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Hola, aquí José Carlos, de los Bar-Kings. SLIM HARPO - I'VE GOT LOVE IF YOU WANT IT: https://www.youtube.com/watch?v=fXLhbwSHK30 Ni en sueños se podía imaginar el amigo James Moore, más conocido como Slim Harpo, que la cara B de su primer single, grabado años atrás en un destartalado estudio de los pantanos de Luisiana, iba a ser todo un éxito siete años después en la pista del Scene Club, un garito subterráneo de Londres donde un DJ llamado Guy Stevens parece que lo pinchaba anoche sí y noche también. THE YARDBIRDS - I GOT LOVE IF YOU WANT IT: https://www.youtube.com/watch?v=Ufia9nPmppo Entre los asiduos al Scene estaban los Yardbirds que hicieron una tremenda versión de este tema en su primer LP grabado en directo en el Marquee, aunque no es la que he escogido, sino otra adaptación un tanto más particular grabada casi al mismo tiempo. THE HIGH NUMBERS - I'M THE FACE: https://www.youtube.com/watch?v=bW9j_-zm_80 Como es natural, el disco original de Slim Harpo en una pieza imposible de encontrar en Londres por aquel entonces, pero un chico que andaba siempre merodeando por el Scene llamado Peter Meaden consiguió que Guy Stevens le prestara su copia. Este chaval, con todo el morro, le cambió la letra a su antojo. La llamó I’m the face, se atribuyó la autoría y le pasó el disco a un grupo a los que estaban intentando representar por aquellos días y que había bautizado como de The High Numbers. Los High Numbers la grabaron, recibieron su paga en anfetaminas, el disco se editó sin ninguna repercusión y poco más. Así que los chavales dejaron a Meaden, se fueron con otros managers, se cambiaron el nombre a The Who y el resto es historia. CONCLUSIONES: Como no, le tengo que dedicar este tema con todo mi cariño al Slim Harpo de Torreblanca, al face de la Caverna: el imprescindible Ción Cabana. Va por ti maestro.

Chavaleria, hoy en Explorando Versiones nos vamos a las antípodas, al territorio australiano, donde cualquier bicho pica tela o te mata en poco tiempo. EASYBEATS - FRIDAY ON MY MIND: https://www.youtube.com/watch?v=NSowZcvoqr4 La banda de la que hablaremos hoy, por desmadres, excesos, duraron menos que un telegrama, desde el año 64 al 69. Fue considerada la mejor banda australiana de los años 60. Con el tema que exploraremos hoy, consiguieron un éxito mundial. La banda estaba formada por dos ingleses, un escoces, y dos holandeses. Inmigrantes en la tierra roja de los canguros. Ellos eran: Dick Diamonte al bajo, Harry Vanda a la guitarra, George Young a la guitarra y teclas (sí, este era el hermano mayor de los hermanos de ACDC), Gordon "Snowy" Fleet a la batería, Stevie Wright a la voz. La canción nos habla del cachondeo de sus fines de semana en hostales diversos de Sidney. En la letra se quejan del bajón, del lunes, martes, miércoles, jueves... hasta llegar al viernes, volviendo al desmadre y alegría. Vanda sacó el riff del inicio de un espectáculo de los swingle singers, volviendo a casa no podía dejar de tararear esa melodía, así que la incorporó. Producida por Shel Talmy y grabada en los IBC Studios de Londres bajo el sello de United Artist Records, fue sacada como sencillo un 14 de Octubre del 66 del álbum cuarto de estudio "Good Friday" lanzado en Mayo del 67 y abriéndolo. Con ustedes the EasyBeats con el tema "Friday on my mind". TEDDY ROBIN & THE PLAYBOYS: https://www.youtube.com/watch?v=ReynoWwAH0I Teddy Robin & The Playboys - 365 days: Estilo pop, del año 1967. Comenzaremos con esta banda de Hong Kong que seguramente escucharían al levantarse por la mañana el mensaje de los EasyBeats, templados y de buen oído su álbum 365 days plagada de covers incluye una maravillosa versión, de chicos que parecen no haber partido un plato, ea a levantarse que ya es viernes... LOS WIKINGOS - EL VIERNES EN MI RECUERDO: https://www.youtube.com/watch?v=vi9WqK75QfM Los Wikingos, del EP Los Wikingos vol.2, también del año 1967. Una de esas bandas flojitas de Barcelona de los años 60. Incluyeron este tema en un EP formado por las versiones de The EasyBeats - Friday on my mind "El viernes en mi recuerdo" y "Lady Jane" de los Stones, y otros dos temas "Como yo te prometí" y " Yo soy un pez", muy “duduaas”, pero agradables a la escucha, se les ve bien en el estilo de canciones flojitas, al que le guste...hay lo lleva. LOS ANGELES: https://www.youtube.com/watch?v=i3ZbuMj6iIg Los Angeles. Esta banda de Granada, que grabó en directo en el 72 esta canción, fue incluida en Spanish Pop Story Vol.9 es muy, muy, fidedigna a la original, está muy bien conseguida, escuchalos. DAVID BOWIE: https://www.youtube.com/watch?v=Kofe-_3eUPQ Y como no, el duque blanco cuando escucho la canción original, quiso hacer una versión, que a mi entender es bastante buena, como todo lo que hacía aquí el David Bowie pero a mí, sigue sin ser mi favorita. En el álbum “Pin Ups” de 1973 incluyó “Friday on my mind” con su estilo personal. Pues también hay que escucharle. LONDON: https://www.youtube.com/watch?v=fEMipBxIfM0 Estos están sacados de un frenopático. Estos tíos están como una cabra, pero para mí es la mejor versión que he escuchado de esta canción. En un EP del grupo London titulado Summer of Love cuando salieron de permiso en 1977, hicieron esta pedazo de versión, de verdad, increíble, a mi es la que más me ha gustado, por su originalidad, su mala hostia. Increíble, es como si hubieran salido del frenopático, se hubieran sentado a tocar y se hubieran vuelto a pirar. THE GOLAN PISTONS: https://www.youtube.com/watch?v=S-9VhZn7ulw Y cómo no íbamos a tener una versión un poquito más dura, bueno lo categorizan como punk, pero para mi las guitarras no son punk, pero bueno, este grupo que se llama The Golan Pistons en su álbum “We do em our way” de 1980, no se si lo he pronunciado bien, estos hicieron una versión más pesada bastante dura, con ramalazos un poco heavy sin llegar a serlo, pero bueno estos para los que le guste el heavy trasnochao y tal les puede gustar, yo me sigo quedando con los London (risas), bueno pues nada al que le guste los Golan Pistons, pues ala ....pa ti. CONCLUSIONES Bueno chavalería, me despido de todos vosotros, el motivo por el que he elegido la versión de London es porque creo a mi entender, a mi humilde entender, han cogido la canción y han hecho lo que les ha dado la gana, eso sí es hacer una versión no es hacer un cover. Creo que los punkis de London sabían lo que hacían, claro que sí, y luego se fueron al frenopático otra vez. Y nada chavaleria, intentad pasarlo bien porque hay que hacerlo, como dicen los EasyBeats, el viernes está en mi mente. Adiós.

Hola, soy José y te doy la bienvenida a "Explorando Versiones". Hoy os traigo un clásico del pop que nunca pasa de moda. Hablamos ni más ni menos de la canción "Thriller" de Michael Jackson. MICHAEL JACKSON - THRILLER https://www.youtube.com/watch?v=rLMr9CsJHME Lanzada en 1982, la canción Thriller da título a uno de los discos más influyentes de todos los tiempos y revolucionando la música pop del momento. La canción fue escrita por Rod Temperton y producida por Quincy Jones. En sus primeros años, llegó al número 4 de la lista Billboard, pero su impacto fue mucho más allá. El álbum en sí fue un fenómeno sin precedentes vendiendo más de 70 millones de copias, lo que hizo que Jackson ganara el título de "Rey del Pop". Pero el impacto de Thriller no fue solo por la música. El videoclip, dirigido por John Landis, quien también hizo pelis de terror como Un hombre lobo americano en Londres, le añadió ese toque tenebroso, con coreografías de zombis, maquillaje impactante y la famosa narración de terror de Vincent Price. ¿Te imaginas ver algo así en los años 80? Fue una locura en su momento, y sigue siendo uno de los videos más recordados. MICHAEL JACKSON - THRILLER (This Is It): https://www.youtube.com/watch?v=ye6tPfJe2kc Años después, Michael había preparado una versión increíblemente mejorada de Thriller para la gira. Quería ir más allá y pensó en una coreografía con efectos visuales en 3D, bailarines disfrazados de zombis y una escenografía llena de sorpresas para el público. Aunque nunca llegó a presentarse en vivo, los ensayos quedaron registrados en el documental This Is It, mostrando cómo Michael perfeccionaba cada detalle, cada movimiento. Pero Thriller no se quedó solo en el legado de Michael. Esta canción ha inspirado a muchísimos artistas de todo tipo de géneros, y la variedad de versiones lo demuestra. A continuación, repasaremos algunas que se han ganado un lugar en el corazón de los fans. Algunas son versiones que respetan la original, y otras... ¡bueno, las han llevado a lugares insospechados! IMOGEN HEAP: https://www.youtube.com/watch?v=gFzHv53UVXI La versión de Thriller que hizo la cantante británica Imogen Heap es completamente distinta. Esta artista lanzó su interpretación en 2005. Imogen transforma Thriller en algo atmosférico, con un sonido que invita a escucharlo en un ambiente relajado, casi meditativo. En lugar de seguir la energía de la versión de Jackson, Heap explora una faceta más sutil, usando efectos de sonido que le dan un aire de misterio y melancolía. ¡Definitivamente una versión para quienes quieren experimentar una cara totalmente distinta de Thriller! 2CELLOS: https://www.youtube.com/watch?v=58ttNPQHOgs A continuación os dejo esta versión del dúo croata 2CELLOS, que llevó Thriller a la música instrumental en 2012. Estos dos músicos usan solo sus violonchelos para reinterpretar la canción, pero logran capturar la misma energía y misterio. En sus conciertos, incluso recrean la intensidad del videoclip, usando efectos de iluminación y movimientos casi teatrales que encajan perfecto con el toque oscuro de la canción. Al escuchar su versión, pareciera que Thriller fue hecho para los violonchelos desde el principio, porque ellos le sacan el lado dramático y casi gótico de una forma increíble. HONEYWAGON: https://www.youtube.com/watch?v=yL5_Sl9aMoI A continuación os dejo esta peculiar versión que hizo Honeywagon. Este grupo es conocido por sus versiones en estilo bluegrass de canciones pop y rock y en esta interpretación de Thriller, convierten el clásico de Michael Jackson en un tema acústico, con un estilo de instrumentos tradicionales como el banjo y el contrabajo, dándole un toque rústico y a la vez refrescante. Este contraste entre el ritmo bluegrass y el tema de misterio de Thriller genera una versión que es tan curiosa como entretenida, acercándola a un ambiente más campestre y menos terrorífico. WAYNE BRADY: https://www.youtube.com/watch?v=td-_pUPVjdo El cantante y humorista Wayne Brady también hizo una versión de Thriller pero con un estilo más íntimo. Ésta destaca por enfocarse en el lado vocal de la canción, dándole un toque de Rhythm and blues y soul. Mientras que en el videoclip de Jackson la música y los efectos son el centro de atención, Brady se enfoca en el mensaje y en la emoción de la letra, haciendo que Thriller suene casi como una confesión. Es perfecta si buscas una versión más suave y melódica, sin tanto misterio y terror. KEVIN CEBALLO & MICHAEL STUART: https://www.youtube.com/watch?v=-SMGccd0N8c Otra versión que seguramente te sorprenderá es la de los artistas latinos Kevin Ceballo y Michael Stuart, quienes hicieron una adaptación en salsa. En esta versión, Thriller se convierte en una canción de baile con ritmos latinos y toques de trompetas y percusión que invitan a moverse. ¿Te imaginas bailar salsa al ritmo de Thriller? Pues ellos lograron combinar la esencia de la canción original con el sabor de la salsa, lo que la hace ideal para disfrutar en una fiesta. AZUCARILLO KINGS: https://www.youtube.com/watch?v=xa1ZFdY4arw En el año 1998 el grupo barcelonés Azucarillo Kings incluye en su primer álbum esta adaptación humorística que llamaron "Espeluznante (Thriller)”, dándole un toque cómico y extravagante. Esta versión resalta la creatividad de la banda, famosa por sus versiones cómicas de éxitos internacionales, adaptando temas populares con un toque de humor y pachanga en español LA TERREMOTO DE ALCORCÓN: https://www.youtube.com/watch?v=yub0PPxnURI No podíamos olvidar la versión humorística que hizo La Terremoto de Alcorcón en el año 2006, quien transforma la canción de Michael Jackson en una comedia. Esta artista adapta la letra para incluir referencias a la vida cotidiana, convirtiendo Thriller en una parodia divertida que no tiene miedo de hacer reír. Es una versión que no busca ser fiel a la original, sino darle una vuelta cómica y celebrar Thriller desde un ángulo humorístico y cercano. LUIXI TOLEDO: https://www.youtube.com/watch?v=VwzAPRodrZc Y cerramos con una historia curiosa que podría ser la versión más bizarra de el tema y es que en los años 90, el músico español Luixi Toledo afirmó que Thriller estaba basada en su canción Exorcismo, compuesta en 1975. Según Toledo, Michael Jackson tomó inspiración de su obra. Aunque la demanda no prosperó y el caso no avanzó, la historia se ha quedado como una anécdota que añade otro toque de misterio a Thriller. No importa si fue una coincidencia o no, esta historia ha quedado en la memoria como una de esas leyendas urbanas que solo una canción tan emblemática como Thriller puede tener. CONCLUSIONES Para cerrar, podemos decir que Thriller es mucho más que una canción; es un fenómeno que sigue vivo gracias a la creatividad de otros artistas. Desde el pop y el rock hasta la salsa y el humor, esta canción ha sido interpretada en tantas versiones que, aunque el propósito inicial era asustarnos, ¡terminó siendo una fuente de diversión para todos! Gracias por escuchar "Explorando Versiones". Espero que hayas disfrutado este recorrido, y nos vemos en el próximo episodio. ¡Hasta la próxima!

CHUCK BERRY: https://www.youtube.com/watch?v=Uf4rxCB4lys Johnny B. Good” es una de las canciones más icónicas de la historia del rock and roll, popularizada por Charles Edward Anderson Berry, mejor conocido como Chuck Berry, quien nació el 18 de octubre de 1926 en San Luis, Misuri. De origen humilde y afroamericano, pero con un gran talento musical, Berry alcanzó el estrellato en 1958, en una época marcada por la segregación y el racismo extremo. Inspirado por la frase que solía decirle a un amigo guitarrista, quien tenía una relación cercana con los botellines, "Johnny, be good" algo así como "Johnny, pórtate bien", Berry comenzó a escribir una canción que capturaba la esencia de su época. Así nació este relato vibrante, que se volvió un clásico perpetuo e inmortal a nivel mundial. Mi madre no solo la escuchaba y la bailaba con el mismo entusiasmo que yo, sino que hoy en día mis hijos también la tienen entre sus favoritas en sus playlists. Esta canción se ha convertido en un puente musical entre épocas y generaciones, demostrando cómo la música negra es fundamental en la cultura global. THE BEATLES: https://www.youtube.com/watch?v=6BUvtdz_r2E En enero de 1964, los Beatles grabaron una versión de "Johnny B. Goode" para el programa de radio de la BBC Saturday Club. Esta interpretación fue una muestra del impacto que Chuck Berry y su música ejercieron sobre ellos y sobre toda una generación de músicos británicos y del mundo, quienes adoptaron el rock and roll como su inspiración y base musical. ELVIS PRESLEY: https://open.spotify.com/track/6dZKVw9oe0NJ1klsrfO4KI?si=RysfuSi5Q_K-Siu9gzWxKw Elvis Presley (1973): Una versión de Jhhony be good, concierto Elvis Aloha from Hawai vía Satellite. el "Rey del Rock", hace de esta canción parte de su repertorio musical. La música negra en Elvis fue determinante para el éxito de su carrera. THE ROLLING STONES: https://www.youtube.com/watch?v=facz5L35D-I The Rolling Stones (década de 1960-1970): Otra banda británica profundamente influenciada por Chuck Berry fue The Rolling Stones. Su guitarrista, Keith Richards, ha hablado abiertamente de cómo la música de Berry moldeó su estilo y sonido. A pesar de que Berry le dio un golpe a Richards en los camerinos por atreverse a tocar su guitarra, Richards mantuvo su iración y amistad hacia él. Durante sus giras, los Stones interpretaron "Johnny B. Goode" como un tributo al pionero del rock. JIMI HENDRIX: https://open.spotify.com/track/2Evi89iMO3vQMsGPMuSwhx?si=K64Vocg4QsuReFpMWZcVWw Jimi Hendrix (1970): Aunque de ascendencia afroamericana, Hendrix fue una figura transgresora en la escena musical blanca. Versionó "Johnny B. Goode" con su estilo único, mezclando psicodelia y rock, y demostrando cómo la música de Berry se adaptaba a nuevas formas de expresión artística. PETER TOSH: https://open.spotify.com/track/1chzx4gX3jVJOScCjgQGL4?si=rpmRxoRBT_Ct3FBSIUOtrA Peter Tosh (1983): El icónico músico de reggae jamaicano también versionó la canción, fusionando su mensaje rebelde con el espíritu del reggae. Esta versión destacó la universalidad de Johnny B. Goode, que trascendía géneros musicales y fronteras geográficas. JUDAS PRIEST: https://open.spotify.com/track/307B0j257d72HTyAiohF8N?si=bRvbhyV1Qguwcs1dZ8ZlLg Judas Priest (1988): La banda británica de heavy metal incluyó su propia versión en su álbum Ram It Down, demostrando cómo la influencia de Chuck Berry y su canción se extendía incluso a géneros más duros como el metal. JOHNNY WHINTER: https://open.spotify.com/track/4E1aPqbaOZB1GkbIQeuk68?si=oAPVHP7TSrSYZ1EUttLNFQ Johnny Winter: Un guitarrista blanco norteamericano de excepcional talento, interpretó "Johnny B. Goode" en el icónico festival de Woodstock de 1969, uno de los eventos más grandes y transformadores de la historia de la música rock. Su actuación formó parte de un movimiento musical revolucionario que marcó un cambio de paradigma en una sociedad que clamaba por el fin de la guerra, la libertad de pensamiento, la igualdad racial y la libertad sexual, cuestionando además los valores tradicionales sobre el trabajo, fecundo y creador . AC/DC: https://www.youtube.com/watch?v=hV11HRcbCJU AC/DC (década de 1980): En sus conciertos, la legendaria banda australiana de hard rock versionó la canción "Johnny B. Goode", demostrando que el espíritu de este clásico seguía vivo en el sonido y la energía del rock. Inspirado por su vitalidad, Angus Young, guitarrista líder de la banda, popularizó aún más el inconfundible "duck walk" o paso del pato, añadiendo su sello personal a este icónico movimiento escénico. SEX PISTOLS: https://www.youtube.com/watch?v=H9JohxoR9dg Sex Pistols: Con su inconfundible y rotundo punk, la banda hizo de este tema una de las versiones más memorables de su repertorio. En esta interpretación, su líder expresó todo su talento, aportando una energía cruda y auténtica que le dio nueva vida al clásico "Johnny B. Goode", convirtiéndolo en una de las mejores versiones jamás escuchadas. BRUCE SPRINGSTEEN: https://www.youtube.com/watch?v=6swgiM9vSEE Por último, y para cerrar con broche de oro, tenemos al Boss, Bruce Springsteen, quien rindió homenaje a la icónica "Johnny B. Goode" en un momento que quedó grabado en la historia del rock. Durante The Concert for the Rock and Roll Hall of Fame in 1995 in Cleveland, Ohio. un concierto legendario, donde Springsteen se unió a Chuck Berry en el escenario para interpretar juntos el clásico, una actuación que reunió a dos generaciones y estilos distintos, ambos profundamente influenciados por el rock and roll. CONCLUSIONES Y así cerramos el episodio de hoy, recordando cómo "Johnny B. Goode" ha sido y sigue siendo un himno, no solo para el rock and roll, sino para generaciones de músicos y fanáticos. Desde sus inicios hasta las versiones de los grandes del rock, esta canción ha cruzado décadas y estilos, consolidándose como un puente entre artistas y culturas Definitivamente Johnny B. Good es un símbolo del poder de la música para desafiar las desigualdades sociales y raciales. Berry logró, con su guitarra y su talento, cruzar las fronteras impuestas por el racismo.

Hola a todos los oyentes de "Explorando versiones". Soy Merxi, una sevillana amante de la música y que pretende vivir de ella o al menos sacar unos ahorrillos mientras disfruta haciendo lo que le gusta. GUNS N' ROSES - SWEET CHILD O' MINE: https://www.youtube.com/watch?v=1w7OgIMMRc4 Hoy vengo a hablaros sobre "Sweet child o'mine" que es uno de los 3 sencillos que aparecen en el primer álbum de los Guns and roses, llamado "Appetite for destruction" y publicado en 1987. Desde sus inicios y, hasta la actualidad, no ha parado de cosechar éxitos y puestos de importancia en grandes listas del panorama musical. Fue el primer sencillo en alcanzar el N.1 entre los 100 de "Billboard hot" y ahí permaneció durante 2 semanas consecutivas. En el 2019, se convirtió en la primera canción de la década de los 80' en llegar a mil millones de visitas en YouTube. Casi ná' También ocupa el N.37 de la lista de los 100 mejores solos de guitarra por "Guitar World" Y está entre las 40 mejores canciones que cambiaron el mundo, en la revista "Rolling Stone". En el canal VH1 es la N.7 de las 100 mejores canciones de los 80 Y bueno, así podríamos seguir enumerando éxitos hasta aburrirnos. En una reciente encuesta de la BBC, la canción fue elegida por tener el «mejor riff de guitarra de la historia» y os cuento que el riff inicial aparece en muchas canciones famosas de distintos artistas, en algunos videojuegos, en algún anuncio de tv y en varias películas. Vamos, todo un éxito desde el principio. Y eso que, al parecer, fue creada casi por casualidad, de manera improvisada durante el descanso de un ensayo. De hecho, Slash, el guitarrista de la banda, confesó en una entrevista que sentía "algo de desprecio" por la canción por el modo en que se había creado. Vamos, lo que viene siendo un poquito de tirria. Él cuenta que comenzó a tocar una melodía en modo de broma mientras hacía burlas a Steven Adler. El baterista le dijo que tocara el riff de nuevo, e Izzy Stradlin llegó para unirse con los acordes. Entonces, Axl se unió y comenzó a cantar un poema que había escrito a su entonces novia y después esposa Erin Everly. Y ¡voila'! Temazo que te crió. He de decir que la letra es tan dulce como su título y, como curiosidad, os cuento que todas las novias de los de la banda en ese momento, aparecen en el videoclip. Y bueno, ya sabéis que este podcast va de versiones así que aquí os traigo la primera: SHERYL CROW: https://www.youtube.com/watch?v=vyr-CtYGfmY *De la mano de... bueno, mejor dicho, en la voz de Sheryl Crow. Su versión aparece en la película de Adam Sandler, Un papá genial (1999). Esta versión fue incluída en el tercer álbum de estudio de Sheryl, "The Globe Sessions" Con ella obtuvo un Grammy a la mejor interpretación de rock femenina. TAKEN BY TREES: https://www.youtube.com/watch?v=6LGbhD9ZJC8 En 2010, el proyecto en solitario de Victoria Bergsman, llamado "Taken by Trees", lanzó como sencillo una versión de esta canción que alcanzó el N.23 en las listas del Reino Unido Y aparece al final de la comedia "Life as We Know It" titulada en España "Como la vida misma" Y también aparece en el tráiler del remake de "La última casa a la izquierda" THE BLACK EYED PEAS: https://www.youtube.com/watch?v=Az5rmsaPxw8 Un año más tarde, durante el show del descanso de la Super Bowl, tras la actuación de The Black Eyed Peas, Slash se unió a Fergie para versionar esta canción y bueno, el resultado no fue lo que ellos esperaban. El guitarrista hizo lo posible por salvar la actuación pero la voz de Fergie fue la gran protagonista de los comentarios negativos sobre el evento. Un desastre, vaya. CAPITÁN FANTÁSTICO (SOUNDTRACK): https://www.youtube.com/watch?v=Zdh2hot8rjU Luego, en 2016, en la película de "Capitán fantástico", protagonizada por Viggo Mortensen, aparece una versión más lenta y acústica, interpretada por los mismos actores. La película cuenta como un padre de familia, tras morir su esposa, intenta sacar adelante a sus 6 hijos de una manera poco tradicional, sin ir a la escuela, curtiéndose en la naturaleza y aprendiendo a tomar decisiones y pensar por sí mismos sin la influencia de los prejuicios y las normas preestablecidas. THOR: LOVE AND THUNDER (SOUNDTRACK): https://www.youtube.com/watch?v=tC79uu-9KxQ La banda sonora de la película "Thor: Love and thunder" incluye los 4 temas más importantes en la carrera de Guns N' Roses : "Welcome to the jungle", "Paradise city", "November rain" y justo en el final aparece Sweet child o'mine. Este hecho sirvió de inspiración al grupo Baltic House Orchestra, que son especialistas en crear versiones de temas populares de bandas sonoras y a mí me parece chulísima, la verdad. SON ALMA: https://www.instagram.com/sonalma_oficial Y bueno, tras este viaje a través de la historia de este temazo que es Sweet Child, me despido esperando que hayáis disfrutado de este podcast y os dejo como "bonus track" una versión de aficionada, un poco especial porque, en este caso, la que canta es una servidora. Recordad: Portáos mal y pasadlo bien. Aquí dejo el Instagram del dúo SonAlma https://www.instagram.com/sonalma_oficial

Hola soy Sergio Serrato y hoy quiero hablaros de una canción muy reconocible en la cultura popular pero a la vez con un trasfondo ideológico e histórico muy interesante, además porque no decirlo es una canción muy importante de mi infancia y ahora os contaré por qué, hoy en Explorando Versiones os voy a hablar de Bella Ciao…. BELLA CIAO: https://www.youtube.com/watch?v=4CI3lhyNKfo Bella Ciao es una canción popular italiana que fue adoptada como un himno por Los Partisanos italianos que formaron la resistencia antifascista contra los nazis que ocuparon Italia con el beneplácito del dictador Benito Musolini entre 1943 y 1945. Más tarde se convirtió en lo que es, un himno antifascista de libertad y resistencia a nivel mundial. Su origen se cree no obstante que es mucho más antiguo y hay historiadores que sitúan su creación en las mujeres campesinas, trabajadoras de los arrozales del norte de Italia a finales del siglo XIX y que la entonaban como protesta ante las inhumanas condiciones de trabajo que sufrían. Aunque hay historiadores que no están de acuerdo con esta teoría, sin duda la canción habla entre otras cosas de la juventud que se pierde en el trabajo casi esclavo. GIOVANNA DAFFINI: https://www.youtube.com/watch?v=sP-7kECZ6Ow Está seguramente sea la primera grabación que se hizo de esta canción a cargo de la cantante Italiana Giovanna Daffini en 1962 ADOLFO CERDAN: https://www.youtube.com/watch?v=zRNNI3DtcxA En La España franquista de 1969 en cantautor Alicantino Adolfo Cerdan adaptó a nuestra lengua esta versión en el disco que llamó “No radiable” teniendo claro desde la elección del nombre que la censura no permitiría su difusión QUILAPAYUN: https://www.youtube.com/watch?v=-wF1dbSH-r4 Pero su letra reivindicativa y su asimilación por parte de una generación de jóvenes comunistas de toda Europa hizo que la difusión de esta canción fuera inevitable y quedará marcada en la cultura popular y el ambiente cultural del viejo continente. Aunque también formó parte del acervo popular de la América revolucionaria de Fidel, Allende por ejemplo Está versión de Quilapayun es un ejemplo de la influencia de la canción en Sudamérica NAJWA NIMRI (LA CASA DE PAPEL): https://www.youtube.com/watch?v=zmUsrIq33U4 Muchas gente sobre todo de generaciones más jóvenes conocieron está canción a raíz de la versión que interpretó Najwa Nimri en la afamada serie La Casa de Papel JUAN PINILLA Y AMPARANOIA: https://www.youtube.com/watch?v=v04uDtF87RY En estas castigadas tierras sureñas que diría Silvio, los cantos de libertad y resistencia son prácticamente necesarios, la cantante granadina Amparo Sánchez más conocida como Amparanoia junto a Juan Pinilla nos dejaron está versión flamenca en 2019 que fue banda sonora del VI congreso del partido de la izquierda europea. BOIKOT: https://www.youtube.com/watch?v=FG-8Ksc1hs0 Como no puede faltar en un Explorando versiones y encima más recientemente, en 2021 la banda de punk rock madrileña Boikot incluía esta versión en su disco Balkan Acoustic. GORAN BREGOVIC: https://www.youtube.com/watch?v=KLGY_htXtPI Son innumerables las versiones y covers de este tema y ahora os voy a contar porque es importante en mi infancia. Mi abuelo paterno, que no lo era de manera biológica pero quién carajo es la biología para ejercer de abuelo…. Fue entre otras cosas Partisano en el norte de Italia y tuvo a bien acompañar mi tierna infancia con canciones que para él fueron imprescindibles en su vida, Bella Ciao en italiano era una de ellas, me la cantaba en la lengua de Dante porque así la aprendió él mientras luchaba contra los nazis… Años más tarde está canción fue una de las canciones de excursión que cantábamos en el autobús del Colegio donde estudié, un colegio de monjas donde las hermanas habían adaptado la letra haciéndola más romántica si cabe… Gracias Yuyu por enseñarme esta canción y joder que pronto te me fuiste.. Hay cientos de versiones y covers de esta canción pero para mí, aparte de la de mi abuelo, está es sin duda la que más me gusta. Se trata de la interpretada por Goran Bregovic en un concierto en París en 2013 rodeado de músicos zíngaros, Gitanos y demás parias que hacemos de esta canción un himno de inconformismo.

Hola hola!, que tal? Soy Raulillo. Bienvenidos al Explorando versiones de Creep. EPIC ORCHESTRA: https://www.youtube.com/watch?v=INIxNrls094 Si este tema te está desbloqueando buenos recuerdos, este podcast va por ti, viejoven!! Va por todos los que fuimos niños en los 80 y adolescentes en los 90. Que según un estudio ficticio, es última generación con un criterio aceptable. Por eso dejaos de pendejadas y os obligo a creedme si os digo que Creep de Radiohead, es uno de los temas más icónicos del estilo musical predominante de la década de los 90. ¿Las pruebas? Este podcast en el que os mostraré la cantidad de versiones de calidad de artistas relevantes que tiene. ¿Empezamos? RADIOHEAD: https://www.youtube.com/watch?v=XFkzRNyygfk Allá por el 93, un canal local pinchaba la señal de la MTV. Cuando molaba porque se dedicaba únicamente a la música y no parecía un maratón de “Hombres, Mujeres, Bíceps y Berzas”. Y a las 5 comenzaba el programa de Rock y metal. Y un Raulillo de 12 años lleno de acné esperaba impaciente mando de VHS en mano.De repente aparecieron estos Radiohead y me explotó la cabeza. Fue un flechazo, amor a primera vista. «Creep» es el sencillo debut de la banda de rock británica Radiohead, lanzado en un E.P. el 21 de septiembre de 1992. Apareció en su álbum de estudio debut, Pablo Honey (1993). Y seguro que en miles de cassettes recopilatorios caseros baja bragas, con la etiqueta de "Varios" o "Baladas cañeras". La canción fue compuesta en las letras por Thom Yorke, que expresa una atracción romántica obsesiva y autodestructiva. La parte musical de Jhonny Greenwood produce unas ráfagas de guitarra muy características. Este tema de Rock alternativo o post Grunge, no estaba pensado por la banda como single debut, ya que para el estribillo se tomaron elementos de la canción "The Air that i Breathe" de los británicos Gibraltareños "The Hollies". THE HOLLIES - THE AIR THAT I BREATHE: https://www.youtube.com/watch?v=HydvceA1PAI El tema que estáis oyendo, fue todo un éxito internacional en 1972. Y preocupados por los royalties, no querían debutar con una cuasi versión . Pero a los ejecutivos y productores de E.M.I. les flipaba este tema, así que acreditaron como co-autores de Creep a Albert Hammond y Mike Hazlewood de The Hollies. Así Radiohead, finalmente pudo lanzar sin preocupaciones Creep como single debut. RADIOHEAD UNPLUGGED: https://www.youtube.com/watch?v=4BX5xpB2DBM Le costó, pero con el tiempo triunfó. Y se la comparó con otros éxitos llamados "Himnos holgazanes" de los 90 como "Smells Like teen Spirit" de Nirvana o "Loser" de Beck. Fue tal bombazo que sacaron una versión acústica en un E.P. A los más fans de las pelis de Marvel, les sonará de Guardianes de la Galaxia 3. Aparece en la primera escena, en la que el mapache cabreado llamado Rocket, la canta muy apenado por la desaparición de algunos compañeros. Aunque Radiohead logró un mayor éxito comercial y crítico con álbumes posteriores, «Creep» sigue siendo el sencillo más exitoso de Radiohead. Fue nombrado uno de los mejores sencillos de debut por la revista Rolling Stone. CRISSIE HYNDE (THE PRETENDERS): https://www.youtube.com/watch?v=XIhg6eqmdn4 Las versiones acústicas de Creep son abundantes. Y la más temprana, se interpretó en un directo acústico en 1995 : " Live at London's Jackob Street".Por Crissie Hynde, la lideresa de THE Pretenders. Dicha actuación forma parte del documental sobre los Pretenders: THE Isle of view. CRISSIE Hynde, el tipo de chica que aparece en los sueños de todo Rockero que se precie. KORN: https://www.youtube.com/watch?v=viQ0CX-rywc Os dije que la MTV molaba cuando se dedicaba a la música? Pues una de las cosas que lo partían eran los conciertos acústicos que organizaba, claramente popularizados por Nirvana con su MTV UNPLUGGED on NY. 1993. En 2006 le tocó el turno a Korn. La banda que abanderaba el movimiento N.U. Metal a principios de milenio, pasó por un UNPLUGGED como ya lo hiciera la banda de Kurt Cobain. No desaprovecharon la oportunidad y ofrecieron un "desenchufado" de lo más currado. MACY GREY: https://www.youtube.com/watch?v=FSFs1571i9g Macy Gray , es una cantante y actriz estadounidense de R&B y soul . Es conocida por su distintiva voz rota y un estilo de canto fuertemente influenciado por Billie Holiday . Como actriz ha aparecido en pelis como “Training day” o “Spiderman” (la de Tobbey Mcgyre) Covered se lanzó el 26 de marzo de 2012. Es el sexto álbum de estudio de la cantante estadounidense. Y como su nombre indica, es un álbum de covers, o versiones, donde aparece Creep. Es curioso que este álbum, siendo de versiones, sea el primero en el que a Macy Gray le pusieron la advertencia de "Parental Advisory". A mí siempre me gustó la voz de esta chica. Me recuerda a la chica negra de la centralita de loca academia de policía, que no le salía la voz... Pues eso. MONICA NARANJO: https://www.youtube.com/watch?v=Gr5PQR2w7nQ Vamos de una Diva "la Diva Española". Hablo de la gran Mónica Naranjo. Que lanzó su versión de “Creep” de Radiohead en 2020 como parte de su álbum “Mes Excentricités, Vol. 2”. Segunda parte de una trilogía de álbumes llenos de versiones y rarezas varias. Compartió una grabación en directo de esta versión en su cuenta de Instagram, lo que generó gran expectación antes de su lanzamiento oficial . La canción fue bien recibida por sus fans y ha sido interpretada en varios de sus conciertos. Esta versión destaca por su potente interpretación vocal y su estilo rock, que le da un toque único y diferente al original. Siempre he pensado que La Naranjo en un grupo de Heavy metal lo habría petado. La verdad, Le pega tela. OCEANS: https://www.youtube.com/watch?v=GMQefJ8sFhc El grupo Oceans es una banda de metal alternativo originaria de Berlín, Alemania. Se formaron en 2018 y han ganado reconocimiento por su estilo único que combina elementos de metal, rock y música electrónica. Su música a menudo aborda temas oscuros y emocionales. Por lo que este tema “Creep” de Radiohead les venía al pelo para su álbum de versiones "Cover Me in Darkness” de 2019. Esta versión mantiene la esencia de la original, con letras que expresan sentimientos y deseos de pertenencia. Oceans le da su propio toque, manteniendo la intensidad emocional de la canción. Dicen que si reproduces esto en tu equipo de alta fidelidad, a tope de volumen, el barrio entero quedará libre de ratas, cucarachas, reguetoneros y otras alimañas. SCALA Y KOLACNY BROTHERS: https://www.youtube.com/watch?v=U2WfLahLes0 Un tipo de versión que se oye mucho hoy día, son las 'trailerizaciones', que seguro que estáis más que acostumbrados a oírlas. Os explico: Los trailers de pelis, series o videojuegos, juegan un papel fundamental en la estrategia de marketing. De hecho, en muchas ocasiones son un acontecimiento en sí mismos, casi a la altura del propio estreno. Pero el ansia de las productoras les obliga a sacar el trailer hasta año y medio antes. Por lo que muchas veces ni siquiera tienen la banda sonora. Por lo que se eligió está versión de Scala y Kolacny brothers, es un grupo coral de 16 mujeres Belgas. Usada para la película la red social ( dedicada a ese señor que me echa de Facebook durante un mes, de vez en cuando) Si, Mark Zuckerberg... Este tráiler fue el que inició la tendencia de emplear versiones tristes o lánguidas de canciones famosas Si veis la peli y no escucháis la canción, no es mi culpa. Las canciones 'trailerizadas', no suelen entrar en el montaje final de la película. RENFIELD: https://www.youtube.com/watch?v=1LKKnhwNFyw Y como ahora las cosas se hacen así, existen numerosas firmas y empresas de producción musical (Two Steps From Hell, Immediate Music, Confidential Music, Totem), con una amplia nómina de compositores, especializados en crear música específicamente para los tráilers. Uno de sus principales trucos es hacer versiones de canciones populares, ya sean clásicos o éxitos modernos, para enganchar al público más fácilmente. Y fue la empresa de producción musical "TÓTEM", quien se encargó de modificar la versión original de Creep, para el trailer de RENFIELD. La película en la que Nicolas Cage interpreta a un Drácula venido a menos. ¿Queréis oír cómo queda el trailer?, aquí os lo dejo: https://www.youtube.com/watch?v=1LKKnhwNFyw SOCIAL REPOSE: https://www.youtube.com/watch?v=2ehHHLbfGRc Nunca pensé que iba a incluir un creador de contenido en este podcast. Pero tengo que rendirme ante la mamarrachez y espantajeria con buen gusto de Social Repose. Es el nombre artístico de Richie Giese, un creador de contenido y músico estadounidense conocido por su estilo único y su presencia en plataformas como YouTube y TikTok. Desde que comenzó en 2011, ha ganado popularidad por sus covers de canciones, así como por su música original y estética distintiva. Su contenido a menudo explora temas emocionales y personales, lo que le ha permitido conectar profundamente con su audiencia. Que para este video le han visitado: 518 K. Que no sabía muy bien como contarlo hasta que una hijastra adolescente que tengo me dijo que la K era 1000. Hostia! Hijastra mía: Se te quiere. BALTIC HOUSE ORCHESTRA: https://www.youtube.com/watch?v=sJpINPxGXng Y como dije al principio, esta canción es todo un himno de los 90's. Por eso me gustaría despedirme con una versión Épica de la Baltic House Orchestra. La Baltic House Orchestra no es una orquesta tradicional, sino un proyecto de un productor, compositor y arreglista del Reino Unido que se esconde en el anonimato. Este artista se especializa en crear versiones épicas de canciones populares y temas de bandas sonoras, a menudo inspiradas en tráilers de películas y videojuegos. Baltic House Orchestra ha logrado capturar la intensidad emocional de la canción original, añadiendo arreglos orquestales que le dan un toque grandioso y cinematográfico. CONCLUSIONES: Esto ha sido el Explorando versiones de Creep, de Radiohead. Un tema icónico para una generación, que hablaba sobre aquellos que posiblemente pasasen desapercibidos o fuesen unos incomprendidos. Una puta obra de arte minimalista, que se presta a sonar así de emocionante. Yo ya me despido, así que como siempre digo: Pon el oído, y sube el volumen, si friki.

Hola, soy Francisco y os doy la bienvenida a Explorando Versiones. Hoy vamos a hablar de una canción que marcó mi adolescencia y que, incluso después de tantos años, sigue siendo muy especial para mí. Estoy hablando de «I Want Out», uno de los temas más representativos del power metal; un subgénero del heavy metal que fusiona la velocidad y fuerza del metal con elementos melódicos. HELLOWEEN - I WANT OUT: https://www.youtube.com/watch?v=FjV8SHjHvHk Lanzado en 1988, «I Want Out» es el cuarto sencillo de la banda alemana Helloween siendo sin lugar a dudas una de sus canciones más emblemáticas. Aunque los inicios de la formación se remontan a 1978 la banda no pasa a llamarse “Helloween" hasta 1984. La portada de este sencillo muestra la caricatura de un personaje con cabeza de calabaza, señalando al espectador de una manera que recuerda al famoso cartel de reclutamiento estadounidense del Tío Sam. Esa imagen, que rápidamente se asoció a la banda, define su identidad visual hasta el día de hoy. Cabe decir que, desde sus inicios, la banda siempre ha utilizado calabazas en diversas formas en sus portadas de álbumes, sencillos y material promocional a lo largo de su carrera. Este símbolo se ha convertido en una parte integral de su identidad visual y es inmediatamente reconocible para todos los fans. Aunque el tema fue lanzado inicialmente como sencillo en 1988, la canción también forma parte del álbum "Keeper of the Seven Keys: Part II", siendo éste el disco más vendido de la historia del grupo, alcanzando el disco de oro en Alemania gracias a temas que rápidamente se convertirían en clásicos como «Dr. Stein», «I Want Out» o «Eagle Fly Free». Cantada por Michael Kiske, la canción fue escrita por el exguitarrista y también cantante del grupo Kai Hansen, quien mencionó en una entrevista que era una señal de que realmente quería salir de la banda. GAMMA RAY: https://www.youtube.com/watch?v=64YKBlCqOXM Y dicho y hecho. Hansen deja la banda en 1988 después de publicar el álbum y funda otra banda de power metal llamada Gamma Ray. Gamma Ray ha tocado «I Want Out» en conciertos, incluyendo el tema en algunos de sus álbumes en directo y en varias recopilaciones debido a que Kai Hansen tiene los derechos de la canción, por lo que él junto a Gamma Ray pueden hacer uso de la misma. HAMMERFALL: https://www.youtube.com/watch?v=ZPGejBYJgoE Y no solo Helloween y Gamma Ray han mantenido viva esta canción, sino que varias bandas han rendido homenaje a este himno. La banda sueca de power metal HammerFall realizó una versión de esta canción en su álbum "Legacy of Kings" del año 1997. La versión tiene un sonido muy fiel al original, con la voz potente de Joacim Cans dándole su toque personal. Es una de las versiones más conocidas y apreciadas por los fanáticos del género. SONATA ARCTICA: https://www.youtube.com/watch?v=RHK_HoOM1xo Sonata Arctica es una banda finlandesa de power metal formada en 1996. A lo largo de su carrera, han experimentado diversos cambios musicales. Comenzaron fusionando el power metal melódico con elementos de metal neoclásico, y luego adoptaron un estilo con influencias de metal sinfónico. ANDREEA COMAN: https://www.youtube.com/watch?v=YogB-hOr8tY Las nuevas generaciones de músicos también han hecho suya «I Want Out». En 2023, Andreea Coman, una joven cantante rumana que realiza diversas interpretaciones de canciones populares, graba en vídeo esta versión de «I Want Out» y que se publica en su canal de YouTube. CANELA SOL: https://www.youtube.com/watch?v=0XfhuFx9I5Q Y desde Buenos Aires, Canela Sol, acompañada de Luiyi Black Side y Cas Ti, nos ofreció una versión más lírica, mostrando que este clásico sigue inspirando artistas de distintos estilos. HELLOWEEN REMASTERED 2020: https://www.youtube.com/watch?v=omxrgrbt0nA Y volviendo a Helloween, en el año 2009, y coincidiendo con su 25 aniversario, la banda lanzó el álbum Unarmed, en el que regrabaron varios de sus clásicos, incluyendo una nueva versión de «I Want Out». Esta versión ofrecía un enfoque más relajado y orquestal de la canción, mostrando una faceta distinta de la banda. En el año 2020, el grupo remasterizó varios de sus álbumes clásicos, lanzando ediciones mejoradas. Esta iniciativa también incluyó la remasterización de este icónico tema, dándole un toque más moderno pero sin perder el espíritu original de la canción. Una de las sorpresas en esta versión remasterizada es el inicio, donde un coro de niños canta el riff, añadiendo un toque inesperado y emotivo al clásico sonido de «I Want Out». CONCLUSIONES En resumen, «I Want Out» no solo es un clásico del power metal, sino un verdadero himno. Helloween sigue siendo una de las bandas más influyentes del género, y esta canción ha dejado una marca imborrable tanto en la historia del metal como en la de sus fans. Gracias por acompañarme y espero que este viaje por la historia de «I Want Out» te haya resultado tan interesante como a mí y nos escuchamos en el próximo episodio.

HOLA A TODOS, soy Jose Ortiz. Hoy he querido analizar y derribar mitos o la leyenda negra que hay detrás de la canción SYMPATHY FOR THE DEVIL, del grupo británico ROLLING STONES. THE CLACK CROWES: https://www.youtube.com/watch?v=niij8gMtlA0 Antes de empezar, quiero decir una cosa: "sympathy for the devil" no significa "simpatía por el diablo". Es una traducción literal que confunde y da un sentido no sólo diferente sino incluso contrario al de la traducción correcta, es decir: "COMPASIÓN POR EL DIABLO". En 1967 los Rolling Stones lanzaron su sexto álbum, titulado "Sus Satánicas Majestades", siendo el primer disco producido al completo por ellos. Fue criticado por similitud al Sargento Pimienta de los Beatles que se lanzaba en el mismo año. Música psicodélica y la carátula se asemejaba bastante. A partir de ese título del disco vendrían las acusaciones a Satán, si bien sólo era el título, ya que las letras de las canciones no tenían nada que ver con Lucifer, pero alimentó la controversia que rodeó a esta banda de rock como chicos malos. (Posiblemente a nivel de producción les interesaba) Año 1968, sacan el álbum BEGGARS BANQUET (banquete de los mendigos), que trataría de la crítica socio cultural, los conflictos de la época, e incluso la filosofía de la cual Mick Jagger era un asiduo lector en esa fecha. Dentro del álbum, existen referentes al conocido como "Rey del Delta Blues", Robert Johnson, que cuenta la historia que hizo un pacto con el diablo en un cruce de caminos. Pero no sabemos cómo murió, se lo llevaría el diablo?… Coinciden en el tiempo, la guerra de Vietnam desarrollada dentro de la guerra fría entre los Estados Unidos de América y la Unión de Repúblicas Socialistas Soviética. El rechazo a la violencia y el movimiento hippie estaba en su auge y tenían numerosos simpatizantes en muchos países. En medio de todo ese contexto LOS ROLLING STONES narran una historia de las características del ser humano, la envidia, avaricia, egoísmo, violencia, siempre presente. La historia de esta canción es la que sigue: Hay alguna entidad malévola que nos haga hacer a todos esos defectos, según esta canción NO. La canción se le atribuye a Mick Jagger y los arreglos a Keitch Richard. El título inicial de la canción era «The Devil Is My Name» y, en ella, el cantante adopta la voz de un personaje desconocido que oculta su nombre y que se atribuye al Diablo. FREEDOM DUB: https://www.youtube.com/watch?v=KSevTZkuPkw LA TEORIA DE LA CANCION PRIMERA.- La entonces novia de Mick Jaggers, actriz, modelo y cantante Marianne Faithfull, regaló un libro del escritor ruso Mijaíl Bulgákov denominado "El maestro y Margarita", que inspiró a éste la canción sobre la cual analizamos. En la Unión Soviética vivía el autor. Bulgákov se encontraba en Kiev (Ucrania), trabajado como escritor de obras de teatro y en varias de ellas caracterizaba a la sociedad soviética satíricamente. Comenzó a ganarse enemigos políticos, siendo censuradas muchas obras de teatro y novelas. Por tal motivo solicitó al gobierno emigrar de la Unión Soviética, recibiendo un NO como respuesta y comenzando de esta forma a escribir una de las más altas obras de la literatura rusa. El libro llamado "El maestro y Margarita", narra cómo las vidas de los ciudadanos de Moscú, se ve afectada por la llegada de un personaje, "El Ángel Caído" en persona, preparado para el terror, crear el caos y recoger almas. En fin, no era más que una sátira del régimen Stalin, presidente de las repúblicas soviéticas y en general del comunismo. SEGUNDA.- La otra teoría es que Mick Jagger, para tener una larga y exitosa carrera hizo un pacto con el diablo, sin embargo no hay ninguna prueba detrás de ésta, por lo que la olvidamos. GUNS N' ROSES: https://www.youtube.com/watch?v=dSmkkD32PtU Esta canción sólo por el nombre no se puede expresar que sea satánica, y se puede decir que en un inicio estaba destinada a llamarse "MI NOMBRE ES EL DIABLO", al final se decidió cambiarla por el título que ya conocemos y agregarle ese aliento de misterio que después de 59 años de su creación aún posee. La canción está narrada en primera persona, de tal manera que nos cuenta una historia plagada de codicia, envidia y sangre, siendo testigo de todos los males que asola el planeta, todo ello causado por LOS HUMANOS. Aunque al comienzo no se menciona su nombre, poco antes de terminar la canción pide que lo llames Lucifer. Bajo ese prisma diferente, la canción podría reinterpretarse como una crítica a la inmoralidad de la propia humanidad o a su hipocresía al levantar una figura metafórica del mal en lugar de buscarlo en su interior. Significar que algunas partes de la letra hay semejanzas a frases de una película de fantasía de 1941, titulada "El Diablo y Daniel Webster" o "Todo lo que el dinero puede comprar". Varios episodios están narrados en la misma, desde la crucifixión de Jesús, al asesinato de la familia Romanov durante la revolución rusa, la segunda guerra mundial, los asesinatos de los hermanos Kennedy (Jonh y Robert), hechos históricos donde Jaggers se los atribuye al diablo. Posiblemente la referencia más curiosa de la letra es la parte en que el personaje del Diablo dice que puso trampas a los trovadores, que fueron asesinados antes de llegar a Bombay. Se sostiene que esta parte del tema se refiere a los jóvenes que, en aquellos tiempos de 1968, solían viajar siguiendo la llamada "ruta de los hippies" hacia Oriente, buscando llegar a Katmandú, en Nepal a bordo de "Magic Bus" que inmortalizaba los WHO. Por cierto, muchos de estos jóvenes fueron asesinados o timados por vendedores de drogas en Pakistán o Afganistán. Este tema se ha convertido en una obra maestra del Rock por el personaje protagonista del tema, la producción orgánica, africana, brasileña (con ecos de vudú y santería), los gritos selváticos y tribales de Jagguer, esos coros contagiosos y el desarrollo musical encadenado e irresistible, donde el piano se deja llevar por el góspel y el blues, la convirtieron muy pronto en un éxito formidable y en un icono, pero circunstancias 'diabólicas' acabaron por casi condenarla al ostracismo y los Stones dejaron de interpretarla en directo durante dos décadas, para volver a incluirla en sus setlist a partir de 1989 y no sacarla de ahí ya nunca jamás. POPA CHUBBY: https://youtube.com/watch?v=gJWdFshK-pk Para la grabación de esta canción cogieron a un tipo africano, un tal Rocky Dzidzornu que ofreció un ritmo caribeño a la percusión. Keith Richard se encargó de su guitarra Gibson para los arreglos y punteos, también tocó el Bajo de manera magnífica, siendo la guía de la canción y dejándolo de tocar Bill Wyman, al cual le cedieron las Maracas (si podéis mirar el video veréis la cara de Bill…) Se trata de una de las pocas canciones de rock que cuenta con su propia película de making of…, dirigida por un cineasta de los más revolucionarios de la llamada nueva ola del cine francés, al lado de realizadores de leyenda como François Truffaut, Jacques Rivette y Claude Chabrol o de estrellas míticas como Jean Paul Belmondo, Briggite Bardot, y Jeanne Moreau. Me refiero a Jean-Luc Godard. En 1968, Godard viajó a Londres, con la intención de filmar una película sobre el aborto, aparentemente sin saber que la Ley del Aborto de 1967 acababa de legalizado en Gran Bretaña. Cuando se dio cuenta de que este ya no era un tema candente, decretó que haría otra película en su lugar, pero con la condición de que en ella participaran los Beatles o los Rolling Stones. Los Beatles lo rechazaron, pero los Stones dijeron que sí. Godard y su equipo acudieron a los Estudios Olympic a las afueras de Londres, donde Jagger, Richards y compañía, estaban grabando su gran disco "Beggars Banquet". Instalaron las cámaras y comenzaron a filmar. Lo que Godard capturó durante cinco días hasta el 10 de diciembre de 1968, fue a los Rolling Stones en las últimas etapas de componer y grabar el tema "Sympathy for the Devil". El resultado, junto con una buena cantidad de otras cosas que filmó en sus tiempos libres, se convirtió en la película "One Plus One". De algún modo, estamos viendo un antecedente (o un anti-antecedente) de lo que habrá de ser la película "Let It Be", de los Beatles, dirigida por Michael Lindsay-Hogg, dos años más tarde. THE ROLLING STONES: https://www.youtube.com/watch?v=Jwtyn-L-2gQ Los Stones tocaron "Sympathy for the Devil" en su espectáculo "Rock ‘n Roll Circus", de diciembre de 1968. Como dato curioso en el minuto 4:54 del video se puede ver al Beatle John Lennon bailando al ritmo de la canción. En 1969 por los Estados Unidos incluyeron el tema en el repertorio de su recital gratuito del autódromo de Altamont, donde desde temprano hubo muchas malas vibraciones entre el público. La mala onda alcanzó su punto máximo cuando un espectador que después de desenfundar un revolver, murió a puñaladas por un miembro de los ÁNGELES DEL INFIERNO que eran los encargados de la seguridad. Momentos antes, el comentario de Jagger había sido: "siempre hay algún problema cuando tocamos esta canción…" Cierto es, que el homicidio fue durante la canción "Under my Thumb", que fue en la siguiente canción, y ya Mick había pedido que se tranquilizaran, que se sentaran, que estuvieran tranquilos…, al final se lió y se lo atribuyeron a esta canción. Si ya tachaban de satánica a esta banda, imaginaros, sirvió de caza contra los Rolling, aumentando el rechazo al tema. Hay versiones por una multitud de artistas diferentes y creo que ninguna ha alcanzado a la original. Las más temprana de las versiones de este tema es al años siguiente 1969, la cantante británica Sandie Shaw grabó este tema para su disco de covers Reviewing the Situation. También Jane's Addiction y también el ex-Roxy Music Bryan Ferry graba esta versión en 1973. Pearl Jam hace una improvisación de Sympathy for the Devil en un directo en San Francisco en el 92. Incluso el polémico rockero argentino Charly García graba esta versión para su disco llamado «Estaba en Llamas Cuando Me Acosté» de 1995. Otro es Jon Bon Jovi, que interpreta este tema durante una presentación en directo en 1997. Guns n Roses, quizá sea esta la más conocida de todas las versiones, para la banda sonora de la película Entrevista con el Vampiro. Otro, que es el «Príncipe de la Oscuridad», Ozzy Osbourne, graba esta versión para su disco de 2005. También otro, Motörhead en 2015. The black crowes... Incluso la Orquesta Sinfónica de Londres tiene su propia versión. En resumen, todos podemos ser ese diablo en algún momento de nuestra vida. Así que, "SI TE ENCUENTRAS CONMIGO, TEN ALGO DE CORTESÍA, ALGO DE COMPASIÓN Y GUSTO, USA TODOS LOS MODALES QUE APRENDISTES O DEJARÉ TU ALMA EN RUINAS" Nos vemos en la próxima. Un saludo.

Muy buenas, soy el Marcha y desde “Marcha Producciones el Show” para Explorando Versiones, un podcast de Locos por Incordiar, vamos a repasar y a oír un poquito las versiones que se han hecho de un tema muy mítico. Estamos hablando del «Paint It, Black» de los Rolling Stones. ROLLING STONES - PAINT IT, BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=O4irXQhgMqg «Paint It, Black» es una de las canciones más icónicas de Rolling Stones. Fue lanzada como sencillo en 1966 y luego incluida en la edición estadounidense del álbum “Aftermath”. Escrita por Mick Jagger y Keith Richards, la canción destaca por su tono oscuro y melancólico y es conocida por su distinto riff de guitarra y el uso del sitar, un instrumento tradicional de la música india tocado por Brian Jones. La letra de «Paint It, Black» aborda temas de dolor, pérdida y desesperanza. La narración de la canción proviene de una persona que ha experimentado una pérdida significativa, posiblemente la muerte de un ser querido, y desea que todo a su alrededor se oscurezca para reflejar su estado emocional. El deseo de pintarlo todo de negro simboliza la depresión y la falta de esperanza. El uso del sitar, influenciado por la fascinación de Brian Jones con la música oriental, le da a la canción un sonido único que la distingue de otras producciones de la época. Esta mezcla de rock con elementos de música india fue innovadora y contribuyó a la popularidad de la canción. «Paint It, Black» fue un gran éxito comercial. Alcanzó el número uno en las listas de éxitos en Estados Unidos y Reino Unido. La canción ha perdurado como un clásico del rock y sigue siendo una de las más populares de la banda. A lo largo de los años «Paint It, Black» ha sido versionada por numerosos artistas y ha aparecido en diversas películas, series de televisión y anuncios publicitarios. Su tema sombrío y su estilo distintivo han asegurado su lugar en la historia de la música rock. En resumen «Paint It, Black» es una canción que captura perfectamente la habilidad de los Rolling Stones para combinar letras intensas y emocionales con innovaciones musicales y sigue siendo un pilar fundamental en su discografía. DEEP PURPLE - PAINT IT, BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=nnXScjqcXdY Deep Purple, la legendaria banda de rock británica, ha realizado varias versiones en vivo de «Paint It, Black» a lo largo de su carrera, pero es importante señalar que no grabaron una versión de estudio oficial de la canción. Sus interpretaciones en vivo son famosas por su energía y su enfoque único, característico del estilo de Deep Purple. Deep Purple suele reinterpretar «Paint It, Black» con un estilo más cercano al hard rock y al heavy metal, géneros por los cuales son ampliamente conocidos. Su versión es más agresiva y potente que la original, destacándose por el uso de guitarras eléctricas más distorsionadas y el teclado de Jon Lord que añade un toque psicodélico y pesado. En las actuaciones en vivo, Deep Purple es conocida por su capacidad para extender canciones con largas secciones de improvisación. Su versión de «Paint It, Black» a menudo incluye sólos de guitarra de Ritchie Blackmore y pasajes instrumentales que muestran la virtuosidad de la banda. Esto convierte la canción en una experiencia diferente y más expansiva en comparación con la versión de los Rolling Stones. Una de las versiones en vivo más destacadas de «Paint It, Black» por Deep Purple puede encontrarse en el álbum en vivo «Scandinavian Nights», también conocido como «Live in Stockholm» de 1970. En este concierto la banda ofrece una interpretación electrizante de la canción que se fusiona con su estilo único y la energía cruda de sus presentaciones en vivo. Aunque no es una de las versiones más conocidas de «Paint It, Black», los fans de Deep Purple suelen apreciar estas interpretaciones en vivo por la forma en que la banda logra hacer suya la canción integrandola en su repertorio de madera fluida y respetuosa pero a la vez aportándole su propia identidad sonora. En resumen la versión de «Paint It, Black» de Deep Purple es un testimonio del poder de la banda para reimaginar canciones clásicas dentro de su propio estilo mezclando el rock psicodélico o en el Hard Rock. GLENN TIPTON - PAINT IT, BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=VTN96m1-07Y La versión de «Paint It, Black» de Glenn Tipton es una interpretación única de este clásico. Incluido en su álbum en solitario «Baptizm of Fire» de 1997. Glenn Tipton reconocido guitarrista de Judas Priest le inyecta a la canción su característico estilo de heavy metal, dándole un enfoque mucho más agresivo y oscuro que el original. En esta versión la guitarra eléctrica toma un papel protagónico con un sonido distorsionado y solos vertiginosos que realzan la intensidad de la melodía. Tipton respeta la esencia melódica de la canción, pero la transforma en una pieza mucho más potente y dinámica. Su interpretación vocal también añade un matiz más sombrío y contundente a la letra. La agresión de Tipton es un claro ejemplo de cómo una canción clásica puede ser reinterpretada en un estilo completamente diferente, manteniendo su integridad mientras se le da un nuevo giro. LOS SALVAJES - TODO NEGRO: https://www.youtube.com/watch?v=OA8ngyvRXCg «Todo negro» es la versión en español de «Paint It, Black» interpretada por Los Salvajes, una banda de rock española de los años 60. Lanzada en 1966, la versión de Los Salvajes mantiene la intensidad y el tono oscuro del original pero con su propio estilo. La letra traducida al español, como la original refleja el dolor y la desesperación de alguien que ha perdido su amor, deseando que todo su alrededor sea negro para coincidir con su estado de ánimo. Musicalmente Los Salvajes logran capturar la esencia del garaje rock, con guitarras crudas y una energía visceral que caracteriza a la banda. «Todo negro» es un ejemplo destacado de cómo el rock internacional fue adaptado y reinterpretado en la España de la época, convenciéndose en un himno de la juventud rebelde en plena dictadura franquista. MEDINA AZAHARA - PÍNTALO DE NEGRO: https://www.youtube.com/watch?v=KlJctafldyI La version del «Paint It, Black» de Medina Azahara es una reinterpretación de «Todo negro» de Los Salvajes, que hemos eschado antes. Esta versión viene en su disco “Árabe” de 1995. La banda pionera del rock andaluz fusiona en esta versión su estilo característico que mezcla el rock con influencias flamencas, dando un toque distintivo a la icónica canción. Medina Azahara mantiene la esencia oscura y melancólica del tema original, pero le añade su propia personalidad, con guitarras eléctricas más potentes, toques de teclado que aportan una atmósfera más mística y un estilo vocal más dramático típico del rock andaluz. El ritmo acelerado y las guitarras distorsionadas se combinan con elementos del flamenco, lo que resulta una fusión interesante entre el rock británico y la música española. Esta versión se ha convertido en una de las más conocidas dentro del repertorio de Medina Azahara mostrando la versatilidad del grupo y su capacidad para adaptar éxitos internacionales a su propio estilo musical. ANVIL - PAINT IT, BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=AiXfRE-hvhQ Anvil, la banda canadiense de heavy metal, realizó una versión de «Paint It, Black» en su álbum “Plugged in Permanent” de 1996. Esta versión destaca por su estilo característico de heavy metal, con guitarras distorsionadas y una energía más intensa en comparación con el tema original de los Rolling Stones que tiene un aire más psicodélico y rock clásico. La interpretación de Anvil transforma la canción en algo más pesado y agresivo pero respetando la melodía y al ritmo principal del tema. CONCLUSIONES Bueno, con esta versión de Anvil me despido hasta la próxima, ¿y porque hasta la próxima? porque tengo más versión el «Paint It, Black»… Tengo muchas más versiones del «Paint It, Black» y prometo volver con una segunda parte. Lo dicho soy el Marcha desde “Marcha Producciones el Show” para Explorando Versiones de Locos por Incordiar. ¡Agur!

Kia ora (hola en maorí) amigos, y bienvenidos a una nueva edición de Explorando Versiones. Yo soy Jesus, batería de “Friki Martin” y de “Traficante” y ex batería de “Los Fraguels” (gran grupo y mejores personas). En el programa de hoy, la versión a analizar será: Tequila. THE CHAMPS: https://www.youtube.com/watch?v=q3sJVbHlcdQ El tema fue grabado originalmente por el grupo “The Champs” como cara B de su primer single, en enero del 58. El single no tuvo mucho éxito pero la cara B... ¡esa cara B explotó! El compositor del tema y componente de the champs, Danny Flores era un multi instrumentista y músico de estudio que tuvo que cambiarse el nombre a Chuck del Río ya que tenía contrato discográfico con una compañía diferente. El tema original es instrumental, con la palabra tequila cantada por el propio Chuck tres veces. Pero ya veremos que esta no es la única manera de interpretar esta canción, ni mucho menos. THE CHAMPS EN EL SHOW DE ED SULLIVAN https://www.youtube.com/watch?v=MJtzD-eQMWA Así suena la versión original tocada en directo por “The champs” en el famoso programa de televisión Ed Sullivan y os recomiendo que veáis el vídeo de la actuación cuando podáis porque tiene una coreografía impresionante. La canción tequila tiene más de a00 grabaciones registradas, y al igual que sucede con la bebida, estas versiones van desde lo muy cutre, hasta lo muy glamuroso. Van desde el chupito de tequila que te tomas en el cutre bar a las 3 de la mañana antes de vomitar por fin todo lo que te has metido desde que saliste a las 8, hasta el tequila reposado que te tomas con el pañuelo al cuello mientras ves zarpar el yate de tu amigo Jacobo desde la terraza del club náutico. O lo que es lo mismo, desde el punk más sucio o el ska más sudoroso, hasta refinadas versiones con orquesta y coros de senoritas de color. LENNINGRAD COWBOYS: https://www.youtube.com/watch?v=YFMSKw2vDtI Comencemos por esta versión de Lenningrad cowboys del año 89. Aquí se canta y se dice tequila, pero ojo a la pronunciación en finlandés (¿o es finés?). HENRY MANCINI: https://www.youtube.com/watch?v=Ywywl0TxJFQ Cambiamos el paso por completo y vamos a escuchar la versión de Henry Mancini del año 61. Aquí ni siquiera se canta nada, pero podemos imaginarnos perfectamente esta canción sonando en una fiesta privada en una casa de lujo y con Peter Sellers de invitado sorpresa. CORN HEAD: https://www.youtube.com/watch?v=b-NNYM04Xxg Y ahora pasamos de no cantar la palabra tequila, a cantar, y mucho… Y en Japonés. Aquí tenemos al amigo Corn Head, o en andalú, “cabesa de maís” y su regueton en japones del año 2000. Ahí lo tenéis: Tequila en japonés. ANSAMBL ISKRE: https://www.youtube.com/watch?v=HkOVexNeH2I La siguiente versión es mi favorita, sin duda. El grupo yugoslavo “Ansambl Iskre” del año 65. Aquí tampoco se canta la palabra tequila, pero no importa, hay risas, y hay una percusión que ya quisieran muchos grupos de rock occidentales. LOS BITCHOS: https://www.youtube.com/watch?v=nqIsrap4Xdg La siguiente versión es muy muy reciente, del año pasado, del grupo indie inglés Los Bitchos. Cantan algunos temas en español y aquí cantan… Tequila. AZUCAR MORENO: https://www.youtube.com/watch?v=WAWvqBpnm4Y Y después de haber viajado por Estados Unidos, Finlandia, Yugoslavia, Japón e Inglaterra, no me puedo despedir sin poner algo de la tierra. Como pasa con otros licores, el tequila también se puede hacer y cantar en España. Quizá no sea la mejor versión pero si al tequila le ponemos azúcar, Encarni y Toni lo dan todo. Gracias y un abrazo.

Hola soy José Miguel Carrasco, el plumilla del Diario de Sevilla que ya anduvo por aquí con una canción de las "Three Degrees". ROBERTA FLACK: https://www.youtube.com/watch?v=uSrKff0w6CU Y hoy vuelvo con otro gran clasicazo con el que seguramente os vais a llevar alguna que otra sorpresa. Os hablo de "The First Time Ever I Saw Your Face". Esa "primera vez que vi tu cara" que tantas veces le habréis escuchado a Roberta Flack. Os tengo que poner en situación con una historia de amor. Charles Parker era un extravagante excomandante de un submarino durante la Segunda Guerra Mundial convertido ahora en productor de la BBC y se puso en o con un actor radical, un compositor y cantante, Ewan McColl y con Peggy Seeger, una joven americana que tocaba el baño con Ewan en sus viajes a través de Europa. Llamó a los dos para que colaborasen en un documental radiofónico. Ewan escribió y adaptó canciones conmovedoras para ese documental y Peggy Seeger hacía los arreglos de las canciones y Charles Parker lo hilvanó todo de manera laboriosa mezclando la potente música que hacían estos dos. Así estuvieron durante seis años y claro, pasó lo que tenía que pasar. Ewan McColl, que ya estaba casado, terminó por enamorarse de Peggy Seger, aunque era veinte años mayor que ella y la dejó embarazada. Charles Parker, que era un señor de orden, no aprobaba esa relación y así se lo hacía saber a ambos, sobre todo a ella, a Peggy. Pero es que a la vez que a Peggy, Ewan McColl también dejó embarazada a su mujer, Joan Littlewood. La hija que tuvieron era Kirsty, que seguro que os suena también de haber habido muchas veces, Kirsty MacColl (la que cantó el Fairytale of New York con Shane MacGowan y The Pogues). Bueno que los problemas conyugales de Ewan McColl pues eran agobiantes pero no resultaron ser los peores. Resulta que Peggy se encontró con el problema añadido de que estaba trabajando en Inglaterra sin permiso de trabajo, y cuando la descubrieron pasó una noche en un calabozo de una comisaría y a la mañana siguiente la deportaron a París. Sin ese permiso de trabajo la BBC no podía hacerle un contrato a Peggy y como no tenía contrato pues el gobierno no le daba permiso de trabajo. En fin, la típica pescadilla que se muerde la cola, y que en realidad tenía su origen en los archivos de la CIA ya que tanto a Peggy como Ewan los tenía fichados en la lista negra de comunistas. En este caso con razón, porque en realidad ellos dos eran comunistas y lo demostraron palpablemente porque estuvieron actuando en Moscú y en Pekín desoyendo el aviso del gobierno americano y eso fue antes de empezar con este trabajo en Inglaterra. Peggy y Ewan eran un equipo. Sin Peggy, Ewan decía que tampoco participaba en los programas y aquí viene otro rocambolesco giro de la historia. No fue necesario que el gobierno inglés finalmente le hiciese a Peggy un permiso de trabajo porque Ewan quería a Peggy a su lado por encima de todas las cosas, y lo que hizo fue convencer y enviar a Alex Campbell, un cantante de folk escocés amigo suyo, a París para que se casase en un matrimonio de conveniencia con Peggy y así ella podía volver a Gran Bretaña con los papeles perfectamente en reglas. Obviamente se separaron poco después. PEGGY SEEGER: https://www.youtube.com/watch?v=VP8qXnnn4tc Por fin Ewan McColl se separó también de su esposa para casarse con Peggy Seeger, con la que tuvo una larga vida personal y profesional. Y del amor que Ewan profesaba por ella, nos queda como testigo esta, una de las canciones más maravillosas de la historia “The First Time Ever I Saw Your Face” (la primera vez que vi tu cara) que sin duda conoces como dije al principio por la interpretación que hizo de ella Roberta Flack e incluso por otra magistral interpretación que hizo después Johnny Cash, pero seguro que nunca has oído la versión original en la propia voz de la chica para la que Ewan compuso la canción Peggy Seeger. JOHNNY CASH: https://www.youtube.com/watch?v=Bi3wCeHPbQI Oye y aunque no sea relevante en nuestra historia, seguro que os habéis estado preguntando todo el rato si esta Peggy Seeger tiene algo que ver con el famosísimo cantante Pete Seeger. Pues en realidad sí. Los dos eran hijos del mismo padre, Charles Seeger, que tuvo tres hijos con su primera esposa, Constance, de los que el más pequeño era Pete Seeger y después se volvió a casar con Ruth Crawford con la que tuvo tres hijos más y Peggy Seeger fue la segunda hija de ese nuevo matrimonio, por lo tanto Peggy Seeger y Pete Seeger eran hermanastros. La versión de Roberta Flack fue bastante casual, porque la grabó llena de dudas ya que a ella le parecía una canción muy lenta y que no iba con ella. Y en realidad la hizo porque fue un encargo de Clint Eastwood para la película “Escalofrío en la noche”. Y menos mal que lo hizo, porque así conocimos todos una canción que fue un puntazo tal que seguro seguro que todos nos hemos sentido identificados con ella: La primera vez que vi tu cara pensé que el sol salía en tus ojos la primera vez que besé tu boca sentí tu corazón latir junto al mío, la primera vez que me acosté contigo supe que nuestra alegría llenaría el mundo Como dato curioso os puedo decir que el propio Ewan McColl, el autor de la canción, no ocultó nunca el hecho de que no le gustaban prácticamente ninguna de las versiones de la canción. Se refería a ellas llamando colectivamente a todas las versiones como “la cámara de los horrores” ELVIS PRESLEY: https://www.youtube.com/watch?v=oZ3tYI5csBc Y la verdad es que no le falta razón porque muchas de las versiones tenían telita incluyendo la que Elvis Presley solía hacer en directo en sus últimos años. Pero bueno yo de esa cámara de los horrores sacarías sin duda ninguna la versión de Johnny Cash. CONCLUSIONES Y esto ha sido todo por hoy, supongo que volveré por aquí en algún otro momento. Que hasta entonces lo paséis bien. Adiós.

Hola soy Sergio Serrato y hoy vengo a explorando versiones para sumergiros en una canción de la Creedence Clearwater Revival, vamos a hablar de Bad Moon Rising CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL - BAD MOON RISING: https://youtu.be/zUQiUFZ5RDw?si=s90IkoC4jl-7wPQL Corría 1969 cuando la banda liderada por Jhon Fogerthy publicaba su tercer disco dos años titulado Green River. El tema Bad Moon Rising es lanzado como sencillo de este disco y es tal el impacto causado que va directo al número 2 de la lista Billboard y al 1 de la UK singels chart . Compuesta completamente por Jhon Fogerthy es un rock and roll alegre con guiños countrys lo que hace un fuerte contraste con una letra melancólica y triste que parece anunciar un Apocalipsis cercano. En definitiva una canción que habla del fin del mundo como indicó el propio Fogerthy en una entrevista a la revista Rolling Stones. Es posiblemente una de las canciones más versionadas de la Creedence aunque hoy os traigo algunas de las que a mí parecer son más destacadas. BO DIDDLEY: https://youtu.be/ZtvNmrhkh9c?si=JU6KAqS6MWiwUArl Solo dos años después de su lanzamiento, en 1971 el gurú que guío la transición entre el blues y el rock and Roll Bob Diddley sacaba esta versión en su disco “Another Dimension”. JERRY LEE LEWIS: https://youtu.be/-WTrIP1Bj0o?si=KGKHzlceQ3zuSWGT En el 73 uno de los pioneros del Rock and Roll The Killer Jerry lee Lewis hizo esta versión bastante country y casi rozando el Blue grass LARRY MORRIS: https://youtu.be/obS-GqdbP5s?si=ECO3RjChfm-LXfhC Larry Morris fue un músico neozelandés líder de la banda Larry’s Rebels que evolucionó del Rock al Beat teniendo como espejo al quinteto de Liverpool…también nos dejaron esta versión HEART ANN WILSON: https://youtu.be/kdF_vKsj5bE?si=aABX_H8ajmjsgLq4 Voy a dar un salto en el tiempo, en 2007 la cantante de la banda Heart Ann Wilson público está versión en su disco Hope & Glory NIRVANA: https://youtu.be/LaVVQOcwJ9o?si=-35IjL_IrKWDJKEW En los incipientes inicios en directo de Nirvana tocaban canciones versionadas y Bad Moon Rissing fue una de sus favoritas, esta es una grabación de Marzo de 1988 en una actuación en Tacoma LAGWAGON: https://youtu.be/2a22lE-hwu8?si=ncG8QJrBla7MoMK1 Pero también hay versiones muy diferente como la del grupo californiano de Punk Lagwagon que sacaron está versión algo más acelerada STAGE FRITE: https://youtu.be/dL-H0qZB1hg?si=emH9Bk9Ja-bX5YAo A finales de los 80, más concretamente en 1989 nació esta divertida versión de la mano del grupo de Psichobilly canadiense Stage Frite OZOMATLI: https://youtu.be/rML9wyzy4Vs?si=GeJVhn_i_lsuB-Yl Pero otros géneros más lejanos al Rock también sintieron la necesidad de versionar este clásico y existe un disco de covers donde está por ejemplo está versión digamos Reggae Rap de Ozomatli HAYSEED DIXIE: https://youtu.be/yIZhDupX0sc?si=4RlHIg0kize60_7B Peto vaquero, pies descalzos y una gorra de Jhon Dere mientras tocan el banjo….está puede ser la imagen que acompañe a esta versión del grupo estadounidense de Blue grass Hayseed Dixie HINCHAS ARGENTINOS EN BRASIL: https://www.youtube.com/watch?v=QOFTnepHofM Hay cientos de intentos de versión pero esto no es explorando perversiones…. Eso sí por último la más friki o extraña la entona la afición de Argentina contra la brasileña en los partidos de la albiceleste donde se mofan de la afición de Brasil, nació de manera oportunista tras la derrota de la canarinha contra Alemania en el mundial donde eran anfitriones… Papá decime qué se siente… CONCLUSIONES La Creedence Clearwater Revival es una banda que marcó el rock su tiempo y a sus coetáneos pero a su vez tiene una enorme vigencia e influencia en el presente del género. Bad Moon Rissing es tan solo una gota de agua en el océano creativo de Fogerthy pero amigo …. Que goterón.

"Hotel California” casi no necesita presentación. Es la canción más conocida de la banda estadounidense, Eagles. Incluida en el álbum homónimo de 1976, fue compuesta por Don Felder (música), Don Henley y Glenn Frey (letras). EAGLES - HOTEL CALIFORNIA: https://youtu.be/BciS5krYL80 Lanzada como sencillo en 1977, se mantuvo número uno del Billboard top 100 Estadounidense durante una semana. A los tres meses, se convirtió en disco de oro al llevar vendidas 1.000.000 de copias. Y ganó el Grammy en 1978. 41 años después, en 2009, se convirtió en platino, tras la venta de 1.000.000 de copias por descargas digitales. En 2017, se estimó que las ventas de la cancion superaba los 150 millones de copias. *Es tan popular, que un estudio realizado por emisoras de radio de E.E.U.U. Concluye que cada 11 minutos, un Estadounidense oye Hotel Califonia. La revista Rolling Stone la sitúa en el 49 puesto de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. Sus solos de guitarra incluyendo los armonizados, ocupan el 8° puesto en la lista de los 100 mejores, en una encuesta realizada por la revista. *Te ponen los pelos de punta. EAGLES - HOTEL CALIFORNIA LIVE' 1977 https://youtu.be/09839DpTctU?si=MrQBvMrMdyWCMW3U Solo existe una versión tan popular como la original. Es la de los propios Egles en vivo en 1977 en "Capital centre largo Arena" Maryland U.S.A. ya que fue esa la actuación que se utilizo como videoclip para promocionar la canción. Es tan popular que es la version elegida por la productora de videojuegos "Activision"para sonar como pista jugable, en Guitar Hero World tour. ¡Y vaya si es jugable!, ¡La hostia de jugable! Yo mismo le he echado horas como para haberme sacado una carrera de ciencias puras. Hotel California fue blanco de teorías y rumores dignos de gorrito de papel de plata en la cabeza. Con el tiempo lo desmintiendo todo. Don Henley afirmó que la letra va de la experiencia de la pérdida de la inocencia en la vida. Y sobre la inspiración de Don Felder, ahora os enseño de donde le vino. JETHRO TULL - WE USED TO KNOW: https://youtu.be/oGvux7w1Ea4?si=7FCljWk7IVlJoBED Ahora vais a entender a qué me refería… Esta canción que suena se llama We used to Know, de la banda británica de Rock Folk progresivo Jethro tull. ¿No se nos hace familiar? El tema compuesto en por el lider, guitarrista, cantante y virtuoso de la flauta travesera "Ian Anderson" en 1969 (7 años antes que Hotel California) era una canción fija en sus giras compartidas con Eagles a principios de los 70's... veis por donde voy? La banda británica nunca pensó en demandar. Cuando le preguntaron por qué no existe demanda por plagio, El bueno de "Ian" responde: "No nos relacionabamos mucho en las giras, ellos hacían Rock suave y eran educados. Y creían que éramos unos ingleses chiflados que hacían música rara. ¡Pero no es razón para demandarlos! Supongo que habían disfrutado tantas veces la canción en las giras... que su subconsciente les obligó a meter nuestra secuencia de acordes en otro "tempo", para hacernos un homenaje. ¡Sólo puedo darles las gracias!... Ian Anderson, inglés chiflado. Y por cosas como esta, porque el Rock va de empaparse de influencias, hacerlas tuyas y transmitirlas a otras generaciones, por eso mismo, sabemos que el Rock, nunca jamás morirá. Larga vida al Rock n' Roll. GIPSY KINGS: https://youtu.be/3l436MSlivQ?si=xXfV1smLcgJiqWJP En 1999 el grupo hispano francés de rumba catalana Gipsy Kings, versionó la canción en su disco Volare: The Very Best of the Gipsy Kings Esta versión fue incluida en la banda sonora de la película de culto de los Hermanos Cohen: El gran Lebowski (1999). Vendió 1.000.000 de copias. Un éxito! Para una banda sonora no original. La versión de Gipsy Kings aparece en la escena donde "Jesús Quintero" un chulo de bolera, con el equipamiento más puntero para bolos, combinado con el gusto más chabacano en rios, abalorios y joyas de oro. Se hace uno con la bola en un ritual de lo más bizarro. Si os interesa ver esa escena histórica del cine de culto, os dejaré el enlace en la descripción. The Big Lebowski - JESUS - Hotel California https://youtu.be/lribEONhqSI?si=emDpP40Cx7uIR_tE SKA DADDYZ https://youtu.be/8DEzTW5VhQI?si=EUxFVph1UUN-oHqH Si una cosa tiene Hotel California, son versiones a cholón.Así que para no hacerlo eterno, traigo una versión que representa a dos estilos musicales. Ska Daddyz es una banda de ska estadounidense de Oxnard, California . Fueron fundados en 1993. Y giraron con grupos como No Doubt o Save Ferris. Lograron un éxito con su versión de Eagles , " Hotel California ". El estribillo es Ska, y las estrofas Reggae. La mezcla perfecta. Estos dos estilos son hermanos gemelos en lo musical. El Ska sería el Hiperactivo y el Reggae el de la pachorra. Además están unidos por fuertes lazos en lo social, económico, político y cultural. Aunque como diría Michael Ende: "Eso es una historia que debe ser contada en otro momento". AKELARRE https://youtu.be/KUubDFj0tto?si=xNzUApWnot_myiRO Así que vamos con una lengua oficial del estado Español. Esta es la versión de Akelarre. Está interpretada en la lengua más antigua que se conoce en Europa, el Euskara. La formación Vasca, es la banda de Verbenas más longeva que se conoce. Fundados entre 1970-71, han sido unos clásicos en fiestas, plazas de pueblo, festivales y frontones. En sus comienzos, llegaban a tocar hasta 6 días seguidos en la misma localidad. En 1982, con su segundo disco, nos mostraron su versión de Hotel California, en esta lengua milenaria. El álbum en cuestión, se titula "Gau Pasa" que en castellano, viene a ser : Trasnochar. Título muy apropiado para una banda de fiestas de pueblo.* TANGERINE DREAM https://youtu.be/X3RpDb4hgBA?si=lKaGMR2OC2P6E4n- Tangerine Dream es un grupo alemán de ROCK electrónico fundado en 1967 por Edgar Froese.Tangerine Dream, tuvo un papel fundamental en la escena del Krautrock. Que es una corriente musical surgida a finales de los años 1960 que engloba bandas de rock progresivo, rock psicodélico o rock experimental surgidos en la Alemania del lado Occidental del telón de acero. Han sido 5 veces nominados a los Grammy como mejor banda de sintetizadores. Son más conocidos por sus trabajos en bandas sonoras de películas como, "Legend, Risky Business..." Series como Tarot, o videojuegos como GTA 5. Han publicado más de 100 álbumes y en 2010, sacaron un álbum de versiones titulado "Under cover" donde incluyeron su versión de Hotel California. JORN https://youtu.be/grrUddfZFFk?si=xbx9olHRTzW_qhYE Jorn es la aventura en solitario del cantante noruego Jørn Lande (Masterplan, Vagabond, Ark, etc.), cuyo notable talento en la voz le ha permitido ser comparado con el gran Ronnie James Dio. Y sobresalir en todo, desde power metal hasta blues hard rock y pop. En 2016 sacó el álbum de versiones: "Heavy Rock Radio" donde está incluida esta versión tan potente de Hotel California. Y esto ha sido el Explorando Versiones de Hotel California. Soy Raulillo y una te digo: Pon el oído, y sube el volumen so friki.

Hoy en "Explorando Versiones" hablaremos de «Mi Agüita Amarilla», posiblemente la canción más famosa de Los Toreros Muertos. Y para aquellos incautos que aún no conocen a Los Toreros Muertos, diremos que es una banda española creada en 1984 y formada por Pablo Carbonell, Guillermo Piccolini y Many Moure. LOS TOREROS MUERTOS - MI AGÜITA AMARILLA https://www.youtube.com/watch?v=FoMbwn5iXkI Nos tenemos que remontar al año 1986, cuando el grupo publicó su primer LP titulado “Los Toreros Muertos: 30 años de éxitos”, en el que aparecía la canción «Mi Agüita Amarilla». Este grupo es conocido por su estilo humorístico y satírico, características que los definen desde sus inicios. Una muestra de ello es el título de este disco, que daba a entender que el grupo contaba con una larga trayectoria cuando en realidad era su primer disco. La letra de «Mi Agüita Amarilla», escrita por Pablo Carbonell, cuenta la historia de alguien que ha bebido demasiada cerveza y ahora tiene una necesidad urgente de ir a evacuar. Es entonces cuando la canción juega con la idea de la eterna circulación del agua en la naturaleza, siguiendo el recorrido que hace el “Agüita Amarilla” por el mundo durante el ciclo del agua. MOLOTOV https://www.youtube.com/watch?v=il_hCk5-Xhg En mayo de 2004, el grupo mexicano Molotov publica un álbum de versiones titulado “Con Todo Respeto” donde se incluyó esta versión de «Mi Agüita Amarilla» pasada por el tamiz del grupo. LA BANDA DEL CAPITÁN CANALLA https://www.youtube.com/watch?v=VNB_hJeuOgQ Alfonso Aguado, ex líder de Los Inhumanos forma “La Banda del Capitán Canalla” y en 2015, junto con Bernardo de “The Refrescos”, Alberto Comesaña de “Amistades Peligrosas”, Pepe Begines de “No me pises que llevo chanclas” y Miguel Costas antiguo cantante de “Siniestro Total” hacen esta versión polifónica cantada a coro por todos ellos. ALBERTUCHO https://www.youtube.com/watch?v=1NoYGD8PgyI Albertucho, cantante y compositor español conocido por su estilo de rock urbano y letras directas y sinceras, hace esta versión rumbera de «Mi Agüita Amarilla» para el disco publicado en 2004 para la revista El Jueves titulado “Versión Imposible II”. HERMANOS CALATRAVA https://www.youtube.com/watch?v=nrt4C1ZmVHQ Y es que esta canción también tiene un reverso tenebroso. Los Hermanos Calatrava, conocidos humoristas que iniciaron su andadura en los años 70, también hacen una versión más sui generis de esta Agüita Amarilla que va acompañada con “abono orgánico”. ALFREDO GUTIERREZ https://www.youtube.com/watch?v=ZxJaAyLlLzw Para el que no lo sepa, los Toreros Muertos siempre tuvieron mucho éxito en Latinoamérica, tanto es así que el acordeonista colombiano Alfredo Gutiérrez hizo su propia versión acompañado de su acordeón en el año 2014. NO ME PISES QUE LLEVO CHANCLAS Y PABLO CARBONEL https://www.youtube.com/watch?v=el5KuwQhkwA En el año 2017 el grupo “No me pises que llevo chanclas” celebró los “25 años de agropop”, en el que reunieron a distintos músicos y entre los que participaba Pablo Carbonell. Juntos grabaron esta versión. TOREROS CON CHANCLAS - AGÜITA AGROPO https://www.youtube.com/watch?v=l1zyK1KnGEc Y es que esta reunión aún dura hasta nuestros días con la creación de un grupo mixto entre “Los Toreros Muertos” y “No me pises que llevo chanclas” llamado “Toreros Con Chanclas”, y claro está, fusionan ambos estilos en una canción titulada “Agüita Agropop” RAREZAS / VERSIONES DE TOREROS MUERTOS MY LITTLE YELLOW WATER https://www.youtube.com/watch?v=yn8WSBiad_8 En el año 2007 se publica un disco recopilatorio. Este álbum doble contiene los mayores éxitos del grupo así como singles promocionales que no estaban incluidos en los álbumes de estudio. En este disco aparece también una curiosa versión en Inglés de su clásico «Mi Agüita Amarilla». GUILLERMO PICCOLINI https://www.youtube.com/watch?v=yFvz1BD1Oaw Y es que «Mi Agüita Amarilla» ha sufrido mutaciones a lo largo del tiempo, no solo por grupos que versionan la canción original, sino también por los propios componentes del grupo. Tras la disolución de los Toreros Muertos en 1993, Guillermo Piccolini regresa a Argentina para continuar su trabajo como músico y compositor. En el año 2023 publica el álbum titulado “Café Berlín”, grabado en vivo en la sala de conciertos del mismo nombre, en Buenos Aires, y en el que se incluye esta versión al piano de «Mi Agüita Amarilla». PABLO CARBONELL https://www.youtube.com/watch?v=R6nGBot9EAo Así mismo, y tras la disolución del grupo, Pablo Carbonell continuó desarrollando su carrera multifacética en el mundo del entretenimiento, trabajando como presentador de televisión, o participando en numerosas películas, series de televisión y obras de teatro. Además de la actuación, Pablo Carbonell también continuó con la música y en el año 2003 grabó en solitario el disco “Rock and Roll Alimaña“. En este disco interpreta su propia versión de «Mi Agüita Amarilla» VERSIÓN SINFÓNICA https://www.youtube.com/watch?v=0vke5ZNwRqs Como colofón en este viaje del ciclo del agua os dejo la versión sinfónica grabada en directo por Pablo Carbonell desde el Auditorio Nacional de Madrid, acompañado por más de 200 músicos en el escenario. CONCLUSIONES A modo de conclusión diremos que Los Toreros Muertos es una banda española que surgió en los años 80 dejando una huella imborrable en la música con esta canción. Tanto es así que esta canción ha traspasado el ámbito musical y muy recientemente se ha convertido en un cuento infantil para enseñar a las nuevas generaciones a abandonar el pañal, riéndose de una necesidad tan humana como la de ir al wáter y ver ante sus propios ojos el inicio del ciclo del agua. Espero y deseo que como a mí os haya asomado una sonrisa en éste Explorando Versiones de hoy. Nos vemos en la próxima.

Hola, me llamo José Miguel Carrasco, suelo escribir sobre música en el Diario de Sevilla y soy asiduo de los recintos y salas de concierto donde seguro que me habréis visto muchas veces. Al fin y al cabo yo hago lo mismo que los jubiletas típicos, como soy también yo, solo que ellos se pasan el día mirando albañiles y yo lo hago mirando músicos. Me estreno hoy en este podcast con una canción de las “Three Degrees” que se llama “When Will I See You Again”. THE THREE DEGREES: https://www.youtube.com/watch?v=5OpuZzsPBhQ Fayette Pinkney, Sheila Ferguson y Valerie Holiday fue la formación más conocida de las “Three Degrees”, la que duró entre los años 67 y 76. Y Fayette Pinkney, fue la única miembro fijo en este trío desde que se iniciaron allá por 1963. Con ellas, con las “Three Degrees”, los grupos femeninos a los que hasta ahora se les consideraba prácticamente solo como Barbies negras, pasaron a ser cantantes reales que hablaban a una generación de mujeres que tenían su propia tradición cultural dentro del pop. La primera canción que grabaron en el sello del sonido Filadelfia hablaba de hombres casados que se dedican a perseguir jovencitas con la única intención de echarles un polvo sin tomarselas mucho más en serio. No era “Dirty Ol' Man” (el viejo verde) una canción que a ellas las confirmaban como mujeres que podían progresar en la vida sin necesidad de rendir tributo sexuales. Quizá porque esa canción fue prohibida en muchos sitios, como la acartonada BBC por ejemplo, sus siguientes grabaciones se orientaron más hacia el mercado de las jovencitas. Y allí es donde está esta “When Will I See You Again” (¿cuando te volveré a ver?). Una canción que expresaba la vulnerabilidad femenina en un momento en que la revolución sexual de los 60 se había filtrado ya en todos los estamentos sociales y ya no era un estilo de vida alternativo. La excepción se había convertido en la regla y las “Three Degrees” empujaban a las chicas a armarse de valor y preguntarle a su pareja sexual, cuando ésta se marchaba con aire satisfecho y como si nada: - eh tú, Killo. ¿Qué pasa contigo? ¿Cuándo voy a volverte a ver? ¿Estamos enamorados, o solo somos amigos? ¿Este polvo ha sido el principio, o el final?. La historia que cuentan es tan vieja como el mundo. Aunque me temo que hoy en día sería bastante demodé ver a tres mujeres adultas sufriendo por saber si volverán a ver a su hombre. Incluso los años 70 en los que el radicalismo sexual era lo más guay, ya estaba muy pasado de moda esta necesidad de reafirmación de la seguridad emocional que era tener eso que se llamaba “novio fijo”. Pero ellas, las “Three Degrees”, le aconsejaban a sus oyentes que se dejasen de rollos y no se sintiesen violentas poniendo al tío en la alternativa de que se explicara claramente. BILLY BRAGG: https://www.youtube.com/watch?v=kFPGpzyLOTM De este tema debe haber como un millón o un trillón de versiones en muchísimas recopilaciones, incluidas todas las que hicieron posteriormente las “Three Degrees” en sucesivas formaciones y sellos discográficos, porque la canción es un buen material para versiones. Una de ellas, ciertamente inesperada, fue la que hizo Billy Bragg, un cantautor activista de la Inglaterra de Tatcher y John Major, que demostró aquí tener buen gusto y oído para adaptar esta canción, este clásico, elegido personalmente por él en un recopilatorio que la revista New Musical Expréss sacó en 1993, dedicado a canciones que hubiesen llegado al número uno, como fue el caso de esta. ERASURE: https://www.youtube.com/watch?v=pJUvBqei6WY Hay otra versión, la de Erasure, que sin embargo se ajusta mucho más a los cánones de lo que consideraríamos una apropiada revisión de la canción, sin que ello signifique que a mí me guste más, claro, porque yo siempre he preferido las perversiones. BAD MANNERS: https://www.youtube.com/watch?v=QaN5mjFrDv8 Aunque la época de las grandes factorías musicales pasó más o menos a la historia, la fórmula “productora de talento” + “grupo de chicas monas” siguió perpetuándose en el tiempo, todavía dura. Aunque el espíritu es radicalmente distinto. Os imagináis a las “Pussycat Dolls”, por ejemplo, suplicándole a su novio eso de “cuando volveré a verte”. En todo caso la pregunta se la harían gritándole a la cara, mientras lo tienen agarrado por los huevos. Pero en fin como ninguna banda de chica se ha decidido hacerlo así y todas las cantantes que la han recreado ha sido llenándola de azúcar, pues nos despedimos mejor con una versión así, con un poquito de cachondeo típico del ska. La que hicieron los Bad Manners. CONCLUSIONES: Habrá otra ocasión en que venga por aquí y no que no tenga yo que decir refiriéndome a ir a las salas de conciertos: ¿Cuándo volveré a veros?. Adiós

Hay canciones que se hicieron famosas siendo grandes Hits después de ser estrenadas y lanzadas por sus autores o intérpretes, antes de que éstas sonarán por todo el universo de las ondas radiofónicas en los años 60. Este fenómeno de sacar un aversión de algún autor desconocido y llevarlo a los más alto de la lista de éxitos es utilizada a menudo por solistas y grupos de éxito y se ha mantenido como un recurso que poder utilizar en caso de bajada de ventas o bien de popularidad de artistas más o menos consagrados en la industria discográfica hasta nuestros días. Este es el caso de la canción que hoy traemos a Explorando Versiones , se trata de "Twist and Shout", que se conocería universalmente por la versión que se incluyó en el primer LP de The Beatles "Please Please Me", allá por 1963. Please Please Me es el álbum debut de la banda británica de rock The Beatles, lanzado el 22 de marzo de 1963 en el Reino Unido. Su publicación acompaña el inicio de la Beatlemanía, después del éxito de los sencillos "Please Please Me" (n.º 1 en varias listas musicales inglesas, pero solo n.º 2 en el Record Retailer) y "Love Me Do" (n.º 17 en el Record Retailer). Además de los cuatro títulos en los sencillos, el álbum contiene diez canciones grabadas el día 11 de febrero de 1963 en los estudios EMI de Abbey Road, durante una sesión de grabación de 585 minutos (nueve horas y 45 minutos). TOP NOTES: https://www.youtube.com/watch?v=LsDpc-8iR8g "Twist and Shout", es una canción compuesta por Phil Medley y Bert Berns. Nos vamos a centrar más en este último al ser el que probablemente provocará que un buen día su versión del tema que él mismo produjo tuviera la trascendencia que posteriormente ha tenido en la historia de la música moderna y en la que nos centramos en el día de hoy. Bertrand Russell Berns (Nueva York, 8 de noviembre de 1929 – 30 de diciembre de 1967) , autor que fallece joven con solo 38 años. Más conocido como Bert Berns. Fue un compositor y productor discográfico norteamericano. Autor de canciones igualmente conocidas y consideradas indispensables en la historia de la música Soul como "Everybody needs somebody to love", "Piece of My Heart", "Here Comes the Night", "Cry Baby, "I Want Candy" o "Cry to Me", piezas clave del repertorio musical de artistas como Janis Joplin, Van Morrison, Solomon Burke o The Exciters. Bert Berns, hijo de inmigrantes judíos rusos, nació en el Bronx Nueva York en medio de la Gran Depresión de 1929. De niño contrajo una fiebre reumática que lo mantuvo en cama durante una buena temporada y que dejó afectado su corazón de por vida. Durante su comparecencia escuchaba por la ventana de su habitación los ritmos latinos y afro caribeños que inundaban el barrio. De adolescente frecuentaba los clubes y discotecas de música latina y en 1958 se marchó a La Habana, justo antes de la Revolución Cubana. Tras regresar de Cuba, comienza a trabajar como compositor para compañías discográficas en el célebre “Brill Building” de Nueva York. Su primer éxito fue "A Little Bit of Soap", interpretada por The Jarmels en 1961. Un año más tarde, los Isley Brothers grabaron "Twist and Shout", escrita por Berns y Phil Medley. Ese mismo año compone “Tell Him” para The Exciters y “Cry to Me” para Solomon Burke en Atlantic Records y “Cry Baby” para Garnet Mimms. El trabajo de Berns con Solomon Burke llama la atención de los directivos de Atlantic Records, Ahmet Ertegün y Jerry Wexler, que en 1963 lo contratan como productor. Comienza entonces a escribir y producir temas para The Drifters ("Under the Boardwalk", "Saturday Night at the Movies"), Solomon Burke ("Everybody Needs Somebody to Love"), Barbara Lewis ("Baby I'm Yours" y "Make Me Your Baby"), Ben E. King o Wilson Pickett. A partir de 1964 algunas bandas de la llamada British Invasion comienzan a grabar temas de Bern, The Beatles ("Twist and Shout'), The Rolling Stones ("Cry to Me') o The Animals ("Baby Let Me Take You Home'). Por este motivo viaja varias veces a Londres donde trabaja para Decca Records con Them, la banda de Van Morrison, para quienes produce “Here Comes the Night” y “Baby Please Don’t Go”. En 1965, Berns funda su propio sello discográfico, Bang Records. Bang fue la plataforma de lanzamiento de artistas como The McCoys ("Hang on Sloopy"), The Strangeloves ("I Want Candy"), Van Morrison ("Brown Eyed Girl") o Neil Diamond ("Solitary Man" and "Cherry Cherry"). La primera versión que se grabó de "Twist and shout" fue producida por Phil Spector e interpretada por The Top Notes en 1961. El compositor Bert Berns odiaba la versión de Phil porque decía que “mataba el espíritu” de su canción y que esa fue la principal razón por la que fue un fracaso discográfico que pasó desapercibido. "Twist and Shout" es una canción compuesta por Phil Medley y Bert Russell. Fue titulada originalmente como "Shake It Up, Baby", y grabada originalmente por The Top Notes; luego fue versionada y conocida mundialmente por The Isley Brothers y The Beatles. En 1961, un año después de que Phil Spector se convirtiera en parte del equipo de productores de Atlantic Records, se le preguntó si podía producir un sencillo para un prometedor grupo vocal llamados los Top Notes (a veces llamados también "Topnotes"): "Shake It Up, Baby". Esto sucedió antes de que Spector perfeccionará su técnica conocida como Wall of Sound, por lo que la grabación careció de la energía demostrada por el grupo en sus actuaciones en directo. Cuando el compositor Bert Berns escuchó la mezcla final, le dijo a Spector que había arruinado la canción y predijo poco éxito para el sencillo. THE ISLEY BROTHERS: https://www.youtube.com/watch?v=cTaqn8_gMR0 Cuando los Isley Brothers decidieron grabar la canción en 1962, Berns optó por producirla él mismo y demostrarle así a Spector cuál era el sonido que él quería en la grabación La canción se convirtió en la primera del trío en llegar al Top 20 en el Billboard Hot 100. La versión de los Isley Brothers, con Ronald Isley en la voz principal, fue la primera grabación de mayor éxito de la canción, alcanzando el puesto número 17 en el top 40 del Billboard Hot 100 y el número 2 en la lista de R&B estadounidense, siendo frecuentemente versionada en los comienzos de los años 60. Según Ronald, la canción iba a ser la cara B de "Make It Easy on Yourself", compuesta por el artista Burt Bacharach y que había sido un éxito para el cantante Jerry Butler. Cuando el grupo la grabó, los hermanos no pensaron que la canción podría tener repercusión, ya que no habían tenido un éxito desde hacía tres años, cuando grabaron "Twist and Shout". Para su sorpresa, ocurrió exactamente lo contrario. CHAKA DEMUS AND PLIERS: https://www.youtube.com/watch?v=qun21p9-pF8 Más adelante, la versión de Chaka Demus and Pliers alcanzó en enero de 1994 el primer puesto en las listas del Reino Unido. THE BEATLES: https://www.youtube.com/watch?v=2RicaUqd9Hg Nos referimos ahora a la versión de The Beatles de"Twist and Shout" es una versión de la canción homónima de 1961 grabada por el grupo Top Notes. La versión fue incluida en su primer álbum, Please Please Me, y fue publicada como sencillo en los Estados Unidos el 2 de marzo de 1964. La sesión de grabación para este álbum fue la primera del grupo, con la notable particularidad de haber grabado diez canciones en sólo diez horas. "Twist and Shout" fue la última canción grabada; el productor George Martin sabía que la voz de John Lennon se vería afectada con la interpretación, así que la dejó para el final, faltando sólo 15 minutos para terminar la sesión de grabación. Lennon estaba resfriado en ese momento, por lo cual bebía leche y comía caramelos para suavizar su garganta. Los efectos de la tos en su voz puede escucharse en la grabación. Se grabaron dos tomas, de las cuales la primera fue la utilizada en el álbum. George Martin dijo: "Traté de hacer una segunda grabación (...) pero John se había quedado sin voz" “Twist and Shout” (EP) es el primer EP de The Beatles. Fue publicado el 12 de julio de 1963. Solo fue lanzado en mono como cualquier EP por The Beatles. Parlophone lo catalogó GEP 8882. Este EP alcanzó el puesto n.º 4 en ventas de discos comunes, es el primer EP de la historia que en Inglaterra alcanzara el Top 10. Y alcanzó el número uno en ventas de EP. El 13 de agosto de 1963, solo un mes después de su aparición en el mercado, el vinilo se convirtió en el primer EP británico que se hacía con un disco de plata tras sumar 250.000 ejemplares vendidos. Al cabo de los meses las copias despachadas sumaban 800.000, lo que convirtió a "Twist and shout" en el disco de duración extendida más vendido de la Historia en el Reino Unido. A lo largo de 1963 solo otros tres discos, todos ellos sencillos, vendieron más que “Twist and shout”, “She loves you” (cerca de millón y medio de ejemplares), “I want to hold your hand” (1.250.000) y “Glad all over”, de The Dave Clark Five (que rondó el millón). BRIAN POOLE AND THE TREMELOES: https://www.youtube.com/watch?v=HxoSL1HkFGA El éxito del EP Twist and shout, de The Beatles, supuso una cierta decepción para un grupo londinense con el que los de Liverpool tenían una cuenta pendiente: Brian Poole and the Tremeloes. La banda del sur de Inglaterra había sido fichada por Decca a principios de 1962 tras una audición que se celebró durante el mes de enero de aquel año, el mismo mes en el que Decca testó el sonido de los futuros Fab Four. Fue preferida a The Beatles por motivos ajenos a su potencial artístico: los músicos de este conjunto residían en el suburbio londinense de Dagenham y no en Liverpool, que al fin y al cabo era vista como una ciudad alejada y mal comunicada con la capital. Pero mientras que The Beatles habían cosechado desde entonces éxito tras éxito, Brian Poole and the Tremeloes no habían conseguido ninguno. Por fin, los del grupo londinense parecieron encontrar la fórmula que habían buscado sin resultado durante meses: guiados por la inclusión de "Twist and shout" en el primer álbum de The Beatles, decidieron recrear ellos también la canción y lanzarla como single, el quinto que publicaban (Decca F.11694, 20 de junio de 1963). El 3 de agosto de 1963 su exitoso remake alcanzó el cuarto puesto en las listas británicas, y muy probablemente habría llegado aún más alto de no haber tenido que competir con el EP de The Beatles. El disco de los de Liverpool, aun siendo más caro, ganó la batalla de las ventas. THE MAMAS & THE PAPAS: https://www.youtube.com/watch?v=GPbLwLLlr3s También habría que destacar, al otro lado del charco, la versión de The Mamas & The Papas, incluido en su álbum “Deliver” qué es el tercer álbum de estudio de The Mamas & the Papas grabado en 1966 y editado en 1967. Alcanzó el segundo puesto en el Billboard Pop en 1967. The Mamas & The Papas le dan su sello inconfundible a nuestra canción de hoy, sin que haya trascendido mucho esta versión por otra parte personalísima y alejada del espíritu que le quiso dar su autor más conocido. CONCLUSIONES: IZQUIERDO Y LOS ACOPLES: https://izquierdoylosacoples.bandcamp.com/track/mi-vida-cambi The Beatles, con su gran capacidad compositora, fueron capaces de llevar canciones desconocidas, como la que hoy traemos, a los altares sonoros del universo del Pop, el Soul o el RNR. Y aun así también consiguieron mantener viva la llama del RNR en las generaciones venideras con gentes como yo, que un día cualquiera con 14 años, sienten cómo su vida cambia al oír esta canción por primera vez en su dinámica y potente versión de The Beatles. Por ellos estaré siempre agradecido a su legado y muchos años después me salió de muy dentro rendir un sentido homenaje a aquel momento con una canción que lleva por título mi vida cambió.

Son muchas las canciones que han marcado nuestra vida, la que hoy nos ocupa fue Premio Princesa Asturias de las Artes 2024, y una de las más conocidas es, sin duda, Mediterráneo. El tema compuesto en 1971 se ha convertido en un himno intergeneracional y ostenta el honor de ser la mejor canción en español de la historia para la revista Rolling Stone. Hola, soy Nicolas Carmona, locutor de radio y estoy encantado de participar en este podcast. JOAN MANUEL SERRAT: https://www.youtube.com/watch?v=Cx5ENAFTLZg El protagonista de nuestro programa de hoy es Joan Manuel Serrat Teresa, el que nació en Barcelona, en diciembre del año 1943. Es un cantautor, compositor, actor, escritor, poeta y músico y fue premiado con la Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio «por su brillante carrera y su contribución a la cultura y el arte español». Su obra tiene influencias de otros poetas, como Mario Benedetti, Antonio Machado, Miguel Hernández, Rafael Alberti, Federico García Lorca, Pablo Neruda, así como de diversos géneros, como el folklore catalán, la copla española, el tango, el bolero, el barroco y el cancionero popular de Latinoamérica, pues ha versionado canciones de Violeta Parra y de Víctor Jara. Es uno de los pioneros de lo que se dio en llamar la nueva canción catalana. Joan Manuel Serrat ha sido reconocido con numerosos doctorados honoris causa por su contribución a la música y literatura española, además del Grammy Latino Persona del Año en 2014, entre otros importantes galardones. El tema que nos trae hoy a Explorando Versiones es su composición “Mediterráneo”, te contamos todo y sus diferentes versiones en la voces de artistas tan dispares como: Estopa, Niña Pastori, Gino Paoli, Manolo Garcia, Maribel La Canija, Ismael Serrano, Antonio Orozco, Santi Balmes... GINO PAOLI: https://www.youtube.com/watch?v=g7Oo7FnK868 Disfrutando hoy de las versiones que se han hecho de Mediterráneo ya un tema inmortal. Muy probablemente, esta versión sea de las primeras que se grabó de la canción de Serrat. Lo hizo el italiano Gino Paoli en el año 1974, el que nació en las mismas aguas del mediterraneo en un país distinto, el artista Gino Paoli que tenia muchos éxitos en los años 60 fue noticia por su intento de suicidio cuando estaba en lo mejor de su carrera, con temas tan conocidos como “Sapore di sale”, disparándose una bala en el pecho con una pistola que tenia en su poder, desde entonces vivio con el plomo en su cuerpo en la zona del pericardio ya que los médicos nunca pudieron extraerla, nos quedamos con esta versión muy fiel a la original en el idioma italiano en la voz de Gino Paoli. ESTOPA: https://www.youtube.com/watch?v=pTf9NL2HbSY Una de las versiones más curiosas que nunca nos podríamos imaginar, aunque realizada si, por la cercanía en la tierra catalana, los hermanos José Manuel Muñoz Calvo (cantante, guitarrista y compositor) y David (cantante) del dúo español de música rock y pop rock con toques de rumba catalana Estopa. NIÑA PASTORI: https://www.youtube.com/watch?v=kVObrI0s3ic Lo que suena ya de fondo es la versión de Niña Pastori en su álbum del año 2006 “Joyas prestadas” es un disco que fusiona canciones y estilos fuera del flamenco. “Joyas prestadas” es una colección de canciones recreadas por la artista de San Fernando que, diez años después de la publicación de su primer álbum, echa la vista atrás y recupera su memoria musical. Canción que ha marcado momentos y recuerdos. Temas como Mediterráneo. MARIBEL LA CANIJA: https://www.youtube.com/watch?v=RyOS8KYnwCM “Mediterráneo” es la versión de estudio grabado en directo en los estudios "La Luciérnaga". Producido por Gaizka Baena y las mezclas Ruben Garcia Motos en "Matilda estudio". La cantante, la increíble voz y la energía que derrocha Maribel Martin, “La Canija” que es Vocalista del grupo D'Callaos, mezclando sonidos del rock andaluz, cada uno de sus conciertos, los convierte en un viaje entre sentimientos, sonidos y bailes. Todo esto con una gracia innata, alegre y cariñosa, haciendo sentir a la gente partícipe del repertorio que presenta. MARÍA JOSÉ LLERGO: https://www.youtube.com/watch?v=O5qxP_mKNTY Nos encontramos ahora una versión muy especial y distinta, la lentitud de trazos sonoros nos transportan al oleaje tranquilo y apaciguado de las aguas del mediterraneo que van recalando en la orilla del mar que baña la arena de este lugar, la voz de María José Llergo ganó el Premio Goya a la mejor canción original 2022, por “Mediterráneo” y uno de los “Premios de la Academia de Música de España”, en la categoría “Mejor álbum folclórico”, en su primera canción. MIGUEL CAMPELLO: https://www.youtube.com/watch?v=N9NkVymRTks “Mediterráneo” es una de esas canciones que al cantarlas las sientes cercana, quizá porque mi niñez sigue jugando en la playa o porque aún sigues escondido entre cañaverales. Miguel Campello de la saga Chatarrera con más de 9 discos de estudio llenos de creatividad, pasión, fusión y mestizaje, ofrece sonidos nuevos, experimentales, diferentes como flamenco, rock, rumba, cumbia, techno, jazz, líneas de bajo distorsionadas..., pero mantiene su reconocible sello propio. Escuchando esta versión, un canto de viento fresco, como la brisa del mar que me vio nacer, realiza esta particular versión de mediterraneo. CONCLUSIONES Mediterráneo es una de las canciones clave en la carrera de Joan Manuel Serrat. Forma parte del disco homónimo que el cantautor lanzó en 1971, en el que también se encuentran temas tan icónicos como “Aquellas pequeñas cosas” y “Lucía”. Muchos de aquellos que nacieron muy lejos del mar, pero gracias a Serrat hacen suyo el Mediterráneo. Un mar, el de Serrat, puede estar en cualquier rincón del mundo donde sean amantes de bonitos ritmos. Ha sido un verdadero placer el pasar estos minutos con vosotros. Un fuerte abrazo. Mi nombre es Nicolás Carmona. Cuidate y nos vemos en próximas ediciones de Explorando Versiones.

Hola qué tal ¿cómo estáis?. Soy Serué, cantaor del grupo de rock “Analógicos” y hoy en “Explorando Versiones” quiero presentaros las distintas versiones de una canción de Bob Dylan. Ni más ni menos que “All along the watchtower”. BOB DYLAN: https://www.youtube.com/watch?v=bT7Hj-ea0VE Muchos ya conocéis a Bob Dylan, Robert Allen Zimmerman, el gran bardo de Minnesota tal vez junto a Lennon y alguno más puede ser considerado (yo también lo considero así) como el poeta y músico más influyente del siglo XX en lengua inglesa. Dylan escribió este tema, que aparece en su álbum “John Wesley Harding” del 67, tras el piñazo que se dio con su moto Triumph. Esto le valió y el estar unos cuantos de años sin dar giras, replantearse su trayectoria artística, incluido sus virajes al judaísmo primero, y el cristianismo después. “All along the watchtower” ha sido versionada por diferentes artistas y diferentes géneros musicales por la profunda y metafórica poesía en su letra. La temática del disco vuelve a las raíces folk con un tono rural y con letras influida por una conversión al cristianismo, posterior al trauma del accidente, que como ya hemos visto pues se dio en torno a finales del 66 tras el disco glorioso “Blonde on blonde”. Como nos tiene acostumbrado Dylan, no son letras de una sola lectura y la canción de “All along the watchtower” ha sido objeto de diversas interpretaciones. En líneas generales usa las parábolas bíblicas y las metáforas para denunciar al desmedido capitalismo, pero también usa su situación de agobio personal por el accidente. Habla sobre las explotaciones de las compañías discográficas, etc… todo ello con un lenguaje musical con referencia al cristianismo como tabla de salvación. JIMI HENDRIX: https://www.youtube.com/watch?v=wVLqFQ5QT7Y Sin embargo la más conocida fue la interpretada por el gran Jimi Hendrix que para muchos mejoró la canción original pero también fue versionada por otros artistas como veremos más adelante. ¿Qué le hizo a Jimi Hendrix versionar esta canción? “Jimi Allen Hendrix” (curioso esto de Allen, al igual que Dylan) siempre pensó que era más guitarrista que otra cosa. Pero escuchó a Bob Dylan cantar y pensó que él también lo podía hacer y tener éxito. Pues nada dicho y hecho. Efectivamente con respecto a esta canción, tras seis meses de salir el original de Dylan, Hendrix grabó una de las mejores versiones de “All along the watchtower”. Incluso probablemente superando la original. ¿Por qué? Bajo mi punto de vista, el de Seattle confiere al tema una fuerza inusitada en el que despliega su habilidad guitarrística en torno a los solo tres acordes de los que costaba la canción. El efecto sonoro de las cuerdas de Hendrix sustituye en los espacios instrumentales a la armónica de Dylan, para mi gusto una armónica demasiado machacona y monotónica, la voz de Hendrix va a la par y encaja como un guante en la canción. Dylan se rindió a esta versión, que adoptó en sus actuaciones, precisamente “All along the watchtower” sea una de las canciones que más haya tocado en directo. U2: https://www.youtube.com/watch?v=O2Fu8kSlmTw Hemos de recordar que se han hecho numerosas versiones de “All along the watchtower”, además de la de Hendrix, entre la que destacan la de U2 (canción recogida en el disco del año 88 “Rattle and Hum”). “Rattle and Hum” fue un disco que venía acompañado también un documental (yo tenía una copia en cinta de casete de ese disco… que de tiempo) Esta versión, más moderna, le confiere mayor contundencia en parte por su producción y también por la espectacular fuerza vocal de Bono. LOS SUAVES: https://www.youtube.com/watch?v=etDzmJB_aKk En nuestro país también Los Suaves versionaron este tema de Dylan que además fue incluido en el disco de 1993 “Malas noticias” y aunque lo interprete con su típica energía pues conserva la base original de la canción. CONCLUSIONES Como veis, esto de las versiones da para muchos libros y no es más que la punta de un iceberg. En realidad os he hablado de episodios muy sonados de la música de rock a nivel Dios, o si quieres, populares. Pero ¿cuántos casos hay a otros niveles? Canciones añejas cubiertas por un fino barniz de originalidad, que en realidad son versiones de originales, camufladas con otro título. Son canciones fake vendidas como originales creativos… Eso da para otro podcast, amigos. Me despido, no sin antes agradecer a los que hacen posible el programa de “Explorando Versiones” y a todos vosotros desearos mucha salud y rock and roll. Hasta la vista amigos.

Hola, soy Jorge Jorge Vongrej, miembro de bandas como Fricky Martin, Tyrannen Quartett o Peter Roster y hoy en Explorando Versiones os voy a hablar de “Hallelujah” de Leonard Cohen. LEONARD COHEN - HALLELUJAH: https://www.youtube.com/watch?v=ttEMYvpoR-k Esta canción realmente se ha convertido en un clásico y es una canción muy versionada. En cuanto a Leonard Cohen, siempre se ha hablado de su importancia como poeta, cuando realmente no conozco mucha gente que haya leído poesía de Leonard Cohen. Y también como músico considero que como cantante deja mucho que desear y sus producciones musicales y arreglos la verdad es que no me termina de convencer. Sin embargo cuando un buen cantante o músico versiona una canción de Leonard Cohen con sus acordes, su melodía, creo que la lleva a otra dimensión. De hecho es lo que pasó con este tema. JOHN CALE: https://www.youtube.com/watch?v=jdS9dJEtx3g Según la Wikipedia, que es donde acudimos todos para enterarnos de lo que ha ocurrido con las cosas y la historia, esta canción, el Hallelujah, se hizo famosa en 1991 gracias a una versión que hizo el famoso John Cale... Bueno no tan famoso, músico de culto que es más conocido por haber compartido junto a Lou Reed haber sido los líderes de Velvet Underground. Entonces esta canción, que luego utilizaron para la banda sonora de Shrek, hizo un versión en el 91 “John Cale”, así con su pianito y demás y la verdad que tuvo mucho éxito ya a partir de ahí se convirtió en un clásico. RUFUS WAINWRIGHT: https://www.youtube.com/watch?v=xR0DKOGco_o La canción, que a simple escucha puede parecer un tema religioso y tiene muchas referencias bíblicas, mi interpretación es que en realidad una canción de amor y se refiere a un acto de celebración de un amor que no terminó bien, pero que para Leonard Cohen fue especialmente importante. Y continuando con las versiones, y tras la versión de John Cale, destacaros la versión que hizo Rufus Wainwright, que es canadiense como era Leonard Cohen, que le da un tono melodramático y con un punto de emoción extra con esa voz que tiene Rufus… BONO: https://www.youtube.com/watch?v=R9ozN9WBJMY Y ahora vamos con una versión que en mi opinión es un destrozo. Esta versión no es muy afortunada, pero me parece muy interesante que escuchemos esta versión elaborada por un personaje tan famoso como Bono, el cantante de U2, para un disco de versiones o tributo a Leonard Cohen metió esta canción queriendo darle un toque trip-hopero muy en los 90 y yo no termino de entenderla, pero creo que es interesante escuchar otra manera de enfocar el tema. ENRIQUE MORENTE & LAGARTIJA NICK: https://www.youtube.com/watch?v=vfIcSb5oJY0 Y ahora nos venimos a España. Sí, en España también se han hecho versiones de esta canción. Quizás la más importante o que más repercusión ha tenido es la que incluyó Enrique Morente con Lagartija Nick en el famosísimo y muy respetado por la crítica disco Omega. Es una versión muy libre con un enfoque flamenco o flamenco rock, como le queramos llamar, y bueno creo que tenía que estar aquí. SURFIN' BICHOS: https://www.youtube.com/watch?v=7eHGwrWio Y seguimos en España con una traducción bastante fidedigna de la letra y realizada por Surfin' Bichos, con esa voz tan trágica y como de yonki desesperado de Fernando Alfaro. Esta también es interesante este Hallelujah de Surfin' Bichos. JEFF BUCKLEY: https://www.youtube.com/watch?v=y8AWFf7EAc4 Y terminamos con este repaso a las versiones de “Hallelujah” de Leonard Cohen con la versión que me ha motivado a elegir este tema que es la versión de Jeff Buckley. El tono trágico y emocional se acentúa al saber que un par de años después de grabar esta versión, el cantante murió ahogado en el Mississippi, siendo bastante joven. Así que cuando escucho esta canción, solo con guitarra y voz, de verdad que me cuesta no llorar porque me da la sensación de que me está llegando desde el más allá. El acorde secreto lo descubrió Jeff: rest in peace. CONCLUSIONES. Y hasta aquí el programa de hoy de” Explorando Versiones”. Os emplazo a escuchar los próximos programas, a seguir “Locos por Incordiar” y ser auténticos frikis de la música como nosotros. Muchas gracias por vuestra atención y hasta pronto.