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Ernst Lubitsch es conocido, sobre todo, por sus comedias americanas. Por una fórmula alquímica que combina el tono picante con la elegancia verbal y visual para sugerir sin mostrar: el famoso "toque Lubitsch". Pero no olvidemos que esta expresión, que aún perdura, era un eslogan publicitario de la Paramount. Se trataba de fijar al cineasta como creador inconfundible de unas comedias sexuales que barrían en taquilla, especialmente en la era pre-Code. De ellas es un excelente ejemplo «Una mujer para dos» (Design for Living, 1933), cuyo éxito, sumado a su arrollador personaje femenino y su tratamiento desenfadado de un ménage à trois, inspiró la creación de la Liga de la Decencia, el Código Hays y la consiguiente censura que marcó el rumbo moral del cine clásico americano durante décadas. Ahora bien, ¿hay Lubitsch más allá del recurrente "toque"? En su etapa estadounidense, el director austriaco se salió poco de la senda de la comedia romántica. Pero contamos con una valiosa excepción: en 1932, acometió la producción y dirección de «Remordimiento» (Broken Lullaby) como un proyecto personal y libre, adaptando una obra de teatro de Maurice Rostand sobre un excombatiente francés que busca la redención por haber matado a un soldado alemán durante la Gran Guerra. En ella, Lubitsch despliega toda su elegancia e inventiva visual al servicio de un contundente drama posbélico. Podríamos hablar, entonces, de más de un "toque Lubitsch". Y a eso nos dedicamos en este episodio, que cuenta con la participación de José Luis Forte, Lourdes Esqueda y Miguel Muñoz Garnica.

El demonio está entre nosotros... o, como poco, sus acólitos. Al menos así es en el mundo que pintan las tres películas de las que hablamos en este podcast. La afable pareja de vejetes que vive en el piso de al lado o una reunión social de gente educada y elegante pueden ser el disfraz bajo el que se ocultan de una secta satánica. «La séptima víctima» (The Seventh Victim, Mark Robson, 1943), «La novia del diablo» (The Devil Rides Out, Terence Fisher, 1968) y «La semilla del diablo» (Rosemary's Baby, Roman Polanski, 1968) coinciden en mostrar una trama de conspiraciones para extender por el mundo la sombra del Maligno que se destapa bajo una apariencia de normalidad social. De paso, cada una de ellas constituye una lección cinematográfica, ya sea en el sugerir sin mostrar absolutamente nada («La séptima víctima»), en el fascinar aun mostrándolo todo («La novia del diablo») o en el hacernos reconstruir una turbia historia que corre paralela e invisible a la de la protagonista («La semilla del diablo»). Participan en este humilde aquelarre Miguel Muñoz Garnica, Érica Couto y José Luis Forte.

Dos parejas de hombres, en dos camiones, deben transportar una carga a lo largo de cientos de kilómetros de caminos angostos, desfiladeros vertiginosos y carreteras mal asfaltadas. Por si fuera poco, la carga que transportan es nada menos que nitroglicerina altamente inestable: un movimiento más brusco de la cuenta, y estos hombres desaparecerán en una explosión fulminante. ¿Quién iba a ser tan suicida para ponerse en esta situación? Un puñado de expatriados, desesperados por conseguir dinero y salir del rincón de Centroamérica al que han ido a parar huyendo de la justicia en sus países de origen. La versión más reverenciada de esta historia la firmó Henri-Georges Clouzot en 1953: «El salario del miedo» (Le salaire de la peur, 1953) sigue siendo un clásico del cine de aventuras, además de una visión demoledora de las dinámicas neocolonialistas que arrastra la extracción del petróleo. Menos conocido es el material original. Tres años antes, en 1950, Georges Arnaud había publicado su primera novela con el mismo título. Arnaud se basó en sus propias experiencias en los años en los que erró por Centroamérica buscándose la vida con trabajos arriesgados. Dos décadas después, conocimos una nueva versión de la mano de William Friedkin: «Carga maldita» (Sorcerer, 1977) resultó un fracaso de taquilla y de crítica en su momento, pero el paso de los años ha visto su reivindicación como una de las obras maestras que nos dejó el director de «El exorcista». En este episodio, comparamos y analizamos sendas películas y el libro de Arnaud. Al volante de este viaje al infierno se turnan Miguel Muñoz Garnica y José Luis Forte junto a un nuevo invitado a EAM Podcast: Julio Bernad, conductor en los podcasts «Silba y acudiremos» y «Dragones y replicantes».

Apenas un año separa al estreno de «Woman They Almost Lynched» (Allan Dwan, 1953) y el de «Johnny Guitar» (Nicholas Ray, 1954). A esta última, el tiempo la ha convertido en título mítico de la historia del cine, mientras que la primera ha quedado como una de esas maravillas por descubrir que abundan en el cine clásico. Las dos fueron westerns atípicos por su absoluto protagonismo femenino. Tanto sus heroínas como sus supuestas villanas son mujeres que se enfrentan en el duelo final de rigor, y que llenan la pantalla con su fuerza arrolladora. Ambas, además, surgieron como modestas producciones en el seno de la Republic. En EAM analizamos con pasión este doble duelo. Tras los micros, Miguel Muñoz Garnica, Lourdes Esqueda y José Luis Forte.

Tras varias décadas de esplendor, a mediados de los ochenta el cine de terror italiano empezaba a mostrar síntomas de agotamiento. El giallo, modelo dominante desde los setenta, fue dando paso al slasher y a la violencia desatada antes de que el género diera sus últimos estertores. Pero esta época final, y su manera de exacerbar los elementos típicos del giallo, resulta aún muy interesante. Para comprenderla mejor, hemos elegido tres películas representativas. «Phenomena» (1985) y «El síndrome de Stendhal» (1996) dan cuenta de la evolución creativa de Dario Argento, el maestro del género. Y «Deliria» (1987), ya más cercana al puro slasher, es la ópera prima del último gran talento que dio el fantaterror italiano: Michele Soavi, discípulo además de Argento. Armados con sus cuchillos y pertrechados tras sus micros, participan en esta sesión sangrienta publicada el mismo día de Halloween Miguel Muñoz Garnica, José Luis Forte y Érica Couto.

Allá por 1886, el escritor Robert Louis Stevenson tuvo una pesadilla. Un hombre que se transformaba en una especie de doble maligno. Impresionado por la imagen, un Stevenson gravemente enfermo se encerró a escribir sin descanso. Tres días después, había terminado la primera versión de «El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde». Tras las críticas de su esposa, arrojó al fuego el manuscrito y volvió a escribir la historia. Tardó solo tres días más. Y en poco más de dos meses, el libro estaba revisado, corregido y publicado. De forma casi inmediata, causó sensación en todo el mundo angloparlante. Stevenson consiguió por fin el éxito que tanto se le había resistido. De esta fascinación arrebatada por una imagen de la dualidad humana nació uno de los mayores mitos literarios del siglo XIX... y del XX. Y es que la historia nunca ha cesado de ser reinterpretada. Entre el teatro y el cine cuenta con más de 120 adaptaciones. La primera sobre las tablas apenas dos años después de su publicación, y la primera para la gran pantalla en 1908. Los creadores no se cansan de explorar, desde perspectivas muy diversas, esta lucha (o complementariedad) entre el bien y el mal dentro del ser humano. Para este podcast, hemos seleccionado tres de esas adaptaciones. El clásico absoluto «El hombre y el monstruo», dirigida por Rouben Mamoulian en 1931; la fiel versión que Jean Renoir realizó para la TV en 1959, «El testamento del Doctor Cordelier»; y «Las dos caras del Dr. Jekyll», la inversión a la que Terence Fisher sometió a la novela en 1960. Además, traemos leído y analizado el libro de Stevenson. Con ello, analizamos ocho de los cientos de caras que el Dr. Jekyll ha tenido en su larga estirpe de dobles. Tras los micros, Miguel Muñoz Garnica, José Luis Forte, Lourdes Esqueda... y puede que algún doble inesperado. Música: Messer Chups - Dracula Hates Killer Icicles

El cine de terror no pasaba por su mejor momento en los años cincuenta. Había bajado su producción, perdido parte del interés del público y, si bien la década nos dio clásicos absolutos del género, ninguno inició una corriente renovadora. Hasta que llegó 1957. Fue en ese año cuando Europa tomó el relevo. Desde Italia, Riccardo Freda intentó actualizar el terror gótico con «Los vampiros». Desde Reino Unido, la mítica Hammer hizo su primera incursión en el horror con «La maldición de Frankenstein», dirigida por el gran Terence Fisher. La película de Freda fracasó, pero el éxito rotundo del nuevo Frankenstein abrió el camino. Un año después, la Hammer lanzaba su igualmente exitosa «Drácula». A la vez, en otros lugares del mundo, las historias de vampiros resucitaron del olvido. Y en Italia, «La máscara del demonio» (1960) triunfó allí donde había fracasado «Los vampiros». Dirigida por el genial Mario Bava (que fue director de fotografía y asumió en parte la dirección del filme de Freda), su tirón en las salas de Estados Unidos dio el pistoletazo de salida a décadas de esplendor del terror italiano. Entre las productoras del país transalpino y la Hammer, espectadores de todo el mundo asistieron a la edad de oro del vampirismo y el terror gótico. En el podcast de EAM abrimos un nuevo especial pre-Hallowen zambulléndonos en esta época apasionante para cualquier aficionado al terror. Tras los micros, Miguel Muñoz Garnica y José Luis Forte. Música: Messer Chups - Dracula Hates Killer Icicles

Rumer Godden fue una escritora entre dos mundos. Aunque nació en Inglaterra, pasó la mitad de su vida en el subcontinente indio. Entre idas y vueltas al Reino Unido, se crio en Bengala, prosperó en Calcuta y pasó una temporada en Cachemira. La mayoría de su obra versa sobre esta dualidad. En «Narciso negro», unas monjas destinadas al Himalaya chocan con la cultura local, incapaces de comprenderla o alterarla. En «El río», una chiquilla británica —alter ego de la propia Godden— descubre el amor, la muerte y la complejidad de la vida en Bengala, lugar que habita pero al que no pertenece del todo. Godden no es demasiado conocida en el ámbito hispánico. Pero sus obras han dado lugar a dos clásicos absolutos del cine. Michael Powell y Emeric Pressburger adaptaron fielmente «Narciso negro» en 1947. Cuatro años después, Jean Renoir reescribió —con Godden como coguionista— la historia de «El río» y firmó una de sus películas más recordadas. En EAM podcast, nos acercamos al universo creativo de Godden comentando tanto los dos libros los dos filmes que inspiraron. Tras los micros, Miguel Muñoz Garnica, José Luis Forte y Lourdes Esqueda.

Nos volvemos a asomar en este programa a uno de nuestros géneros favoritos del cine clásico: el "americana", dedicado a contar historias ambientadas en el mundo rural de Estados Unidos. Lo hacemos mediante dos ilustres representantes como «Estrellas en mi corona» (Jacques Tourneur, 1950) y «Matar a un ruiseñor» (Robert Mulligan, 1962), que comparten no pocos rasgos. Entre ellos, una narración de la infancia y el pueblo evocados desde la edad adulta, cargada de recuerdos emotivos, y una visión incisiva del racismo estructural de estas pequeñas comunidades. Participan Miguel Muñoz Garnica, José Luis Forte y Lourdes Esqueda. Música: Olivia Newton-John - Take Me Home Country Roads

Entre 1904 y 1925, el erudito medievalista M. R. James se dedicó a recopilar y publicar lo que hasta entonces había sido un pasatiempo: los cuentos de fantasmas que había escrito para leerlos a sus colegas en las noches de Navidad. Una tradición inglesa que, gracias al escritor, ha pasado a la posteridad. A menudo, James es considerado el mejor autor de historias espectrales que ha existido jamás. Medio siglo después, la BBC recuperó la tradición y produjo entre 1971 y 1978 la serie "A Ghost Story for Christmas". Se grabó un episodio por año, destinado a emitirse la noche de Navidad. De los ocho episodios, los cinco primeros fueron adaptaciones de M. R. James. Sin contar con un precedente directo: la versión de 1968 de "Silba y acudiré" (uno de los cuentos más populares del autor), también producida por la BBC. En este podcast repasamos esas seis adaptaciones del maestro James, teniendo en cuenta también los relatos originales. Un regalo para cualquiera que disfrute de una buena historia de fantasmas. Tras los micros, Miguel Muñoz Garnica, José Luis Forte y un invitado de lujo: David Bizarro, especialista en cultura pop y cine fantástico.

Volvemos a traer al podcast a la iniciativa Top FilmTuiter (que ya protagonizó el episodio 23): una comunidad de s de Letterboxd y Twitter que se dedica a elaborar listas por votación, explorando y, a veces, dando nuevas formas a los cánones de las mejores películas de la historia. En la última edición, 99 participantes han elegido las mejores películas de la década de 1920. Comentamos los resultados y las películas ganadoras con tres de los organizadores de Top FilmTuiter: Juan Javato, Paloma Dato y Guillermo Martínez. Conducen el podcast Miguel Muñoz Garnica y José Luis Forte. ENLACES - Listado de las mejores películas de los años veinte: https://letterboxd.com/topfilmtuiter/list/resultados-finales-top-filmtuiter-1920s-tft20s/ - Informe de Power BI con resultados enriquecidos y estadísticas: https://app.powerbi.com/view?r=eyJrIjoiMDQ0NWYxZjUtOWU4MS00Njg1LWJlNzQtNDlhMmY1ZDBmMDQ5IiwidCI6ImQzZGU4YTZjLWUwYzQtNDZmNC04MjAxLWVhOWY1YmYwYzFjOSIsImMiOjl9

Entrevistamos a Jaime Puertas Castillo, director de «Historia de pastores» (2024). Tras tener su estreno mundial en Rotterdam, ha sido presentada en la 27ª edición del Festival de Málaga. La película cuenta la historia de una estudiante y dos pastores en el altiplano de Granada en el año 2027. Entre ovejas, ruinas y drones, los personajes se encuentran, se visitan y se conectan alrededor de la leyenda de un cortijo que aparece y desaparece Entrevista realizada por Dani M. Lourtau.

Entrevistamos a Macu Machín, directora de «La hojarasca» (2024). Tras su paso por la Berlinale, la película ha sido presentada en la 27ª edición del Festival de Málaga. «La hojarasca», a caballo entre el documental y la ficción, está protagonizada por la familia real de la directora: sus dos tías y su madre. Entrevista realizada por Dani M. Lourtau.

Recuperamos nuestra sección dedicada a las películas que cumplen 100 años de vida. Par un año tan repleto de obras maestras como 1924 hemos escogido una de las epopeyas que Fritz Lang rodó en su etapa muda en Alemania. La adaptación del cantar de gesta de "Los nibelungos", que en su primera parte sigue las aventuras del héroe Sigfrido y en su segunda parte la venganza de Brunilda, un ángel de la destrucción. Participan en el podcast Miguel Muñoz Garnica y José Luis Forte. Música: Messer Chups - «Tchaikovsky Beat»

Recorremos un camino hacia «Alien, el octavo pasajero» (Ridley Scott, 1979), hito generacional, creadora de un imaginario de referencia y un gran éxito en su combinación de ciencia ficción y terror. Para trazar este camino, analizamos, junto a la película protagonizada por Sigourney Weaver, dos de sus precedentes más citadas, de las que «Alien» toma varios elementos argumentales: «El terror del más allá» (It! The Terror from Beyond Space, Edward L. Cahn, 1958) y «Terror en el espacio» (Terrore nello spazio, Mario Bava, 1965). Con Miguel Muñoz y Garnica y José Luis Forte. Música: The Neanderthals - Space Oddity

A finales de los cincuenta, la modernidad empezaba a asomar entre las producciones de Hollywood, también en un género tan señero como el western. En 1958, dos películas del Oeste abordan tropos clásicos del género desde perspectivas insólitas. En «El vengador sin piedad» (The Bravados), el veterano Henry King problematiza la venganza ejecutada por el protagonista al que encarna Gregory Peck; un personaje al que dota de un espacio fronterizo, lúgubre, casi purgatorial. Raras veces las sombras han tenido tanto protagonismo en un western. En «El último pistolero de la frontera» (The Last of the Fast Guns, George Sherman), producción de serie B de la Universal, Jock Mahoney interpreta a un pistolero a sueldo en la que espera que sea su última misión, consciente de que la era de las leyendas del revólver toca a su fin. En las sierras mexicanas acabará por encontrar una posible redención que no buscaba. Al otro lado del micro, disparan sus reflexiones Miguel Muñoz Garnica, Lourdes Esqueda, José Luis Forte y Gema Pérez Herrera. Música: Messer Chups - «Tchaikovsky Beat»

En 1909 vio la luz uno de los grandes mitos del terror del siglo XX. Fue cuando Gaston Leroux empezó a publicar por entregas su novela «El fantasma de la ópera». El escritor imaginó bajo la icónica Opera Garnier de París un mundo subterráneo dominado por la figura enmascarada de Erik, a la vez un genio del mal y un personaje digno de la mayor compasión. Carl Laemle, dueño de la Universal, no tardó en ver el potencial de la obra y compró sus derechos para rodar su primera adaptación. Así, para regocijo de Leroux, «El fantasma de la ópera» tomó forma cinematográfica en 1925 dirigida por Rupert Julian y protagonizada por el inolvidable Lon Chaney. Doce años después, el director Weibang Ma-xu reimaginó la historia en «Canción de medianoche» (1937), pionera del cine de terror chino. Fueron dos de las primeras versiones en la gran pantalla de una historia que no ha dejado de inspirar a cineastas de todas las épocas y geografías. En este podcast, emitido en pleno Halloween, nos dedicamos a comentarlas atendiendo a cómo ponen imágenes al mundo concebido por Leroux. Con Miguel Muñoz Garnica y José Luis Forte. Música: Goblin - «Profondo rosso»

Segunda entrega de la antesala a Halloween de este podcast. En esta ocasión viajamos a México de la mano de dos visiones muy diferentes del terror, aunque ambas referencias clásicas del cine de este país: «El esqueleto de la señora Morales» (Rogelio A. González, 1960) pone el toque de crimen y humor negrísimo y «Las momias de Guanajuato» (Federico Curiel, 1972) una fiesta surrealista protagonizada por momias y luchadores enmascarados con el celebérrimo Santo a la cabeza. Con Miguel Muñoz Garnica, José Luis Forte y Lourdes Esqueda. Música: Goblin - «Profondo rosso»

Por cuarto año consecutivo, asentando una tradición en este podcast, dedicamos el mes de octubre a ver y comentar cine de terror hasta la llegada de Halloween. En esta entrega proponemos una doble sesión de clásicos del giallo italiano: «Rojo oscuro» (Profondo rosso, Dario Argento, 1975) y «La casa de las ventanas que ríen» (La casa dalle finestre che ridono, Pupi Avati, 1977). Participan en este sangriento programa Miguel Muñoz Garnica, José Luis Forte y Érica Couto. Música: Goblin - «Profondo rosso»

Proponemos en este podcast relacionar tres películas del Rossellini posterior a su etapa neorrealista que, de distintas maneras, tratan cuestiones comunes sobre la conciencia y la redención. Son «Francisco, juglar de Dios» (sco giullare di Dio, 1950), «Ya no creo en el amor» (La paura, 1954) y «El general de la Rovere» (Il generale Della Rovere, 1959). Tras los micros, Lourdes Esqueda, Miguel Muñoz Garnica y José Luis Forte.