singles, como “Nadie te quiere ya”, con un estupendo empleo del cello, “Big temptations” o “Rápidamente”, ésta última con una melodía fenomenal y un enfático y efectivo falsete. Arbex, atento a lo que se cuece en el contexto internacional, intentó ensanchar su música con sonidos progresivos y psicodélicos, hecho apreciable en el último disco de los Brincos, “Mundo, demonio y carne” (1970), álbum de rock psico-progresivo con portada censurada, en la que salían los componentes desnudos, que conoció una versión en lengua inglesa, “World, evil and body”. El álbum se abre con una larga y ambiciosa pieza homónima de más de doce minutos. Posteriormente depara canciones como “Vive la realidad”, la rockera “Jenny la genio”, “Hermano Ismael” o “Butterfly”. Es un álbum progresivo. En el año 2000 volvieron a aparecer Los Brincos, esta vez de la mano de Fernando Arbex y Miguel Morales, editando el LP “Eterna juventud” y se dedican a tocar sus grandes éxitos en diferentes galas y festivales. El 5 de julio del año 2003 Fernando Arbex, uno de las máximas figuras del rock en español, murió a la edad de 61 años.
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Pioneros: The Smiths The Smiths fue una banda de Rock formada en Mánchester, Reino Unido en 1982, por Johnny Marr (guitarra, teclados, mandolina, bajo y armónica), Stephen Patrick Morrissey (voz y piano), Mike Joyce (batería y coros) y Andy Rourke (bajo y cello). Se apoyaron en dos piezas básicas, el trabajo guitarrero de Johnny Marr, de notoria expresividad, palpitante, repicante y traslúcida sonoridad que enaltecía las letras de Morrissey, enigmático poeta anclado en la angustia existencial y una perspectiva afligida sobre su contexto sociocultural, desde una ascendencia mitómana y un acercamiento intimista y sensible que le aupó como icono de una juventud descorazonada y contrariada. El melancólico y solitario Morrisey, vegetariano y apóstol del celibato sexual, de vocalidad crooner cercana a la teatralidad, expandía sus emociones en composiciones que alternaban la roturación sentimental y la contemplación social con sutiles cargas sarcásticas. Fue convertido en mito tras el éxito de los Smiths. Era también un gran mitómano, cinéfilo empedernido y amante del rock'n'roll y el pop de los 60's, con fijación por los sonidos femeninos (con tributos a Sandie Shaw o Twinkle) y desde una heterogeneidad melómana que le llevó a ser el presidente del club de fans de los “New York Dolls”, de los que escribió su biografía, al igual que también hizo sobre la figura del actor James Dean. Devorador de libros, entre sus influencias literarias se encuentran escritores como Oscar Wilde, W. B. Yeats, John Keats o Dorothy Parker. Poco a poco el número de seguidores de la banda fue creciendo y las casas discográficas se hicieron eco de ello, firmaron con el sello londinense Rough Trade, en donde publicaron su primer album grande, "The Smiths" (1984), con el actor Joe Dallesandro en la portada y con el single "Hand in glove". El disco, además. contenía temas como "Pretty girls make graves", "Reel around the fountain", "What difference does it make?" (número 12) o la efervescente "This charming man" (número 25). Era un hecho que la densidad de guitarras, la originalidad melódica y la perspicacia lírica volverían a dominar el horizonte musical inglés. Tras el recopilatorio "Hatful of hollow" (1984), esencial disco (número 7) que incluía singles, piezas en directo con John Peel y rarezas, con cortes tan interesantes como "William, it was really nothing" (número 17), "These things take time", "Heaven knows I'm miserable now" (número 10) o "Please please please let me get what I want", publicaron su primer número 1 en disco grande, "Meat is Murder" (1985), un Lp que desarrollaba sus sonidos y temáticas en imprescindibles temas como "The heaster ritual", revisitación de los días colegiales de Morrisey o la hechizante "That joke isn't funny anymore" (número 49), en algunas ediciones también se incluye el single "How soon is now" (número 24), aparecido previamente en "Hatful of hollow". En 1986 sacaron al mercado "The Queen is Dead" (1986), su gran obra (número 2), con la estrella del cine francés Alain Delon en la portada y producida por Morrissey y Marr, con el single "The boy with the horn in his side" (número 23), gran canción continuada por "Bigmouth strikes again" (número 26). El sensacional tema "There is a light that never goes out", una de las cumbres de su carrera, fue elegido como single para publicitar el recopilatorio de 1992, "The Best of The Smiths, Vol. II". Las relaciones personales entre los dos líderes del grupo estaban deterioradas y los rumbos musicales divergían bastante, con Marr acogiendo con gusto nuevos sonidos mientras que Morrissey persistía en destilar desde su propia óptica su amor por músicas pretéritas. "Strangeways, here we come" (número 2) fue un meritorio testamento final de una de las bandas más influyentes de Gran Bretaña en la década de los 80, con temas tan destacados como "Girlfriend in a coma" (número 13), "Last night I dreamt that somebody loved me" (número 30) o "I started something I couldn't finish" (número 23). El directo "Rank" (1988), grabado en la gira posterior a la publicación de "The Queen is dead", puso punto y final a la banda que Morrissey había disuelto tras la noticia de la marcha de Marr El recopilatorio "Bona Drag" (1990) o nuevos trabajos en estudio, como "Kill Uncle" (1991), "Your arsenal" (1992), producido por el mismísimo Mick Ronson, "Vauxhall and I" (1994), "Southpaw Grammar" (1995) y "Maladjusted" (1997) prolongaron el legado de uno de los nombres clave de la música inglesa: los Smiths. Actualizado
Pioneros: Cream Cream fue una banda de rock británico en los años 60. Fue uno de los primeros y más célebres supergrupos que dio lugar a una de las más vitales y efectistas formaciones entre 1966 y 1968, es considerada una banda adelantada a su época y de una influencia inconmensurable. Supuso el adiós del pop por la vía del blues y la búsqueda de mayor amplitud conceptual para el rock, no se puede negar que se trata de una de las bandas CAPITALES de los 60', jugando, sin exagerar, en la misma liga de los Beatles, Dylan, los Stones, los Who, los Kinks, Hendrix y los Doors. Su música, aunque no demasiado conocida hoy en día, fue IMPORTANTISIMA en el florecimiento que el rock tuvo por aquellos días, y cumplió un papel clave en el desarrollo de aquello que conocemos como hard-rock; mucha de su música fue en su momento pura innovación, son cosas que nunca se habían hecho antes. De todos los grandes grupos de la época, fue aquel que el tiempo ha tratado con menos generosidad quizás porque apenas cumplieron tres años de trayectoria y con poco material publicado, pero fue, es y será uno de los conjuntos INELUDIBLES de la historia del rock, un clásico. El grupo estaba formado por Eric Clapton en la guitarra que había sido miembro de los Yardbirds y los Bluesbreakers de John Mayall, Jack Bruce al bajo y a la voz, había estado con Manfred Mann y Graham Bond y Ginger Baker en la percusión que también estuvo en la Graham Bond. Fue el primer (y mejor) supergrupo que haya conocido la historia del rock, estos tres músicos ya sabían lo que era estar en un grupo de rock cuando formaron Cream, fueron pioneros y revolucionarios en muchísimos aspectos, pero además dieron al mundo algunos de los más excelsos clásicos del rock, aportando valores compositivos impresionantes que sobrepasan el promedio de cualquier banda de hard-rock (incluso más que el mismo Jimi Hendrix), pasajes instrumentales aplastantes, ganchos melódicos de primerísimo nivel y míticas puestas en escena. Fueron los primeros en explorar a fondo las posibilidades del grupo de bajo-guitarra-batería y es notable lo que eran capaces de lograr con esos tres instrumentos básicos, esquema que más tarde llevarían a nuevas alturas grupos como Led Zeppelin. También hicieron aportes clave al crecimiento del hard-rock; se puede decir que el concepto del hard-rock empezó a gestarse con los Who de “My Generation” y los Kinks de “You Really Got Me”, pero fue Cream el grupo que se animó a dar el siguiente gran salto, tomando al mundo por sorpresa con los primeros riffs realmente pesados de la historia, tonos de guitarra bestiales y algunos jams realmente potentes. El aspecto más polémico aparece al hablar de shows en vivo, en sus álbumes, eran refinados, breves, experimentales y concisos y en concierto, solían perderse en interminables jams de guitarra, bajo y batería que, extrañamente les dieron una gran popularidad en esos años, aunque también en vivo eran capaces de realizar algo sublime, como lo atestigua el Crossroads en Wheels of Fire, en donde las rápidas líneas de Bruce, el interminable golpeteo de Baker y el sublime virtuosismo de Clapton definen uno de los momentos rockeros más apasionantes que se haya escuchado nunca. Su música sigue sonando tan fresca, creativa y excitante hoy como en su época de gloria. Su corto bagaje se traduce en muy pocas canciones realmente esenciales, pero con esos contados momentos, les alcanza para estar entre los grandes. Simplemente clásicos. En 1993 se reunieron con motivo de su introducción al salón de la fama del rock. La gran reunión se dio, sin embargo, en mayo de 2005 donde ofrecieron de nuevo una serie de conciertos en el Royal Albert Hall de Londres. A fines de Octubre de 2005 ofrecieron tres conciertos en el Madison Square Garden en Nueva York. Actualizado
Pioneros: Leonard Cohen (Incompleto) «Primero tomaremos Manhattan. Luego, Berlín». Sus versos resuenan más premonitorios que nunca en estos tiempos de crisis e indignación globalizadas. El tímido canadiense errante que viaja con una maleta cargada de planes de santidad, visiones redentoras y maestría musical Leonard Norman Cohen o Leonardo, como lo llamaba Enrique Morente nace en el seno de una familia judía acomodada de Montreal el 21 de septiembre de 1934, es un poeta, novelista y cantautor canadiense. Como músico ha desarrollado una carrera con una continua exploración de temas como la religión, la política, el aislamiento, las relaciones personales y la sexualidad. Ha sido definido como «uno de los cantantes y compositores más fascinantes y enigmáticos de finales de los 60. Ha conservado un público a través de cuatro décadas de música. Solo por detrás de Bob Dylan —y quizás Paul Simon— en términos de influencia, llama la atención de la crítica y de jóvenes músicos con más firmeza que cualquiera otra figura musical de la década de 1960 que aun está activo en el siglo XXI». Cohen ha sido introducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de los Estados Unidos y en el Salón de la Fama Musical de su país natal. Es miembro de la Orden de Canadá y de la Orden Nacional de Quebec. En 2011 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Letras Solo cuenta nueve cuando fallece su padre, hecho que marcará su vida confiriendo al artista ese aspecto serio e introspectivo que convertirá en marca de la casa. A los 15, más o menos al mismo tiempo que descubría la poesía de Lorca, compra una guitarra en una casa de empeños y aprende a tocarla gracias a un joven español al que conoce en un parque. «El día de la cuarta clase, cuando llamé a su pensión, la casera contestó al teléfono. Me dijo que el guitarrista había muerto. Se había suicidado recordaría Leonard, unos 60 años después, en la entrega del premio Príncipe de Asturias de las Letras. Yo no sabía nada de aquel hombre, por qué había venido a Montreal, por qué se había quitado la vida, pero aquellos seis acordes que me enseñó han constituido la base de todas mis canciones y de toda mi música». En 1967, decepcionado por su falta de éxito como escritor, Cohen se trasladó a los Estados Unidos para comenzar una carrera como cantautor folk. Su canción «Suzanne» fue un notable éxito de la mano de Judy Collins, y durante muchos años fue su canción más versionada. Tras tocar en varios festivales de folk, ganó la atención de John H. Hammond, representante de Columbia Records que años antes fichó para la compañía a Bob Dylan. El primer álbum de Cohen con Columbia fue Songs of Leonard Cohen (1967)que obtuvo un notable éxito tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido, país donde pasó casi un año en las listas de ventas, varias de sus canciones fueron versionadas por otros artistas de folk como James Taylor y Judy Collins. «The Stranger Song», «Winter Lady» y «Sisters of Mercy» fueron incluidas en la banda sonora del largometraje McCabe & Mrs. Miller. Este primer album fue seguido por Songs from a Room (1969) y Songs of Love and Hate (1970). En 1970, Cohen salió por primera vez de gira, por los Estados Unidos, Canadá y Europa, y apareció en el Festival de la Isla de Wight. Dos años después, volvió a salir de gira por Europa e Israel. Ambas giras estuvieron representadas en el álbum Live Songs. La gira de 1972 fue también filmada por Tony Palmer bajo el título de ”Bird on a Wire”, publicado según el criterio de Cohen en 1974. La edición original de Palmer fue recuperada en 2010. En 1974 comenzó una asociación musical con el pianista y arreglista John Lissauer. Ambos salieron de gira por Europa, Estados Unidos y Canadá entre finales de 1974 y comienzos de 1975, en apoyo del nuevo álbum de Cohen, “New Skin for the Old Ceremony”, producido y arreglado por el propio Lissauer. A finales de 1975, Coheny Lissauer llevarona cabo una serie de conciertos en Norteamérica con una nueva banda, en los que incluyó nuevas canciones para un álbum en progreso, coescrito por Cohen y Lissauer y titulado “Songs for Rebecca”. Sin embargo, ninguna de las grabaciones de la gira fueron publicadas oficialmente, y el álbum fue abandonado en 1976. Parte de las canciones fueron reescritas y recuperadas para “Death of a Ladies' Man”, un álbum producido por Phil Spector. Tras el lanzamiento en Europa de “The Best of Leonard Cohen”, el músico volvió a salir de gira, entre abril y julio, Cohen ofreció 55 conciertos, incluyendo su primera aparición en el Festival de Jazz de Montreux. Una vez finalizada la gira por Europa, Cohen volvió a intentar un nuevo cambio en su estilo musical con “Death of a Ladies' Man”, un álbum caracterizado por la producción musical de Spector, con una densa instrumentación en contraposición al minimalismo musical de sus primeros trabajos. La grabación estuvo llena de dificultades: Spector mezcló el álbum en secreto, a espaldas de Cohen, y el músico llegó a comentar que lo amenazó con una ballesta. El músico comentó que el resultado final le pareció «grotesco», pero al mismo tiempo «semivirtuoso», Cohen no tomó parte en la promoción del álbum, aunque llegó a interpretar en sucesivas giras «Memories» y «Iodine», dos temas del álbum. Sin embargo, ninguna canción fue incluida en los recopilatorios “More Best of Leonard Cohen” y “The Essential Leonard Cohen”. “Recent Songs”, publicado dos años después, supuso un retorno al estilo tradicional de sus primeros trabajos y fue el primero co-producido por el propio Cohen. El álbum incluyó la participación de enger, una banda de jazz fusion que el músico conoció a través de Joni Mitchell y que introdujo instrumentos como el violín, la mandolina y el laúd árabe al registro de Cohen. El álbum fue promocionado con una nueva gira mundial, con el apoyo de Jennifer Warnes y Sharon Robinson como coristas. “Field Commander Cohen: Tour of 1979”, publicado en 2000, incluyó grabaciones en directo de la gira de 1979. A comienzos de la década de 1980, Cohen coescribió el documental musical Night Magic con Lewis Furey. Lissauer produjo su siguiente trabajo,” Various Positions”, publicado en diciembre de 1984. El álbum incluyó «Dance Me to the End of Love», promocionado con el primer videoclip del músico, dirigido por el fotógrafo francés Dominique Isserman, así como «Hallelujah», su canción más versionada. Cohen apoyó el lanzamiento de” Various Positions” con su gira más extensa a través de Europa y Australia, así como con las primeras fechas en Canadá y Estados Unidos desde 1975. La gira supuso la primera colaboración de Cohen con Anjani Thomas, futura compañera sentimental y corista del grupo. El grupo tocó en el Festival de Jazz de Montreux y en el Roskilde Festival, y ofreció varios conciertos en Polonia, coincidiendo con un estado de Ley Marcial, en los que interpretó «The Partisan», himno del sindicato independiente Solidaridad. Durante los años 80, una gran parte de las canciones de Cohen fueron interpretadas en polaco por Maciej Zembaty.18 En 1986, el músico apareció en un episodio de la serie de televisión Miami Vice. Un año después, el álbum tributo de Jennifer Warnes “Famous Blue Raincoat” ayudó a restaurar la carrera musical de Cohen en los Estados Unidos y en 1988, publicó “I'm Your Man”, un álbum con un marcado uso de sintetizadores y con letras que incluyeron comentarios sociales. El álbum, autoproducido por Cohen, fue uno de sus mayores éxitos comerciales, y fue promocionado con un video grabado en blanco y negro por Dominique Isserman y rodado en la playa de Normandía. Cohen lo promocionó con varias entrevistas en televisión y una extensa gira por Europa, Canadá y Estados Unidos. Varios conciertos fueron emitidos en canales de televisión estadounidenses y en estaciones de radio. La gira consolidó la estructura básica de futuras giras, con conciertos de tres horas de duración divididos en dos actos. Aunque ninguno de los conciertos fue publicado en su totalidad, varias grabaciones de la gira fueron recopiladas en el álbum 2Cohen Live” (1994). El uso de la canción «Everybody Knows» en la banda sonora de “Pump Up the Volume” y en la película canadiense” Exotica” favoreció una mayor exposición de la música de Cohen a una nueva generación. En 1992, Cohen publicó “The Future”, que exhorta, a menudo en términos proféticos, a la perseverancia, la reforma y la esperanza ante sombrías perspectivas. Tres canciones de “The Future” —«Waiting for the Miracle», «The Future» y «Anthem»— fueron incluidas en la película “Natural Born Killers”, las letras reflejaron un mayor interés por malestares políticos y sociales, con «The Future» inspirada parcialmente en los disturbios de Los Ángeles de 1992. El músico promocionó el álbum con dos videoclips de «Closing Time» y «The Future», y volvió a salir de gira por Europa, Estados Unidos y Canadá con el respaldo de la misma banda de su anterior gira. Un año después, Cohen publicó “Stranger Music: Selected Poems and Songs”, su primer libro de poemas en varios años, y en el que había estado trabajando desde 1989. En 1994, comenzó una reclusión de cinco años en Mount Baldy Zen Center, un centro zen cerca de Los Ángeles. Dos años después, fue ordenado monje budista de la escuela Rinzai con el nombre de Jikan, que significa «silencio», y sirvió como asistente personal de Kyozan Joshu Sasaki. En 1997, supervisó la selección de canciones y el lanzamiento del recopilatorio “More Best of Leonard Cohen”, que incluyó «Never Any Good», una canción previamente inédita. Tras abandonar su reclusión monástica, Cohen volvió al estudio de grabación en mayo de 1999. Comenzó a contribuir frecuentemente con la página web The Leonard Cohen Files, enviando nuevos poemas y dibujos de Book of Longing y primeras versiones de nuevos temas como «A Thousan Kisses Deep».21 La sección de la web con las contribuciones del músico fue titulada como «The Blackening Pages». Tras dos años de producción, Cohen publicó en 2001 “Ten New Songs2, su primer disco en casi una década, con una fuerte influencia de Sharon Robinson. El álbum, grabado en los estudios personales de Cohen y Robinson, incluyó la canción «Alexandra Leaving», una adaptación del poema «The God Abandons Antony», del poeta griego Constantine P. Cavafy. El álbum obtuvo un notable éxito en Canadá y Europa, y fue apoyado por el sencillo «In My Secret Life» con un videoclip dirigido por Floria Sigismondi. En octubre de 2004, Cohen publicó “Dear Heather”, una colaboración musical con la cantante y compañera sentimental Anjani Thomas, aunque Robinson también participó en tres canciones, refleja un cambio en el estado de ánimo de Cohen, que el propio músico atribuyó en diversas entrevistas al budismo zen. Aunque no promocionó el álbum, publicó un video musical de la canción «Because Of» dirigido por su hija Lorca Cohen. Una década después de publicar”Stranger Music: Selected Poems and Songs, Cohen volvió al terreno literario con Book of Longing. Publicadoen mayo de 2006, las primeras 1500 copias vendidas a través de Internet y firmadas por el autor fueron vendidas en unas horas, convirtiéndose al poco tiempo en un best seller en Canadá. El 13 de mayo, hizo su primera aparición pública en trece años durante una firma de libros en una tienda de Toronto. Durante la firma, también cantó «So Long, Marianne» y «Hey, That's No Way to Say Goodbye». En 2006, Philip Glass compuso música para el libro Book of Longing. Tras una serie de conciertos que incluyeron textos hablados y grabados por Cohen y el acompañamiento de Glass en los teclados y de cuatro coristas, la compañía Orange Mountain Music publicó Book of Longing. A Song Cycle based on the Poetry and Artwork of Leonard Cohen, un doble disco con la grabación del trabajo. Actualizado
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Pioneros: Pink Floyd Pink Floyd fue un grupo de rock británico que cosechó gran popularidad gracias a su música psicodélica que, con el paso del tiempo, fue evolucionando hacia el rock progresivo y el rock sinfónico. Es conocido por sus canciones de contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Es una de las bandas más importantes de la escena del rock con más de 300 millones de álbumes vendidos en todo del mundo, de los cuales 74,5 millones sólo en los Estados Unidos. Inicialmente el grupo estaba formado por el guitarrista Bob Klose, el baterista Nick Mason, el teclista y vocalista Richard Wright, el bajista y vocalista Roger Waters y el guitarrista rítmico y vocalista principal Syd Barrett, quien se convirtió en el primer líder de la banda. Sin embargo, su extraño comportamiento, causado por el excesivo consumo de drogas, especialmente LSD, hizo que fuera sustituido en 1968 por David Gilmour, cristalizando así la formación clásica del grupo sin Klose, ya que éste no siguió con Pink Floyd. La banda comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años 60, con Syd Barrett como principal compositor. Después de los problemas mentales y la salida del grupo de este último, el cantante y bajista Roger Waters se convirtió gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años 70, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su salida de ella en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) y The Wall (1979). En 1985, Waters declaró la extinción de Pink Floyd, pero el resto de los , encabezados por Gilmour, siguieron dando vida al grupo hasta ser demandados por Waters debido a los derechos del nombre de la banda, ya que ellos continuaron grabando y haciendo giras bajo el nombre de Pink Floyd mientras que Waters pensaba que el nombre de la banda no debía seguir siendo utilizado. Tras los juicios, Waters obtuvo los derechos exclusivos sobre toda la imaginería que desplegaban en sus conciertos (incluido su famoso cerdo volador) y los derechos sobre el espectáculo audiovisual de The Wall (excluidos los tres temas que compuso Gilmour para la obra: "Young Lust", "Run Like Hell" y "Comfortably Numb" ). La justicia igualmente le reconoció los derechos de toda la obra incluida en The Final Cut, mientras que el resto del grupo podía seguir usando el nombre. Tras superar estos problemas legales, Gilmour, Mason y Wright disfrutaron del éxito comercial con A Momentary Lapse of Reason (1987), disco en el que Wright participó como teclista asalariado y no como miembro de la banda, y con The Division Bell (1994), último disco de estudio del grupo en el que ya aparecieron Gilmour, Mason y Wright como componentes de la banda. Waters, por su parte, se embarcó en una carrera como solista y no se volvió a reunir con Pink Floyd hasta 24 años después, el 2 de julio de 2005 en el concierto Live 8 en Londres. Actualizado
Frank Zappa - Pioneros - Radio3 - RNE El programa de Frank Zappa en Pioneros. Radio3 RNE. Pioneros, fue un programa de radio 3 y bajo el magistral mando de Xavier Moreno, nos deleitó con una serie de monograficos muy exhaustivos dedicada a grandes grupos, entre los que estaban Jimmy Hendrix, Rollins Stones, The Beatles, The Beach Boys, en fin, lo mejor de lo mejor y gracias a estos audios podemos rememorar aquel gran programa que merece la pena y os animo a que disfrutéis de las dramatizaciones a cargo de Carlos Pina. Actualizado
Pioneros: David Bowie David Bowie, nacido como David Robert Jones en Londres en 1947 es un músico y compositor de rock británico, quien ha ejercido a su vez de actor, productor discográfico y arreglista. Figura importante de la música popular durante más de cinco décadas, Bowie es considerado un innovador, en particular por sus trabajos de la década de los setenta y por su peculiar voz, además de la profundidad intelectual de su obra. Artista camaleónico, ha cambiado varias veces de estilo y ha recogido múltiples influencias, sobre todo de la psicodelia y el punk, que le hicieron adoptar en los años setenta un provocativo aspecto andrógino, anticipándose a personajes como Boy George. Ha trabajado junto a artistas de la talla de Mick Jagger, Iggy Pop, John Lennon o Brian Eno, y colaborado con jóvenes artistas, a cuya fama ha contribuido notablemente, como es el caso de Lenny Krawitz. Ziggy Stardust (1972) o Let’s dance (1983) son algunos de los discos míticos de su carrera, jalonada siempre por el éxito y la polémica. También han sido frecuentes las incursiones de Bowie en el mundo cinematográfico; su película más celebrada es Feliz Navidad, Mr. Lawrence (1983), de Naghisa Oshima. David Bowie comenzó su carrera cantando y tocando el saxofón en pequeños locales y también en institutos, con músicos aficionados como The Manish Boys, David Jones & the King Bees o Lower Third. A finales de la década de los sesenta comenzó a grabar sus primeros sencillos, que luego se integrarían en su primer álbum, David Bowie (1967). Se interesó además por el teatro, llegando a formarse como mimo y actor con Lindsay Kemp, una influencia que se dejaría notar más tarde en sus actuaciones. En 1969 grabó el álbum “Man of words/Man of music”, en el cual se incluía el single “Space oddity”, que llegaría al puesto cinco de las listas en el Reino Unido. Después de realizar actuaciones en diversos países, entabló amistad con el que se convertiría en su nuevo mánager, Toni de Fries. En 1970 y 1971 publicó los álbumes “The man who sold the world” y “Hunky Dory”, en los que ofreció una provocativa imagen andrógina, en consonancia con el “glam”, la tendencia que dominaba en aquel momento el rock británico. A partir de 1972 empezó el gran ciclo de transformaciones que caracteriza su personalidad camaleónica: en “The rise and fall of Ziggy Stardust and the spiders from Mars” encarna a una estrella bisexual del rock procedente de otro planeta. Esta tendencia a la ambigüedad continuaría en “Aladdin Sane” (1973), su siguiente trabajo. Ese mismo año Bowie posó junto a la modelo Twiggy en la portada de “Pinups”, un recopilatorio de algunas de las mejores canciones del rock de los 60, y apareció desnudo en la carpeta de su álbum “Diamond dogs” (1974). Las canciones de Bowie generaban una atmósfera futurista, obsesiva, donde daba cabida a breves guiños dirigidos al rock estadounidense y desarrollaba profundas y densas secuencias por las que desfilaban personajes orwellianos (el Gran Hermano de la novela 1984, de George Orwell), arquetipos de una modernidad decadente o personajes que parecen surgidos del género gótico. En Gran Bretaña las críticas a este último álbum fueron duras, y Bowie decidió dar un giro a su carrera, adoptando una imagen personal más sobria e introduciendo la música disco y el soul como influencias estilísticas en sus composiciones. Se lanzó a la conquista del mercado estadounidense con el álbum “Young americans” (1975), que ascendió al primer puesto de las listas de ventas. Con el respaldo de Andy Warhol, con el que trabó gran amistad, su popularidad creció rápidamente. En esta segunda mitad de la década de los setenta Bowie continuó experimentando con nuevos sonidos. El elemento electrónico estaba cada vez más presente en su música, a través del uso recurrente de sintetizadores y de la manipulación de su voz en los temas. Esto queda patente en álbumes como “Station to station” (1976) y “Low” (1977), en el que empieza su asociación con el músico y productor Brian Eno. Bowie evolucionaba hacia un personaje de aspecto frío y distante, envuelto en largos abrigos de cuero, lo que le valdría el sobrenombre de “El duque blanco”. “Heroes” (1977) ofrecería estructuras y sonidos aun más densos y complejos. En los años siguientes, y todavía con Eno, Bowie grabó “Stage” (1978), álbum en vivo resultado de su gira de aquel año, y “Lodger” (1979), que señalan su vuelta hacia un rock fresco, original y de sencilla comercialización, aunque enriquecido por todas las innovaciones de la etapa anterior. Con “Scary monsters” (1980), que seguía esta misma tendencia, terminó otra etapa de su carrera. Bowie inició en ese momento su periodo de mayor éxito comercial, pero también el de más críticas adversas por parte de los especialistas, que le achacaban un empobrecimiento musical. Colaboró con Queen en el número uno de las listas de venta «Under Pressure» para, poco después, volver a conseguir un éxito comercial con su disco de 1983 “Let's dance”, del que se extrajeron los exitosos sencillos «Let's dance», «China girl» y «Modern love» y “Tonight” en 1984 que le facilitarían la colaboración con otros artistas, como Iggy Pop, Queen, Tina Turner y Mick Jagger. Su enorme éxito se vio favorecido por sus trabajos para el cine. En 1986 compuso la banda sonora de “Dentro del laberinto”, filme dirigido por Jim Henson y producido por George Lucas, donde además interpretaba uno de los papeles protagonistas. Ya atesoraba una extensa trayectoria como actor en otros filmes anteriores, como “The man who fell to earth” (1976, de Nicolas Roeg), “Gigoló” (1979, de David Hemmings), “El ansia” (1983, de Tony Scott), “Feliz Navidad, Mr. Lawrence” (1983, de Nagisa Oshima) o “Cuando llega la noche” (1985, de John Landis). Su siguiente trabajo fue “Never let me down” (1987). Tras un periodo (1989-91) en el que trabajó con la banda Tin Machine, Bowie retomó su carrera en solitario con “Black tie white nose” (1993). Casado con la modelo Iman, comenzaba una nueva y fructífera etapa musical. Con “Outline” (1995), Bowie volvió a transformarse (esta vez adoptaría la identidad de un detective en una urbe futurista) y recobró, con sonoridades de su época con Eno, su preeminencia en la vanguardia del rock. “Earthling” (1997), “Hours” (1999), “Heathen” (2002), “Reality” y “Club Bowie” (2003). A finales de marzo de 2011 se filtró a través de internet “Toy”, un disco nunca publicado de 2001 que contiene material usado para “Heathen” y la mayoría de sus caras B, además de algunas nuevas versiones inéditas de su catálogo “The next day” salió a la venta el 12 de marzo de 2013, viene a ser su trigésimo álbum en toda su carrera musical, y con éste, termina el descanso de diez años en cuanto a producciones de estudio se refieren, se escogió como primer sencillo “Where are we now?” y "The stars (are out tonight)" como segundo. A pesar de que anunció ya no estar interesado en giras mundiales, Bowie dará algunos conciertos excepcionales en Estados Unidos en mayo de 2013 y visitará a España el 26 de junio de 2013. En la encuesta de 2002 de la cadena televisiva BBC de los 100 británicos más importantes, se colocó en el puesto número 29. Ha vendido, aproximadamente, 136 millones de discos a lo largo de su carrera. Ha recibido nueve discos de platino, once de oro y ocho de plata en el Reino Unido y cinco de platino y siete de oro en Estados Unidos. En 2004, la revista Rolling Stone le posicionó en el puesto número 39 de su lista de los cien artistas de rock más importantes de todos los tiempos y en el puesto 23 de su lista de los mejores cantantes de todos los tiempos. Actualizado