Black Power 6q3wr

A algunos se les atraganta, y tal vez con algo de razón: su tendencia al exceso, su virtuosismo vocal que a veces llegaba a lo exhibicionista y, sobre todo, esa aura de mártir perteneciente al ‘club de los 27’ (es decir, a la nómina de estrellas del rock que murieron a los 27 años) hacen que Janis Joplin sea una de las cantantes de rock más citadas, mencionadas y alabadas… a veces quedándose sólo en lo anecdótico y sin comprender la auténtica medida de sus logros, que son muchos. Su álbum Pearl (1971) lo tenemos entre los discos imprescindibles de la psicodelia de San Francisco. Estamos de acuerdo en que Janis Joplin nunca se ha visto valorada como merece, entre otras cosas, por ser una mujer. Y también sabemos que la historia de la música popular está llena de nombres femeninos que raras veces obtienen el crédito que merecen. Por cada Janis, por cada Patti Smith, cada Kim Deal (Pixies, The Breeders), cada Kim Gordon (Sonic Youth), cada Debbie Harry (Blondie) y cada Alice Glass (Crystal Castles) que llega a los titulares, podemos encontrarnos con miriadas de chicas cuyas carreras han ayudado a darle forma al ruido de nuestros amores sin apenas obtener crédito por ello. En nuestro Black Power! nº 60 y homenajeando la nunca bien valorada lucha de las mujeres por hacerse valer te presentamos a unas cuantas, en un repaso necesariamente incompleto: no sólo por el número de artistas incluidas, sino también porque, de haber incorporado a la avalancha de talento femenino contenida por el soul, el hip hop y el r’n’b, hubiésemos necesitado una emisora de radio entera.

En el Afrobeat, la sección que sostiene el ritmo (el beat) está habitualmente compuesta por guitarras, bajo y teclados, acompañados de batería, congas y de diferentes instrumentos de percusión tradicional. Pero también hay que destacar de forma muy notable la presencia del coro de mujeres, ya que representa una parte clave del género, por la importancia de conservar el formato pregunta – respuesta. Ellas son las encargadas de acentuar y aseverar el mensaje articulado por Fela. Como bailarinas, la sensualidad de sus movimientos puede llegarse a interpretar como una provocación más dentro del espectáculo, pero también podría ser considerado como una afirmación del rol femenino en la sociedad nigeriana, donde ritmo y danza son tan inseparables como presentes en la vida de todo individuo. En el campo visual, la puesta en escena da forma y color al mensaje. Esa integración de elementos filtra un espíritu combativo, un atisbo de resistencia a los patrones impuestos por el extranjero. Una síntesis deliciosa de los mejores elementos de cada cultura: un sentido del espectáculo desde la visión comunitaria; una no-escisión de danza-música-teatro; una cooperación artista-público; un mensaje político compartido; un sincretismo de estilo de raíz afro-descendiente o incluso un reencuentro entre lo afroamericano y lo africano con la generación de ritmos pegadizos y frenéticos capaces de romper esquemas y traspasar fronteras. Cuando hablamos del Afrobeat en tiempos de Fela, es imprescindible tener en cuenta la estrecha relación que existe entre vida y arte. En la mayoría de los casos, para los de las diferentes formaciones, el nuevo estilo significaba no sólo un sonido y una estética, sino también una filosofía de vida, ya que vivían de acuerdo con el mensaje que proclamaban sus letras y que a su vez, se desprendía de todo el conjunto de elementos que formaban el género.

El freakbeat es un género de música rock cuyo auge tuvo lugar a mediados de los años 1960. El término fue acuñado durante la década de 1980 por el periodista musical Phil Smee, con el objetivo de describir un estilo de rock considerado el "eslabón perdido" entre la música R&B de la escena mod de mediados de los 60 y los dos subgéneros que definirían el rock de los últimos años de la década: el rock psicodélico y el rock progresivo.El freakbeat solía fundamentarse en la típica instrumentación de rock con guitarras, bajo, batería y voces junto con efectos de estudio. Elementos del freakbeat incluyen una batería fuerte, guitarra distorsionada con fuzztone, flanger, y el resto del audio o las voces con phaser y compresión. Algunas bandas de garage rock de la época podrían ser consideradas exponentes de este estilo. Entre lo más representativo del género se podrían destacar los primeros álbumes de The Who y The Kinks

Mucha gente dice que las mejores marcas de instrumentos musicales son británicas y americanas, a lo cual no les quito nada de razón hasta la hora de hablar de órganos, ya que desde la Edad Media Italia ha sido el fabricante más importante a nivel mundial de órganos. Nos encuadramos históricamente: Una pequeña empresa italiana fabricante de acordeones ofrece un prototipo de órgano portátil ligero y muy manejable, por supuesto con las limitaciones tecnológicas de la época que en un cuadro de mandos tan reducido no les permite instalar mandos tan esenciales en el órgano como los drawbars, los controladores y la rueda combinatoria, pero Farfisa fue más allá ofreciendo ventajas que hasta esa época nadie las ofrecía. En una época donde el concepto "órgano portátil" era el pesado órgano "Hammond" Farfisa lanzó al mercado su archiconocido "Farfisa Compact", una alternativa ligera (unos 30 Kg frente a los 120 Kg del Hammond), un sonido que aunque con un timbre excesivamente grave daba el pego como sonido y con un diseño juvenil y moderno que hizo de su adquisición un trámite natural para los teclistas de la época. El Farfisa Compact contaba con varios sonidos aparte del de órgano (strings, oboes, flautas, bass, ...), todos ellos producidos por esa maravilla de la tecnología recién descubierta: Los transistores. Los distintos sonidos, accionados mediante interruptores convencionales, podían ser combinados entre ellos, lo que daba la posibilidad de "jugar" con nuevos sonidos. Hubo una versión de teclado doble llamada "Farfisa Compact Duo", de poco éxito en ventas comparándolo con su hermano pequeño, pero de gran relevancia en la música (Richard Wright de Pink Floyd lo utilizó tanto en "Dark side of the moon" como en las grabaciones en Pompeya). Grupos de la talla de The Animals, Pink Floyd, Sly & The family Stones o Aretha Franklin se decantaron por este innovador sonido.

El CBGB fue un club neoyorkino que a mediados de los 70 dio la primera oportunidad a artistas como los Ramones, Television o Blondie. Lo cierto es que lo último que tenía en mente el fundador del CBGB, Hilly Kristal, era crear un templo del punk. De hecho, el nombre del local responde a las iniciales Country, blugrass & blues ya que su dueño tenía la intención de dar cabida en su escenario a música de raíces americanas. Pero la falta de éxito y las circunstancias variaron el plan inicial. Kristal abrió el CBGB a finales de 1973 y, viendo que el negocio se aventuraba ruinoso, decidió acoger en su escenario a jóvenes bandas que poco o nada tenían que ver con el country y el blues. Los primeros fueron unos desconocidos llamados Television, la banda liderada por Tom Verlaine y Richard Hell  No tuvieron mucho éxito pero atrajeron una clientela poco habitual que pagaba un dólar en la puerta para acceder al interior. De la mano de Television llegaron cuatro melenudos de Queens que el 16 de agosto de 1974 hicieron su debut en directo en el minúsculo escenario del CBGB: los Ramones. “Arrancaban las canciones y se paraban a la mitad, discutían entre ellos… eran un desastre”, aseguraba Hilly Kristal en una entrevista. La fórmula empezó a dar sus frutos debido al interés que despertaban aquellas jóvenes bandas y a la falta de locales para debutantes que había en el Nueva York de aquellos años. Además, la filosofía de Kristal era que solo actuaran en su escenario grupos que interpretaran su propia música, lo que supuso un aliciente más para que los jóvenes deseosos de encontrar nuevos sonidos se convirtieran en asiduos del garito de Bowery. Poco a poco empezaron a desfilar por el CBGB otros nuevos talentos como Blondie –cuando aún eran The Stilettos-, Patty Smith, Talking Heads, Mink DeVille, Johnny Thunders and The Heartbreakers, The Dictators, The Dead Boys o Suicide. De pronto, actuar en el CBGB era sinónimo de ser alguien en la escena punk y new wave que imperaba a finales de los 70. Prueba de ello es que durante la primera gira de The Police por EE.UU. la banda de Sting hizo parada en el club neoyorkino pese a tratarse ya de un grupo de éxito. Incluso algunas celebridades como Andy Warhol o Lou Reed se dejaron caer por el tugurio de Kristal, atraídos por el brillo de las emergentes estrellas punk. A finales de los 70 y a comienzos de los 80, el punk sufrió una mutación, ganó en velocidad y aparecieron otro tipo de grupos a cuyo sonido se le denominó hardcore. Ante el declive el punk, Kristal abrió el CBGB a la siguiente generación de grupos. El regente del night club tomó esta decisión en 1982, justo cuando cerraban las puertas de la segunda versión del Max’s Kansas City, que ya llevaba un par de años programando hardcore. El CBGB daría cabida a las bandas de hardcore en la tarde de los sábados, pero posteriromente pasó a programarlas los domingos por la mañana, creando las populares Sunday Hardcore Matinee. El CBGB ofrecía la posibilidad de por sólo 6 dólares ver a grupos de la talla de: Minor Threat, Youth Brigade, Flipper, Government Issue,…. Gracias a las ‘matinees’ también surgió toda una primera hornada de bandas del New York HardCore: Agnostic Front, The Mob, Reagan Youth,Murphys Law,The Beastie Boys, Cause For Alarm, Urban Waste, Armed Citizens, NY Hoods, Cro-Mags, Supertouch, Youth Defence League, Warzone, Major Conflict, The Psychos,…. Todo esto salió entre 1982 y 1985.El CBGB siguió siendo un pequeño club de rock, con capacidad para una audiencia de 300 personas, que siguió abierto hasta 2006. El local de la calle Bowery estaba alquilado a una asociación que daba un techo a los homeless de Nueva York. Este colectivo tenía el alquiler hasta 2037 y subarrendaban el local a Kristal, histórico propietario del CBGB que falleció en 2007. La revalorización de la zona llevó a esta asociación a pedir a Kristal 19.000 dólares mensuales, el triple de lo que venía pagando, lo que unido a la deuda del promotor facilitaron su cierre.

El Rock Argentino (en Argentina Rock Nacional), es una denominación musical muy amplia, aplicada a cualquier variedad de Rock and Roll, Blues Rock, Jazz Rock, Pop rock, Punk Rock, New Wave, Garage Rock, Ska Punk, Rock Psicodélico, Hard Rock y Heavy Metal, entre otros estilos musicales. Argentina fue el primer país del ámbito iberoamericano que después del anglo-sajón (Estados Unidos, Gran Bretaña y Australia, sus lugares de origen), combinó los diversos géneros derivados del rock and roll con elementos autóctonos, desarrollando así un rock de identidad propia. También fue el primero en utilizar una lengua que no fuera el inglés para comunicar y describir temáticas afines a su idiosincrasia y abundantes referencias a la geografía local, convirtiéndose así en precursor del rock en habla hispana y el que logró inicialmente mayor éxito comercial fuera de sus fronteras. Los artistas pioneros de este movimiento fueron Sandro; Luis Alberto Spinetta y su banda Almendra; Vox Dei; Moris y Pajarito Zaguri con su grupo Los Beatniks; Miguel Abuelo con Los Abuelos de la Nada; el trío Manal con Alejandro Medina, Javier Martínez y Claudio Gabis; Tanguito; Litto Nebbia con Los Gatos; el guitarrista, cantante y compositor Norberto Pappo Napolitano, y más tarde Charly García, con bandas como Sui Generis o Serú Girán y Alejandro De Michele con su banda Pastoral, entre otros. Luego surgieron otros nombres, reconocidos exponentes de la cultura popular argentina, que marcaron a fuego el rock en español: G.I.T., Virus y su líder Federico Moura, el grupo hispano-argentino Los Rodríguez, Los Enanitos Verdes y su compositor Marciano Cantero, Los Fabulosos Cadillacs, los pioneros Punk Los Violadores; grandes convocantes de masas a nivel local como Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota y su cantante el Indio Solari, Soda Stereo y su líder Gustavo Cerati, La Renga y su compositor Chizzo Nápoli, Sumo y su vocalista Luca Prodan, Rata Blanca y su fundador Walter Giardino; destacados compositores que emprendieron carreras solistas como Andrés Calamaro, Fito Páez, Vicentico, o León Gieco; referentes del rock pesado como Riff, Ricardo Iorio y sus bandas V8, Hermética y Almafuerte, O'Connor; y la corriente del nuevo rock: Divididos, Los Piojos, Las Pelotas, Ratones Paranoicos, La Bersuit, Ataque 77, Los Pericos, Babasónicos, Callejeros, Las Pastillas del Abuelo, Pity Álvarez y sus bandas Viejas Locas e Intoxicados, Catupecu Machu, La Mancha de Rolando, Los Auténticos Decadentes, Jóvenes Pordioseros, entre tantos otros.

El término "crooner" es de origen estadounidense y sólo se refería a hombres cantantes, antiguamente en castellano, la traducción sería "Trovadores" que no suena muy amigable para lo que cantan. Aunque el estilo se inició tras evolucionar el canto de la Ópera, el Jazz (que era para rebeldes) empezaba a ser muy popular en los años 20 y los cantantes no podían faltar, así que en los 60's los Crooners, ya se habían convertido populares. Eso sí, para cantar tenían que estar acompañados de una buena orquesta o big band, y muchas veces no sólo era cantar, también hacían un show musical. La mayoría de los cantantes estaban bien preparados refiriéndonos a la vocación profesional. Casi todos eran músicos, actores en shows de TV, se podría decir que hacían un poco de todo en el mundo de la música.

El exilio supuso una fuga de talentos que dejó el área de las artes españolas en una profunda depresión de la cual no logró salir hasta ya muy avanzada la década de los 70. Muchos de nuestros mejores escritores o cineastas tuvieron que huir de un régimen que les quería muertos (algunos no lograron escapar de los fusilamientos), lo cual provocó que muchos tuviesen que abandonar sus quehaceres o bien desarrollaron sus obras lejos de España, lo cual no permitió a sus congéneres el disfrutarlas. Tal y como sucedió en el caso catalán, la juventud andaluza también sufría a finales de los años 60 las consecuencias de un hermetismo cultural que solamente permitía la entrada de la música extranjera que el caudillo consideraba como inofensiva. Sin embargo, al igual que en el caso de los jóvenes catalanes, en Andalucía también contaban con un foco de entrada clandestina de toda la música prohibida, Gibraltar, lo cual permitió que, de forma imposible de controlar por el ministerio de pensamiento único, comenzasen a circular determinados discos e ideas que acabarían significando el germen de lo que ahora conocemos como el Rock Andaluz, siendo para ello fundamentales los primeros pubs musicales abiertos en Sevilla y, por supuesto, el boca a boca. En un número reducido de casos, el exilio permitió que los protagonistas alcanzasen una nueva dimensión, se convirtiesen en artistas de referencia internacional gracias al aprendizaje recibido al obtener influencia artística en sus destinos o lugares de paso. En el cine sucedió con don Luis Buñuel, y en el caso de la música, el protagonista fue Agustín Castellón, más conocido como Sabicas, el gitano Sabicas, de origen navarro y nacido en 1912, tuvo que exiliarse al inicio de la Guerra Civil Española cuando ya era un reputado guitarrista flamenco, y maestro entre otros de don Paco de Lucía y compañero de Juanito Valderrama. Una vez en Nueva York, y fruto de su esfuerzo y el espíritu aperturista que sólo el exilio podría haberle dado, Sabicas comenzó a actuar en las mejores plazas de Manhattan teniendo la oportunidad de colaborar con gente de la talla de Miles Davis, Charles Mingus, Duke Ellington, James Brown o Joe Beck, convirtiéndose en el pionero de la fusión de su personal forma de tocar el flamenco con estilos tan variados como el Jazz, el Blues o el Rock. Nueva York rindió varios homenajes a este músico imprescindible, quien fallecería en la ciudad estadounidense el 14 de abril de 1990, destacando entre todos ellos el realizado en el Carnegie Hall solo un año antes de su muerte. Poco, muy poco se ha hablado de su figura en España, cuestión entristecedora teniendo en cuenta que estamos hablando de uno de los músicos más internacionales que ha dado nuestro país y el responsable del nacimiento del Flamenco Fusión y el Rock Andaluz.

La revolución del Soul y Rhythm & Blues es uno de los grandes capítulos de la historia de nuestra música popular. El soul y el rhythm & blues es la banda sonora de un puebÍo, los negros de los Estados Unidos en plena lucha por sus derechos. Pero es también la expresión musical afroamericana que ha tenido más trascendencia en la cultura popular del siglo XX. Fue la música que rompió barreras raciales, la que llevó al 'pueblo del blues' a proyectarse en todo el mundo, a sentar las bases del rock, la música disco, el hip-hop y la música pop en general. Desde los guetos negros de las grandes ciudades a los grandes escenarios de todo el planeta, el soul y el rhythm & blues, trazaron un camino de superación y libertad, que transformó la cultura de los últimos sesenta años partiendo de lo más profundo del alma negra. - Los grandes pioneros: Sam Cooke, Ray Charles y James Brown. - Bajo el mítico sello Stax Records: Otis Redding, Sam & Dave, Rufus Thomas o Isaac Hayes. - Llega la revolución soul: Aretha Franklin y su «I Never Loved A Man The Way I Love You». - El fenómeno Motown:The Supremes, Gladys Knight &The Pips,The Temptations, Stevie Wonder o Marvin Gaye. - El neo soul, hacia un sonido mucho más puro: Amy Winehouse, Erykah Badu, Jill Scott. En 1948 un periodista musical llamado Jerry Wexler, que trabajaba para la revista Billboard, acuña oficialmente el término rhythm & blues, que ya venía siendo usado por músicos negros, para sustituir a los caducos y ofensivos de race music o race records, con los que se denominaba a las producciones musicales hechas por afroamericanos. Predecesor del rock and roll y con fuertes influencias del jazz y la música gospel, surge en un momento en el que los. Estados Unidos viven cambios frenéticos, con una expresión contracultural que germina en las universidades y que en la calle sustituye las grandes orquestas de swing por pequeños clubs donde triunfan formaciones musicales mucho más reducidas. La música soul combina elementos del gospel y del rhythm and blues, surgiendo en un momento en el que líderes como Martin Luther King luchaban por los derechos civiles y la música adquiría un valor simbólico dentro del contexto social. - El latín soul: De Ray Barreto - El pop soul de The Martha and the Vandellas, The Temptations o The Supremes. - Smooth soul, elegante y romántico: Al Green, Marvin Gaye, Diana Ross o Teddy Pendergrass. - Southern soul, las raíces del funk: Clarence Carter, Aretha Franklin o Sam & Dave. - Los mitos de la música negra: Otis Redding, Sam Cooke, Rufus Thomas o Isaac Hayes. Haremos un repaso pormenorizado de la historia del soul y el rhythm and blues, destacando cuáles son las claves de un género que ha hecho bailar y emocionarse a media humanidad, así como una amplia selección de sus principales grupos y los álbumes fundamentales que lo componen.

Frente al ánimo de los buenos músicos urbanos hispanos, algunos fantasmas recurrentes llenaron el camino de obstáculos y limitaciones. Uno de los principales fue la “mili” cuya obligatoriedad insistía en cortar por la mitad las carreras artísticas de los grupos. El baile de componentes en muchas formaciones viene determinado por este lapso de tiempo, del que algunos volvieron con la creatividad cercenada. Para sobrevivir, cantantes e instrumentistas dividían su actividad entre lo que de verdad les gustaba -un rock libre de ataduras- y otras ocupaciones más alimenticias, como las sesiones en las discotecas del extrarradio. En estos casos el repertorio cambiaba, ya que lo importante era que las parejas pudieran bairlar y los dueños de las salas estuvieran contentos. Quizás por esa razón, los grupos españoles del primer rock duro solían amarrarse a las versiones para demostrar sus cualidades. La producción propia estaba muy condicionada por la necesidad de expresarse en inglés para evitar los estragos de la censura, y todo esto disminuía sus opciones de éxito entre el gran público. Otras veces era la lengua inglesa la que mejor encajaba en la música que hacían, por lo que la decisión de usar ese idioma resultaba una elección libre…. Pero igualemente anticomercial. Tampoco la industria del disco ayudó mucho a la progresía hispana. Las grandes compañías ignoraron el género y fueron tres independientes catalanas las que publicaron un buen porcentaje de las referencias: Diabolo/ Els 4 Vents, Ekipo/ Dimensión y Edigsa, la más estable y poderosa. Los barceloneses estudios Gema fueron un trasiego constante de melenudos con guitarras y camisetas de ameba, que trataban de aprovechar sus escasas cuetro pistas como mejor podían. Otra característica común al rock ibérico fue su reducida producción discográfica: apenas un par de vinilos por media –en muchos casos singles de 45 rpm- y la oportunidad de grabar uno o dos LPs para los más afortunados. No hubo por lo tanto mucho sitio para los álbumes conceptuales, tan de actualidad en el mundo libre.

Es música intimidante, repetitiva, visceral. Embutida en sudor, decibelios y muecas, preserva en estado puro el mito adolescente del rock como bandera de rebelión. Sospechosa ante los medios de comunicación, su falta de repetabilidad exacerba su aureola de heroísmo. Aparenta estar fuera de la ley para reforzar su magnetismo y vender una arisca válvula de escape.

A principio de los 70 la canción protesta estaba en cada esquina. Unos musicaban a poetas exiliados o masacrados, otros componían proclamas cantadas y una tercera vía protestaba con la sátira y el cachondeo, armas tan ibéricas como infalibles. Descendientes de Quevedo y amamantados por las génerosas ubres de La Codorniz, surge un grupo más o menos folk llamado Las Madres del Cordero y liderado por un jovencito de tendencias ácratas que atendía al nombre de Moncho Alpuente. Cuando llegó la Movida, él ya estaba allí.

Casi como una selección tarantinesca, el productor de Breaking Bad Vince Gilligan optó por tremendos temazos para un disco tan bueno como la propia serie. Para hablar de esta serie que narra la historia de Walter White, un profesor de química con problemas económicos a quien le diagnostican un cáncer de pulmón inoperable y, para pagar su tratamiento y asegurar el futuro económico de su familia comienza a cocinar y vender metanfetamina junto con Jesse Pinkman, un antiguo alumno suyo, hay que entender y haber vivido las cinco temporadas y media que tuvo esta serie, una de las más grandiosas, excelentemente escritas, dirigidas y actuadas de nuestra era.

En Perú, durante los 60's, existió un movimiento que, quizás, es lo más asimilable al garage rock original que existió fuera de Norteamérica y que allí se denominó "Rock Colérico". Los Saicos fueron la banda más destacada (aunque hubo otras, como Los York's, el solista Jean Paul "El troglodita" o Delai Alamos y sus King Stars). Los Saicos, en concreto, fueron auténticos precursores del punk. Grabaron exclusivamente en castellano y, en lugar de hacer versiones, solamente editaron canciones propias. Sus temas producidos entre 1964 y 1966 son, posiblemente, lo más cercano al espíritu garage punk original que existió por aquel entonces fuera de los Estados Unidos. De hecho, la reedición de sus discos a partir de los años 2000 por sellos europeos (españoles) los ha terminado consagrando, a nivel mundial, como verdaderos pioneros del proto-punk, con todos los honores. México también destacó con bandas como Los Sleppers con su tema titulado " Zombie " de 1961, Los Sinners con su tema " Rebelde Radioactivo " de 1964, Los Monjes, Los Yaki, Los Ovnis, Los Profetas, La Máquina del Sonido, los Dug Dugs y otros. Su cercanía a Estados Unidos se dejó notar en una especial tendencia a los sonidos crudos y ásperos entre ciertos grupos y, también, por una evidente receptividad (siquiera fuese implícita) hacia lo que estaba ocurriendo "al otro lado de la frontera". En México siempre pesaron mucho las tendencias e influencias musicales estadounidenses, más que en ninguna otra parte de Latinoamérica (con la posible y fugaz excepción de la Cuba pre-revolucionaria y del inevitable Puerto Rico). De forma que incluso la "invasión británica" llegó, de alguna manera, a través del filtro de los USA. En Chile, el grupo Los Jocker's, uno de los pioneros del rock en su país, también podría asimilarse en algunos de sus temas al garage rock, al igual que ocurrió con los Gaffas (un grupo bastante efímero pero que se posicionó en este género como el primero de su país) o Los Bunkers a principios de la década del 2000. No hay que olvidar a bandas de otras partes que, en un momento u otro, se acercaron al estilo, como Los Gatos Salvajes o Los Knacks de Argentina, Los Flippers y Los Yetis de Colombia y, sobre todo, Los Shakers y Los Mockers de Uruguay (estos últimos uno de los grupos latinoamericanos de los 60's cuyo sonido, totalmente influido por los Rolling Stones, más se acerca al sonido garajero original de las bandas estadounidenses de la época). No obstante, hay que insistir en que en ninguno de los países citados existió una escena de rock de garaje, algo que sólo puede aplicarse a música estadounidenses y canadienses. El garage revival de los 80's también terminó llegando a Latinoamérica, aunque con cierto retraso y con menor intensidad que en los Estados Unidos, Europa o Australia. Aún así, hubo dos países donde el revival tuvo especial incidencia ya a finales de los 80's y principios de los 90's: Argentina y México. Y, posteriormente, ya en la década de los años 2000 y 2010, otros tres: Brasil, Colombia y Uruguay. En Argentina, a pesar de ser el país con la tradición rocanrolera más larga y constante de toda Latinoamérica, el Revival del garage rock tuvo lugar, como ya se ha señalado, relativamente tarde (aunque antes que en el resto del subcontinente). Así, no fue hasta finales de los '80 y principio de los '90 cuando surgieron algunos grupos como Los Telépatas, Amor Indio y La Celebración que, inspirados en bandas clásicas como The Kinks y The Sonics o modernas como The Fuzztones, reivindicaron los sonidos sixties. En la actualidad dichas bandas siguen existiendo y son la influencia fundamental para nuevos grupos de garage como Los Peyotes. También en México surgió, aunque algo más tarde (ya en los años 1990), una escena underground muy potente relacionada con el garage punk y los sonidos crudos del rock and roll, que ha llegado con excelente salud hasta nuestros días. En ella destacan, entre otros muchos, grupos como Los Mustang 66, Las Ultrasónicas, Los Explosivos, Los Infierno, Twin Tones, Los Jóvenes Salvajes, Jessy Bulbo, Los Chicos Problema, Las Pipas de la Paz, Las Vinylators, Los Agradables o Los Bigams. De hecho, la escena garajera mexicana es, a día de hoy, de las más vitales y dinámicas de toda Latinoamérica. Aparte de a su propia tradición rocanrolera (sólo comparable a la argentina tras el "bache/paréntesis" que sufrió en los 70's), esa pujanza puede deberse a la evidente cercanía a la fuente original del Rock de Garaje (Estados Unidos) y, también, a la fluidez de sus os e influencias con la escena europea (en concreto la española). A destacar, ya a partir de los años 2000, la escena garajera de Brasil, un país que cuenta con una tradición musical especialmente notable, original e idiosincrática (ella sola ha dado al mundo estilos tan característicos como la bossa nova y otros). En los años 50 y 60 alumbró multitud de bandas y solistas que practicaban una peculiar fusión de pop, rock'n'roll y (en su momento) psicodelia, con unas cualidades que los diferencian del resto del subcontinente. No obstante, el revival garajero de los 80 no tuvo especial incidencia. Hubo que esperar hasta la década de los 2000 para que apareciesen grupos influenciados por ese tipo de sonidos. Entre ellos destacan los extraordinarios Os Haxixins, a día de hoy una de las mejores bandas de garage rock de toda Latinoamérica. La escena garajera de Colombia surgió a partir del año 2009 en la ciudad de Bogotá, con bandas como The Kitsch y The Suck's, con su sonido vibrante y crudo, retomando desde los beats 60's hasta el garage punk de los 80's e influenciados por bandas como The Sonics, The Monks, The Avengers y The Gruesomes. Por último, reseñar que también Uruguay se ha incorporado vigorosamente a la escena garajera latinoamericana a principios del siglo XXI con ejemplos recientes y tan notables como The Funtastic Vagoos, Jesse & the Sheena Lovers y Los Ultraman, bandas que recogen el testigo dejado en los 60's por grupos tan importantes y ya citados como Los Mockers o Los Shakers.

El rock, el hip-hop, el R&B o el pop son géneros que siempre buscaron el baile con cada nota (si no, que se lo digan a Elvis), James Brown podría ser el cantante más físicamente activo de todos los tiempos, es más: ha pasado cinco décadas sobre los escenarios sin parar de moverse. El estilo musical de Brown se desarrolló en gran parte por su necesidad de contonearse, desarrollando junto a su banda nuevos ritmos funk para adaptarse a sus movimientos. Hoy, esos nuevos ritmos que inventó Brown se han convertido en la base del funk, rock, house, hip-hop y más. Así de alargada es su influencia.

Recorremos la geografía ibérica buscando bandas emergentes con ganas de diversión. Recalamos en Alacant donde nos damos una vuelta por Benidorm con La Moto de Fernan, volvemos a la terreta con Las Sultanas, Flamin Guays y Ultrazorras. Pasamos por Andalucía con Guadalupe Plata y Le Parody, subimos a Madrid con Última Experiencia, Alborotador Gomasio, Yakuzas, The Parrots, Los Nastys, Mihassan, ... Nos acercamos a Catalunya donde nos esperan Les Sueques, Pedro Parque, ... Euskadi queda representada por los vizcainos Ornamento y Delito y los guipuzcoanos Correos, ... Hasta saltaremos a Canarias de la mano de Papaya. Todo esto y mucho más en el Black Power! nuestro de cada viernes.

En medio del reinado del glamour del video clip, de las recargadas producciones y de los peinados imposibles, brotó desde lo más profundo de las catacumbas musicales, desde eso que llamamos underground, una inesperada y arrebatadora explosión de energía guitarrera y melódica, otra vuelta de tuerca hacia lo básico que reivindicaba la emoción de lo simple y directo, tomando como base el sonido de aquellos olvidados grupos de garage americanos, de mediados de los 60 del pasado siglo, que por aquellos días salían de las catacumbas gracias a recopilaciones como Nuggets y Pebbles.

A principios de los setenta, la canción protesta estaba en cada esquina. Unos musicaban a poetas exiliados, otros componían proclamas cantadas y una tercera vía protestaba con armas tan españolas como infalibles: el cachondeo y la sátira. Eran grupos descendientes de Quevedo y estaban amamantados por las generosas ubres de La Codorniz. Desde Bonet de San Pedro en la posguerra hasta Los Nastys actuales daremos un repaso a el humor en la música en castellano, galego, catalá abarcando géneros que van desde el pasodoble hasta el funk pasando por garage, vodevil, punk, sin olvidarnos del viejo rock'n roll.

El indie es un género muy discutido y no porque no sea exitoso o porque algunos consideren que es una moda del momento y que, eventualmente, terminará desapareciendo sino porque, a diferencia de muchos otros como el heavy metal, rock, pop o garage, no se identifica con solamente un sonido sino que varía mucho entre banda y banda y, sin embargo, vamos a seguir estando dentro del género. De gran diversidad, presenta variados sub-géneros que incluyen al lo-fi, post-rock, math rock, noise rock, space rock, sadcore, riot grrrl, entre otros. Escuchamos a Pixies, Sonic Youth, Hole, Nirvana pasando por Neil Young, Enrique Morente, Lagartija Nick, Instituto Mexicano del Sonido, y las implacables Riot Grrrl de Bikini Kill y Babes in Toyland terminando con Mando Diao, Queens of the Stone Age o The Strokes, incluso Johnny Marr.

Variaciones en la mitología guitarrera de los siglos XX y XXI. Desde Django Reinhardt, Wes Montgomery y B.B. King hasta Eric Sardinas y Tom Morello, pasando por Hendrix, Alvin Lee, Winter, Santana, Clapton, Richards, Benson, el inigualable Gallagher y varios más. Para terminar presentamos dos temas de Kitty Daisy & Lewis y su inminente nuevo trabajo "The Third", es el tercero. Mención especial a la mani de mañana sábado 24 de enero a las 11:30 h. en el Mercado Central de Alicante y contra la banca genocida y la ley hipodecaria que desahucian familias, Todos Somos Sonia y Paco a las puertas del BBVA de Alfonso el Sabio convocada por STOP-Desahucios.